Tanque de Casma

El poder y la gloria tras bambalinas

2012-01-30T11:10:00.000-05:00

Stephen Meyers (Ryan Gosling) es la mano derecha del jefe de campaña del precandidato demócrata Mike Morris (George Clooney). Cree sinceramente que este político de verdad puede hacer lo que promete. Y hay muchas posibilidades que logre llegar a la Casa Blanca. Pero cuando mejor se presentaba el panorama, dos hechos alteran la situación: le ofrecen al protagonista trabajar con el rival y en paralelo empieza una relación amorosa con una becaria.

La cinta habla del poder, de cómo éste deslumbra y hace que todo gire alrededor de él. Pero en especial, del poder detrás del trono, que juega con el resto sin nunca dar la cara. Las primeras escenas dan pistas de ello. Meyers ensayando, como si fuera el propio candidato, haciendo pruebas de sonido en un local sin público. Momentos después, las palabras que dice con aire socarrón, son pronunciadas con pasión por su candidato.

El cinismo domina este mundo, incluido a personajes que parecen sinceros en sus intenciones como el candidato o su publicista. Todos se usan entre sí, incluida esa reportera interpretada por Marissa Tomei, coquetea o chantajea dependiendo de la situación.

Es clara la evolución del propio protagonista, de ser un chico astuto pero bienintencionado, hasta convertirse en un ser cada vez más calculador. Su gesto va cambiando. La vaguedad moral y la sed de resultados van sepultando en él los deseos de hacer algo distinto. También hay que alabar el ritmo de la narración, que va in crescendo.

Sin embargo, no sale de lo previsible. Sabemos o intuimos de qué parte vendrán los problemas y, lo que es más importante, cómo progresarán desde el inicio. El buen elenco mitiga y sirve de contrapeso a este problema. Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti haciendo de jefes de campaña rivales, cuya corrupción se nota desde su aspecto físico, están en un gran nivel, por ejemplo.

Una cinta de interés, que muestra una visión ácida del poder y de su uso, siempre tras bambalinas. Gran metáfora de la cinta es cómo el protagonista resuelve sus problemas laborales en una cocina casi a oscuras, pisoteando honras y recuerdos como quien cambia figuritas.

Ficha técnica

Poder y traición (The Ides of March)

Dirige George Clooney.

Actúan Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul GIamatti, Evan Rachel Wood y Marisa Tomei.

Cuando el periodismo es lo más cercano a Indiana Jones

2012-01-26T09:12:00.000-05:00

Tintín, un joven periodista, se ve involucrado en una seriede correrías en pos de un quimérico tesoro. En el trayecto entabla amistad conel capitán Haddocky se viven diversas trepidantes persecuciones y peleas.

Adaptar un personaje entrañable, creado para un públicomenor de otra época, significa varios retos a superar. En qué medida serle fiely en qué aspectos sacarle la vuelta al modelo original es uno de los principales.En esta versión en 3D de Tintín, un clásico del cómic europeo, se sabe sortearestos inconvenientes.

Por el lado visual, es indiscutible que se ha sacadoprovecho de lo que la tecnología actual brinda. Se ha mantenido en cierta formala estética de cada personaje pero adecuándolos al formato. En ese sentido, essignificativo el arranque de la cinta. Un pintor al paso le hace un retrato aTintín: una caricatura.

Es importante este gag porque da una pista importante deltono de la narración. La ironía no abandonará la película. Frases como “haycosas peores que la sobriedad” o “descuide, una vez entrevisté a un piloto”momentos antes de despegar un aeroplano, son muestras de un guión inteligenteque no subestima a su público.

Pero junto al humor, tampoco la acción está ausente. Elritmo es incesante, haciendo difícil distraerse. Un detalle que varios hannotado es que no existen casi fundidos a negro en la cinta. Para cambiar de una locación a otra, se juega con lasimágenes de forma sugerente, saltando cualquier posibilidad de pausa.

Sin embargo, una deficiencia que se le puede observar es queno hay mucha profundidad en los personajes, en especial en el héroe. Son seresde una sola dimensión – valga la ironía para una cinta 3D – que no tienenconflictos. El único que tiene una mayor espesura humana, por llamarla dealguna manera, es la del capitán Haddock. Él es un ebrio, por momentos dubitativo,por momentos desbordante de valentía. No es el prototipo del héroe virtuoso, ypor eso hace buen contrapunto con el bienintencionado Tintín. Una cinta muyapreciable que, inexplicablemente, ha sido descartada en la competencia a Oscarpor mejor película animada. Misterios de la Academia que no resuelve ni Tintín.

Ficha técnica

Las aventuras de Tintín

Dirige Steven Spielberg

Qué difícil es ser Papa

2012-01-23T10:42:00.002-05:00

Muerto el Papa, los cardenales de todo el mundo se reúnen enel Vaticano a decidir quién será el próximo Pontífice. Luego de un par devotaciones se elige a uno de ellos que no estaba entre los favoritos. Ante lasúbita responsabilidad, éste – interpretado por Michel Piccoli – tiene unacrisis instantes previos a salir al balcón a dar la bendición tradicional a losfieles. Para superar la situación convocan al mejor sicoanalista de Italia –protagonizado por Nanni Moretti, el director de la cinta – iniciándose uncontrapunto entre el drama humano y un humor absurdo y delirante.

Es una cinta peculiar, que escapa de la crítica fácil. No setrata de la crisis de la fe, ni del contrapunto entre religión y sicoanálisis –salvo algún duelo verbal irrelevante – como algunos han querido ver la cinta.Ni es, menos, un ataque a la iglesia católica, tratada en la película con humorpero respeto. Es, más bien, el drama de un hombre abrumado por las responsabilidades.

Pero mientras este conflicto se desarrolla, otro escenario,más farsesco, también se presenta. El cónclave debe seguir sin contacto con elexterior mientras el Papa se decida a salir en público, obligando a loscardenales – y de paso al sicoanalista – a matar el tiempo guardando lasapariencias. Situaciones como un guardia suizo fingiendo ser Papa, uncampeonato de voley entre cardenales o discusiones sobre calmantes sirven parabajar la tensión a la historia principal.

No es tan redonda como la anterior cinta de Moretti Elcaimán, en la que abordaba de forma ácida el tema del poder político y lacorrupción en la actual Italia, pero no deja de tener interés. Por momentospuede dar la sensación que el cineasta cede ante la broma que se le presenta,rompiendo con la ilación del relato y mostrando cierto caos en la narración.Pero esa es parte del encanto. Juntar elementos tan disímiles sin un ordenestablecido, como en la vida misma. El final, totalmente inesperado, va en esalínea.

Mención aparte merece el tema de Mercedes Sosa que se cuelaentre las paredes del Vaticano, haciendo que los cardenales lleven el ritmo.Imposible no recordar a Nanni Moretti en Caro Diario cantando desafinado“Buscando visa para un sueño”.

Ficha técnica

Un papa en apuros(Habemus Papam)

Dirige Nanni Moretti

Actúan Michel Piccoli, Nanni Moretti, Jerzy Stuhr, RenatoScarpa, Margherita Buy, Franco Graziosi.

Yapa
La escena de Caro diario en la que Nanni Moretti "canta" una de Juan Luis Guerra:

Lo que el viento no se llevó

2012-01-16T10:25:00.003-05:00

En Jackson, un pueblo rural y sureño de Estados Unidos, enlos años 50, la vida para las criadas domésticas – todas afroamericanas – esdifícil. Leyes injustas, trato discriminatorio y un largo etcétera que va poresa línea. Es ese universo el que quiere retratar Skeeter (Emma Stone), unajoven de clase media que acaba de regresar de la universidad y sueña con serperiodista. Pero la meta que se ha propuesto no es fácil. Debe lidiar con ladesconfianza de las mujeres que quiere ayudar y de las trabas que le ponen suspropias amigas, ahora déspotas patronas.

Un problema que no resuelve del todo esta cinta es el nosaber esquivar los estereotipos. Todas las criadas se muestran juiciosas yéticas. Incluso cuando cometen algún delito, se presenta de tal forma que se vecomo justificado. Por el otro, el mundo de las señoras es casi una caricaturade lo frívolo. La protagonista es bienintencionada y, salvo alguna inseguridaden su relación con el otro sexo, sólo tiene virtudes.

Sin embargo, la historia se sobrepone a estos contratiempos.Por un lado tenemos a la dupla de nanas que hacen Aibileen (Viola Davis) yMinny Jackson (Octavia Spencer) – principal fuente de Skeeter – hace buencontrapunto con el mundo de las patronas con sus anécdotas y cuitas de mujeressoportando dos taras: el racismo y el machismo.

Por el otro, se nos presentan las fallas al universo enapariencia perfecto de las señoras. Es tal vez éste el aspecto más interesante.Es muy sugerente cómo se presentan a las señoras de clase alta sufrir por lospatrones que le imponen a ellas mismas la sociedad, y cómo luego ellas tratanigual de crueles a las mujeres que trabajan a su servicio o a sus mismos paresque perciben como débiles o incluso sus hijas. En más de una ocasión se hacepatente que estas damas, a las que en teoría están en una posición de dominio,sufren por el comportamiento que deben asumir y con el que no siempre están deacuerdo.

Una buena cinta que, más allá de cierta moralina y falta deprofundidad de algunos personajes, presenta una trama atractiva e inteligente.La calidad de la imagen imitando la estética de los años retratados es otropunto a tomar en cuenta.

Ficha técnica

Vidas cruzadas (TheHelp)

Dirige Tate Taylor

Actúan Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, OctaviaSpencer, Jessica Chastain, Ahna O’Reilly, Mike Vogel y otros.

Nuestra poesía reciente

2012-01-06T12:52:00.002-05:00

Hace unos años el poeta Raúl Heraud se encontraba en La Habana en un encuentro de escritores conversando con César Toro Montalvo cuando surgió en la charla un tema: Qué difícil es tener una idea de lo que se hace en literatura en la actualidad en cada país para quienes lo visitan. Pensó en su caso, que cada vez que va al extranjero recorre librerías, teniendo que elegir y postergar varios libros.

Esta inquietud fue el embrión de lo que posteriormente sería Rito verbal: muestra de poesía peruana 2000-2010. Este es un libro presentado hace pocas semanas en el que, como su nombre lo indica, se hace un muestreo de lo más reciente de la literatura nacional.

Apuesta

Raúl Heraud, quien tiene una experiencia similar antologando a autores de Cuba, confiesa que fue toda una aventura reunir los textos para este libro. Indica que intentó representar la mayor cantidad de departamentos posibles. También menciona que no se trata de una antología "de amigos" y que su meta era agrupar textos de cierta calidad.

El editor de este libro asegura que "es un momento de la etapa cultural del Perú, literaria, muy buena. Hay mucha producción poética, que se apoyan en las páginas web, sacan sus libros". El antologador agrega que se "atreve a decir que nuestra poesía, junto con la chilena, es la mejor del continente". Recordó los premios que algunos de sus integrantes han ganado premios, como el reciente que recibiera Víctor Ruiz Velasco que ganó el concurso José Watanabe.

Un dato adicional que resalta es que también ha perseguido también mostrar las voces femeninas de la literatura nacional. Dice que tienen otro enfoque. Por eso se lee a autoras a un buen número de autoras como Melissa Patiño, Andrea Cabel y Arianna Castañeda.

Indica que hay algunos temas recurrentes en los textos seleccionados. Considera que los poetas de estos días tienen "una sombra de muerte encima". Indica que si algo defina a los autores de esta generación es el tener presente siempre a la angustia.

“La ilusión funciona mejor que la medicina”

2012-01-03T00:30:00.000-05:00

Por azares de la distribución, en Lima se vio primero laluminosa Medianoche en París, que laanterior cinta de Woody Allen, la sombría Conocerásal hombre de tus sueños. Esta película se ambienta en Londres y abordavarios de los tópicos del director neoyorquino: las crisis de pareja, la culpa,el caprichoso destino.

Los ancianos Helena (Gemma Jones) y Alfie (Anthony Hopkins)se divorcian luego de una vida juntos. Mientras ella se aficiona a la bebida ya visitar a una adivina, él se enamora de una prostituta con quien busca tenerun hijo. En paralelo su hija Sally (Naomi Watts) tampoco la tiene fácil con suesposo Roy (Josh Brolin) un escritor desempleado y bloqueado creativamente. Ambosinician flirteos con distinta suerte. Los ecos de varias cintas de Allen sonevidentes.

Las primeras palabras, dichas por un narrador en off, marcanel rumbo de la historia: “la vida es un cuento contado por un idiota, lleno deruido y de furia, que no significa nada”. Los enredos no parecen solucionarsenunca. Siempre hay algo pendiente que no permite decir si los personajes hantriunfado o fracasado. Un ejemplo es Roy, quien parece encaminarse al éxitoeditorial luego de robarle una novela a un amigo, ve que podría haber unaremota posibilidad que descubran su falta.

El cineasta se maneja en la ambigüedad. Nunca deja claro sila adivina a la que Helena consulta con devoción es una timadora o no, inclusodeja la posibilidad de que no exista en realidad. El patético romance de Alfietambién es una muestra de esta ambivalencia. ¿Su nueva pareja sólo lo quiereestafar? ¿Él se decidirá a separarse? Son preguntas cuyas respuestas no son deltodo concluyentes.

Una reflexión que deja la película es que no hay un planpara la vida, que todo es un caos sin ningún propósito específico. En eseuniverso desengañado de Allen, pareciera que los únicos que pueden llegar a serfelices son los más crédulos, quienes se dejan convencer por quienes lesofrecen certezas. Algo habitual sobre los estrenos anuales de este director esescuchar los comentarios que señalan la distancia que tiene hacia sus obrasmaestras. Sin embargo, eso deja amplio margen para cintas como esta, muy porencima del promedio de la cartelera local. Una escena imperdible: Roy viendo asu esposa desnudarse desde el departamento de una vecina.

Ficha técnica

Conocerás al hombre detus sueños

Dirige Woody Allen

Actúan Anthony Hopkins, Gemma Jones, Naomi Watts, JoshBrolin, Antonio Banderas, Lucy Punch

Navidad, Año Nuevo, Nueva York, y otros desvaríos de película

2011-12-31T15:06:00.001-05:00

Por azares del destino, ayer, 30 de diciembre, vi El apartamento de Billy Wilder. Estacomedia sobre un ingenuo oficinista C.C. Baxter (Jack Lemmon) intentandoconquistar a la que es amante de su jefe, Fran Kubelik (Shirley MacLaine) tienesus momentos más importantes en la semana que va de navidad a año nuevo. En ellavemos un Nueva York de fiesta. A pesar de ser filmada a finales de los 50, noes la ciudad filmada una Gran Manzana que derroche glamour. Todos lospersonajes – incluido los dos protagonistas – viven mostrando sus pequeñasmiserias y mediocridades. Empezando por la pandilla de ejecutivos sacavuelteros,abusivos con los subalternos, que pueblan la empresa, sin obviar al protagonista,al que sus superiores llaman “viejo amigo”, quien a pesar de su andar mediobobalicón convierte el alcahuetear una forma de ascenso profesional (1).

No quiero ahondar en la crítica social que tiene la cinta.Más bien, quiero hacer notar cómo la última semana del año es usada por el cinecomo motor para que personajes de diversa índole reflexionen sobre lo que les sucedey tomen un camino nuevo. En esta película de Wilder sirve de excusa para que elgalán y su amada se despabilen.

Al pensar en fiestas de año nuevo en pantalla grande,difícil no recordar esa noche vieja en La Habana de la segunda parte de ElPadrino. Curiosamente, es el mismo año que se festeja en El Apartamento, 1959.Son otros neoyorquinos, estos de visita en Cuba, los que marcan la pauta.Inolvidable Michael Corelone (Al Pacino) dándole un beso a su hermano Fredo(John Cazale). Le dice, si mi memoria nome falla, algo de “Lo sé todo, Fredo. Me rompiste el corazón”.Lo que en buen cristiano significaba “ahorita te doy vuelta”.

Pero si he de ser sincero, estas fechas la película que mástengo presente es Kramer vs Kramer de Robert Benton. El motivo es personal. Laprimera vez que la vi fue con mi abuela, que se llama igual que mi hija mayor,en el primer betamax de la casa allá por los primeros años de la década del 80.Yo era un niño y la película me impactó tanto que, años después, siendo adulto,la primera vez que la volví a ver recordaba en gran medida el argumento.

Refrescando la memoria para quienes ya la vieron, y dándolesun avance para quién aún no ha tenido esa suerte, resumiré que trata sobre un ejecutivoworkaholic (adicto al trabajo) llamado Ted Kramer (el papel que más me hagustado de Dustin Hoffman) que pospone su vida familiar en pos de avanzarlaboralmente. Pero su esposa lo deja de improviso y se tiene que hacer cargo desu pequeño hijo. Con las complicaciones de ser padre soltero experimenta variosproblemas, perder su amado empleo entre ellos.

Ya en un momentoavanzado de la historia, cuando se establece un lazo especial entre padre ehijo, él se ve obligado a conseguir empleo para tener a su pequeño al lado. Esla semana que va de navidad a año nuevo. No voy a describir lo que hace para obtenersu objetivo. Solo dos cosas. La primera, que Kramer no se amilana ante la ideade que en Navidad no se consigue empleo. La segunda, la bella escena delprotagonista mostrando a su hijo la vista de su nueva oficia sobre la ciudad de…Nueva York.

No estoy en Nueva York, tampoco en La Habana, y nadie está filmando mi vida. Pero igual, pareciera que es tiempo para reflexionar sobre el rumba que está tomando nuestras vidas. Sin embargo, la verdad, a mí más me provoca desearles un feliz año. Un abrazo.

(1) El título de la película El apartamento serefiere al inmueble que el protagonista cede por horas a sus jefes para quelleven a sus amantes.

(2) Bueno, también ha servido este periodo del año paraambientar filmes como Mi pobre angelito. De eso aún no me provoca hablar.

Al rescate del Club de Teatro de Lima

2011-11-30T08:37:00.001-05:00

Una de las instituciones más representativas de las artes escénicas nacionales es el Club de Teatro de Lima, institución dirigida por Reynaldo D'amore. Ubicado en el cruce de la calle Porta con la avenida 28 de julio, en sus instalaciones se han formado varias generaciones de artistas. Sin embargo, esta emblemática organización podría quedarse sin local en breve de prosperar la intención de los dueños del lugar.

D'amore informó que corren el riesgo de ser desalojados si se llega a vender el inmueble que ocupan y alquilan hace un buen tiempo. Manifestó que, por suerte, al estar instalados en el sótano de un edificio residencial, no ha habido interesados en poner un negocio en este lugar.

Sin embargo, advierte que la amenaza está latente. Por lo que está buscando el apoyo de alguna institución privada que se anime a ayudarle. Indicó que los dueños del local han aceptado hacerles un descuento del precio con el que se ofrece este local.

Importancia
El Club de Teatro de Lima está a un par de años de cumplir seis décadas de funcionamiento. En un inicio, empezó en el centro de Lima, dando funciones en el mítico Negro Negro de la plaza San Martín. Según recuerda D'amore, fueron los primeros en ofrecer funciones semanales y no esporádicas de piezas teatrales. Desde la década de 1980 funciona en esta sede miraflorina.

D'amore menciona que desde que empezaron a dictar clases de actuación y demás temas relacionados con las tablas, nunca han parado. En la actualidad sólo en ese rubro calcula que tendrán un centenar de alumnos. Otra clase que oferta el Club de Teatro de Lima y que tiene singular acogida es el de oratoria.

Algo más
Los dueños del local piden 260 mil dólares por la venta de este predio.

Para el honor nunca es demasiado temprano

2011-11-29T08:52:00.001-05:00

Una buena novela no siempre es insumo suficiente para una buena adaptación, sea esta obra de teatro, película o lo que fuere. Los lenguajes son distintos, los retos que sortear son varios, y muchas veces se fracasa en el intento. Ese no es el caso de Crónicas de una muerte anunciada. Jorge Alí Triana, responsable de la también notable versión para las tablas de La fiesta del Chivo, vuelve a mostrar su ingenio para convertir un libro en un meritorio espectáculo escénico.

Como se recuerda, en esta obra se narra cómo los hermanos Vicario dieron muerte a Santiago Nasar para vengar una afrenta, mientras el pueblo no le da importancia al hecho. Una historia que, dicho sea de paso, nació de un hecho real propio de una crónica periodística, transformada años después como una variante de novela policial.

De entrada, desde la escenografía – una plaza de toros – se introduce al público en el tema de la historia: la desgracia ajena vista como espectáculo distante. El numeroso elenco se ubicará la mayor parte del tiempo en las barreras, apreciando la mayor parte de las veces con indiferencia o distancia la tragedia de los protagonistas.

Otro acierto de Triana es la forma de narrar la trama. Uno tiene la sensación al inicio, cuando el espectador aún no se adapta a la propuesta del director, de que se repiten frases y escenas, pareciendo redundante. Sin embargo, pronto se descubre que es parte de una apuesta por mostrar diferentes ángulos de un mismo hecho. Cada repetición va añadiendo más información que el anterior y sin disminuir el interés en el desenlace.

El aprovechamiento del espacio por parte de tantos actores del elenco – casi siempre la mayoría en escena – es ingenioso, evitando el presentar un escenario abigarrado. Asimismo, es inteligente y funcional el uso de elementos como el humo o la lluvia. En especial, el empleo de una sábana enorme sin manchas de sangre para hablar de la deshonra de una familia, remite a un recurso similar que se empleó en La fiesta del Chivo. Se trata, en suma, de una inspirada adaptación de una novela al teatro, superior a la anterior puesta en escena de Triana en Lima. Hay que destacar, además, que no existen altibajos en las actuaciones a pesar de la juventud de los intérpretes.

Ficha técnica

Crónica de una muerte anunciada

Adaptación de la novela de Gabriel García Márquez hecha por Jorge Alí Triana

Actúan Nidia Bermejo, Claudia Dammert, Franklin Dávalos, Leslie Guillén, Oscar López Arias, Stephanie Orúe, Tommy Párraga, entre otros

De jueves a lunes a las 20.00 horas en el Teatro Británico (calle Bellavista 531, Miraflores). Entrada general a 45 nuevos soles.

Restaurarán las ofrendas del Señor de Sipán

2011-11-29T08:43:00.001-05:00

El museo de Tumbas Reales de Sipán fue el ganador peruano de este año del Fondo del Embajador de Estados Unidos para la preservación de la herencia cultural. Así fue anunciado ayer en la embajada de este país por la embajadora norteamericana Rose M. Likins. Será una suma cercana a los 50 mil dólares que se destinará a conservar, registrar y documentar cerámicos y objetos metálicos hallados en este sitio prehispánico.

La diplomática, declaró en la ceremonia de anunciación que este local es uno de los más importantes sitios donde se expone material arqueológico en el Perú. “Las investigaciones realizadas por el museo, bajo el liderazgo del doctor Walter Alva y su equipo han cambiado nuestro conocimiento de la cultura Mochica”, aseguró. También subrayó el aporte de este proyecto arqueológico para la identidad y orgullo de los peruanos. “El Perú es un país con un extraordinario patrimonio cultural, admirado por todo el mundo”, manifestó.

Proyecto

Walter Alva explicó al diario oficial El Peruano que son más de 800 piezas que formaban parte de las ofrendas dedicadas al Señor de Sipán. “Este fondo nos permitirá restaurar más del 70 por ciento de todos los objetos hallados en la tumba que aún no se había recibido labor de conservación”, indicó. Agregó que será oportunidad para contratar más profesionales del rubro.

Estimó que entre ocho a nueve meses se demorarán estas labores de puesta en valor. Consideró que antes de que termine el año 2012 la embajadora de Estados Unidos y el público en general podrá apreciar los frutos de este trabajo. “La idea es inmediatamente incorporar la piezas recuperadas a las exhibiciones”, agregó.

Alva indicó que luego de la puesta en valor de estos objetos, la siguiente meta del Museo Tumbas Reales será ampliar sus instalaciones. “Así como hoy avanzamos en los trabajos de conservación de Sipán, también hemos avanzado en trabajos arqueológicos en otros sitios que se necesita exponer”, afirmó el especialista. Algunos de estos nuevos proyectos que mencionó son Ucupe y Ventarrón.

Destacó que es uno de los museos más visitados del Perú con un promedio anual de 300 mil personas que se acercan a él. Indicó que las muestras temporales son una forma de mantener la atención del público.

Cifras

46 mil dólares ha sido el monto del Fondo del Embajador destinado al Museo de las Tumbas Reales de Sipán
870 cerámicas de 1137 vasijas serán puestas en valor
100 piezas de metal aproximadamente serán intervenidas

Algo más

Otros proyectos que en años pasados han sido beneficiados por el Fondo del Embajador han sido la Ciudad Sagrada de Caral y las pinturas coloniales de la Iglesia de la Compañía de Jesús de Arequipa.

Dato
Están abiertas hasta el primero de diciembre las inscripciones para postular al Fondo del Embajador para el 2012.

Sumilla
El Perú es el país más beneficiado por el Fondo del Embajador de Estados Unidos en América Latida desde que se creara en el año 2001 con más un millón de dólares destinados a nuestro país.

Qoyllur Riti: Del Cusco para el mundo

2011-11-28T09:13:00.001-05:00

El objetivo de que la peregrinación hacia el santuario del señor de Qoyllur Riti sea incluido en la lista del patrimonio inmaterial de la humanidad se consiguió en estos días. En la madrugada del sábado para domingo el comité de la Unesco, reunido en Bali, tomó la decisión de aceptar la propuesta peruana de dar este reconocimiento a la centenaria costumbre cusqueña.

En la Ciudad Imperial ya anunciaron celebraciones por esta distinción. Asimismo, conocedores de nuestras costumbres como Alicia Maguiña y Rafo León se han manifestado sobre lo que significa este logro.

Se ha informado que en el Cusco los festejos serán con una misa y un pasacalle, en el que se prevé la participación de 50,000 danzarines. Ambas actividades, denominadas "Hatun K'uchurikuy" o gran celebración, se llevarán a cabo el 11 de diciembre. La primera será oficiada en la plaza de Armas y la segunda se desarrollará por las principales calles del Centro Histórico.

De acuerdo a información difundida por la agencia Andina, el acto litúrgico estará a cargo de monseñor Juan Antonio Ugarte Pérez, arzobispo de Cusco. La homilía será ante las imágenes de la Virgen Dolorosa y del Señor de Tayankani, cuyas efigies salen en procesión durante el Qoyllur Riti.

Necesidad de estudio

Rafo León destacó la declaración de patrimonio de la humanidad de esta peregrinación indicando que de ella "se ha escrito mucho, pero se ha estudiado poco". Reclamó que sea una oportunidad para que se reflexione e investigue sobre su origen e importancia.

Indicó que también es un buen momento para que se reglamente su realización para evitar situaciones complicadas. Puso como ejemplo la controversia que suscitó la incursión de tradiciones puneñas en esta fiesta religiosa y que fue zanjado por la hermandad del señor de Qoyllur Riti prohibiendo estas manifestaciones distintas a lo tradicional en el lugar.

Sin embargo, destacó cómo los mismos devotos evolucionan su comportamiento adaptándose a los nuevos tiempos. Puso de ejemplo que ahora, con la concientización sobre el peligro de la desaparición de los nevados, los peregrinos no traigan un pedazo de hielo como era costumbre sino se conformen con una botella de agua. Concluyó comentando que es una importantísima fiesta religiosa, pero no turística.

Por su parte, la folklorista Alicia Maguiña subrayó que esta peregrinación esté en la lista de la Unesco es un reconocimiento a una tradición vigente que se transmite de generación en generación. Indica que su vitalidad evita que desaparezca. Subrayó la participación masiva, que involucra a personas que residen más allá de las fronteras regionales del Cusco, lo que hace a esta fiesta merecedora de reconocimiento.

Bertolt Brecht baila festejo*

2011-11-27T12:46:00.001-05:00

Un rufián de baja estofa conocido como Mackie Navaja (Luis Ramírez) engatusa a una joven ingenua, Polly (Margot Lozano), para que trabaje en su cabaret. Los padres de ella buscarán impedirlo. Ese es en líneas generales el argumento de Malandro Cabaret Gourmet, obra inspirada en la célebre Ópera de los tres centavos del alemán Bertolt Brecht.

Esta pieza teatral de Brecht causó revuelo en el momento de su estreno en 1928 por incluir ritmos populares como el jazz y por - en ese entonces - revolucionarias formas de puesta en escena. La adaptación actual persigue continuar esa línea de romper con lo habitual. Para empezar, la historia de prostitutas, alcahuetes y ladrones de poca monta se lleva a cabo en una cevichería mientras que el público cena.

Condicionados por esto, la trama se ha aligerado intentando mantener la esencia del original. El drama lumpenesco y las punzantes puyas sociales de Brecht se han reducido a lo principal para que los asistentes puedan degustar el menú. Se ha puesto mayor énfasis en las coreografías y a la música que en los parlamentos, desdibujándose en algo la historia. Sin embargo, es memorable ver al entrañable Mackie Navaja de Luis Durand zapateando festejo o escucharlo decir la recordada línea "primero la comida, después la moral" cuando están sirviendo el postre.

Ficha técnica
Malandro Cabaret Gourmet
Escrita y dirigida por Mario Sifuentes

*Esta columna se publicó en octubre de 2006 en el diario El Peruano, año en que esta adaptación de Brecht se montó en la Cevichería La Mar (avenida La Mar 770, Miraflores). La entrada costaba 30 dólares e incluía comida y pisco sour.

QEPD Leo Bacteria (1974/2011)

2011-11-22T00:30:00.000-05:00

Del facebook de Ernesto Heidersdorf

Por Petit Thouars, mi avenida favorita no hay otra igual

Pestaña

LA MUERTE..el cerrar los ojos..la no existencia...no mas pollos muertos en el merkado..no mas pedofilia...no mas ejercito..no mas pobreza..no mas depresion...SOLO CERRAR LOS OJOS Y NO RESPIRAR..teman cristianos..los ateos no le tememos a la muerte...al kontrario es excitante su posibilidad.

Publicado por Leo Bacteria en su facebook

Leo Bacteria, figura representativa de la escena musical peruana y líder del grupo electropop Pestaña, falleció este fin de semana. Artistas como Miguel Costas (ex Siniestro Total) o Rosa Costas Peón (Aerolíneas Federales) de España, o Adri Vainilla, su compañera en las bandas Pestaña y Paladar, han expresado su dolor por esta partida. Asimismo, se supo que dejó varios proyectos pendientes.

Leo Bacteria – nombre artístico de Leonardo del Castillo – se hizo conocido en la escena underground local desde mediados de los noventa con grupos como M.D.A. o Insumisión que cultivaban variantes del noise. Sus últimas bandas fueron Pestaña y Paladar. También se le recuerda por su labor de difusión musical, al haber sido promotor de varias antologías y de la llegada al Perú de grupos emblemáticos como Aviador Dro y Aerolíneas Federales.

En memoria
Adri Vainilla comentó que la noticia de la muerte de Leo Bacteria la sorprendió el domingo en Arequipa, cuando terminaba el rodaje de Ana de los Ángeles, cinta en la que actúa. Ella recuerda que nunca quiso dejar Pestaña, a pesar de las varias diferencias que tuvieron.

Mencionó que se mantenían en contacto y que la última vez que hablaron fue la semana pasada cuando él le pidió comentar unos cuentos suyos. Confiesa con cariño que era difícil trabajar con él, pero “no era malo, solo estaba algo loco”. Agregó que extrañará compartir escenarios con él.

Desde España, a través de las redes sociales, han llegado muestras de condolencia por esta temprana partida. Las más significativas son las de los miembros de Aerolíneas Federales, grupo de culto de los años 80 y que, después de una para de más de una década, se volvió a reunir debido a las insistencias del músico peruano.

Miguel Costas, cantante del grupo y ex integrante de Siniestro Total, escribió que “vivía para lo que más amaba: la música”. “Se había puesto el nombre de Leo para cumplir sus sueños, y sin medios económicos, ni campañas de marketing, ni falsedades consiguió lo imposible”, agregó.

Rosa Costas, otra integrante de Aerolíneas Federales, afirmó que Leo Bacteria era “una persona maravillosa que compartió con nosotros una fantástica semana llena de experiencias increíbles”.

Tareas pendientes
Leo Bacteria dejó material inédito. No solamente canciones sino también cuentos. Hace poco había publicado el cuento “Patricia y yo” a través de un blog. El poeta John Martínez, quien le sirvió de corrector, comenta que tiene en su poder un texto de mayor extensión con una suerte de continuación de la historia. “En ese material se nota el espíritu de Leo, con toda la vehemencia que él tenía”, opina Martínez. Indica que buscará con algunos amigos hacer una plaqueta – edición de tiraje reducido – con ese material en honor al artista.
Por otro lado, Ernesto Zumaeta, miembro de la productora Latigazo, donde trabajaba Leo Bacteria, informó que un proyecto que estaba por concretarse era la grabación de un tema del artista peruano interpretado por Aerolíneas Federales.

Mi recuerdo de Leo Bacteria

Hace algo más de un año, en la antesala del concierto de La Monja Enana en La Noche de Barranco, un flaco con gorra y lentes subió al escenario y se puso a cantar un tema dedicado a la avenida de sus amores: Petit Thouars.

Esa fue la primera vez que veía a Pestaña. Desde hace unos años ya no soy asiduo a conciertos de rock peruano como era de soltero y sin hijos. Estaba desconectado de lo nuevo que se hacía y desconocía esta aventura musical. Me sorprendió ver la performance de Leo – primero solo y después acompañado – con una propuesta tan distinta a lo que yo conocía o recordaba de la escena local.

Recuerdo que esa misma noche estuve buceando en la web para saber más de ese grupo. Un poco por que el concierto de La Monja Enana estuvo, para mi gusto, espectacular y quería revivir, aunque sea con su telonero, parte del encanto de esa noche. Pero también porque me había impactado esa propuesta de electropop con letras de aparente ingenuidad.

Colgué algo en mi facebook y allí descubrí algo que adicional: lo polarizante que podía ser el grupo. Bromas sobre sus letras y comentarios sobre ese gusto en particular no se hicieron esperar.

Tiempo después, debido a mi empleo de periodista, tuve cierto trato con él por su empeño en traer grupos y promocionar sus nuevas creaciones. No lo recuerdo de los años noventa, mal haría en comentar sobre sus otros grupos. Pero en una vieja agenda encontré su número con la seña de Leonardo Bacteria, Insumisión. De cualquier forma, la última década del siglo XX es una época un poco borrosa para mí.

Pero más allá de lo vehemente que él podía ser para algunas cosas, tuvimos un trato cordial. Siempre le voy a estar agradecido que me haya permitido colar en el ensayo de Aerolíneas Federales junto a mi hija – tal vez la fan más pequeña del grupo gallego. Hicimos, recuerdo, la previa al concierto de La Honorable Sociedad, junto a mis patas Julio Montero y Jean Paul Ramírez. Esa noche me dio, ironías de la vida, algunas pistas sobre su Por Petit Thouars sentados en un banco de la avenida Arequipa.

Algo que no se puede olvidar era su pasión por la música. Sus comentarios eran – acertados o no – categóricos, y su dominio de caleturas impresionante. Nunca entendí por qué no trascendió su trabajo más allá de un círculo reducido. Lo último que supe de él era que estaba entusiasmado con su proyecto literario. Aunque no éramos amigos cercanos, me pidió que lo leyera y se lo comentara. Unos días antes de su muerte me llamó para que le diera qué tal me parecía su texto. No quiero echarme la parte, estoy seguro que en esos días llamó a muchos más. Fue una conversa rápida, marcada por las horas de cierre del diario, en la que le di al vuelo mis impresiones y en las que le llegué a invitar un café para conversar con más tranquilidad. Un café que quedará pendiente.

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Entrevista
Perfil

Contagio: Cuidado con lo que toques

2011-11-21T08:53:00.001-05:00

Una enfermedad desconocida empieza a diezmar al mundo sin que se sepa muy bien de donde surge ni cómo controlarla. En medio de este panorama catastrofista vemos a una decena de personajes – casi todos en Estados Unidos, pero también algunos fuera de ese país – capeando el temporal de la mejor forma posible.

Se trata de una cinta coral, en la que la atención salta de una ejecutiva que engaña a su esposo a un imprudente que esparce rumores en la web, pasando por los intríngulis de los médicos y autoridades que combaten a la enfermedad en diferentes frentes.

Muchos han notado que el tono es aséptico, sin comprometerse emocionalmente con la historia menuda frente a la gran tragedia colectiva. Eso es en parte cierto, pues a pesar de esta distancia se cuelan detalles íntimos de los personajes, que en una cinta hecha con molde desaparecerían en medio de las convenciones. Ejemplo de ello son los cuestionamientos éticos del médico jefe (Laurence Fishburne) quien duda entre avisar a sus seres queridos en desmedro del resto de la población, o los sentimientos encontrados de ciertos deudos de cómo llorar la muerte de alguien que nos ha traicionado.

Un acierto de la película es evitar el maniqueísmo, tan caro a las clásicas películas apocalípticas, y mostrar diversos matices en los caracteres. Sin olvidar que cuestiona la forma que se informa tanto de los canales oficiales como de los alternativos, dejando una frase para la polémica: bloquear no es escribir, es graffiti con puntuación.

Un problema de Contagio es la dificultad de mantener la atención en tantas y tan diversas historias. Por ejemplo, el personaje Marion Cotillard queda casi literalmente perdido en el Asia la mayor parte de la película, cuando aporta un especial ángulo de la historia.

Recuerda el film a otra película, en mi opinión más lograda, del mismo director, Tráfico. En ambas se alude a un problema social desde distintos ángulos. La diferencia es que en la menos reciente es más armónica la relación entre los dramas privados como con las tragedias colectivas. No obstante, una interesante muestra que el Apocalipsis se puede filmar sin demasiados efectos especiales.

Ficha técnica

Contagio

Dirige Steven Soderbergh

Actúan Matt Damon, Marion Cotillard, Laurence Fishburne, Jude Law, Kate Winslet, Jennifer Ehle, Bryan Cranston y Gwyneth Paltrow

En busca del camino

2011-11-18T00:30:00.000-05:00

Hace veinte años se publicó La violencia del tiempo, la que para muchos es la mejor novela peruana de la década de 1990. Esa edición no estuvo exenta de problemas. Su autor, Miguel Gutiérrez, acaba de publicar Una pasión latina, entrega cuyo lanzamiento oficial se demoró un par de semanas más de lo planeado por algunos imprevistos. Conversamos con el narrador.

Curioso que tanto La violencia del tiempo, como este libro hayan tenido dificultades al salir.

- Fueron de otro tipo. Como yo no pude supervisar la edición por la situación que se vivía en el país en 1991, el editor se tomó algunas libertades. Lo interesante de la última edición es que se ha restablecido la versión original. Por ejemplo, la distribución de los capítulos. Menos mal que tenía los originales, que los guardaba el historiador Carlos Araníbar.

¿Cómo surge esta nueva novela que transita entre Estados Unidos y el Perú?

- La novela parte de un hecho real. Ese asesinato sucedió. El asunto era cómo escribir esa historia, que se vuelva turbulenta, atroz, desagradable. Había varias posibilidades. Cuando uno escribe una novela uno se pregunta cómo se va a escribir. A uno se le presentan varios caminos, pero sabe que sólo hay un camino definitivo. Por ejemplo, hay una novela muy buena del punto de vista formal que es Sostiene Pereira de Antonio Tabucci. Esa novela, sin esa frase que se repite como leit motiv, se cae. Yo no me imagino esa novela escrita de otra forma. En el caso mío era encontrar la forma de contar esta historia muy violenta y truculenta.

¿Cuánto se demoró para encontrar la forma de contar esta historia?
- Yo me enteré de este caso hace diez años. Desde entonces, está dando vueltas. Me imaginaba dos o tres maneras de hacerlo, pero ninguna me satisfacía. Pero hasta que el año pasado, mientras escribía otra novela, se me ocurrió. Siempre busco que cada libro sea una aventura de composición, de formas de tratar, de técnicas y de lenguaje. De cierta forma, La violencia del tiempo es una novela suma. Hay varias novelas dentro de ella. Pero esa novela responde a la tradición realista, de Balzac, Tolstoi, todos ellos. En cambio, Babel en el paraíso, responde a otra tradición, otra poética y estética. A la de la novela fantástica, la novela utópica. El lenguaje está determinado por esa forma.

¿Cómo plantea sus libros? ¿Anda a la caza de una historia? ¿De la forma?
- Una de mis preocupaciones ensayísticas es el tema del acto creativo novelesco. Surge de diversas maneras. De un personaje, de una historia, a veces de una imagen, que desencadena todo el imaginario que tiene un escritor. Cuando me cuentan una historia, puedo ver que son novelables, pero no me interesan. Pero otras sí, como esta historia de un hombre que descuartiza a su mujer luego de cuatro décadas juntos. Me conmovió porque vi que podía encajar con un tema que está en toda mi obra, que es la cuestión mestiza. Ahora bien, el otro asunto es cómo escribirla. Soy un autor que se demora mucho para empezar una novela, pero una vez que la inicio soy rápido.

Una pasión norteamericana

Noto, por el epígrafe de Don DeLillo y la charla previa a la entrevista, que es un atento lector de lo que se produce actualmente fuera de las fronteras.

- Siempre he sido un lector de la novela norteamericana. Desde los clásicos del siglo XX, la generación de Faulkner, Hemingway, Fitzgerald, hasta los de la segunda post guerra como Philip Roth, Saul Bellow, Truman Capote, o los más recientes como Bret Easton Ellis. La novela norteamericana ha dejado una huella en mí. Por ejemplo, John Dos Passos es un autor casi olvidado, pero para mi generación es importantísimo.

¿Qué es lo que le atrae de esa tradición?

- La vitalidad de la novela norteamericana, aunque esto se ha ido perdiendo últimamente. Pero por lo menos, la novela de esa época tiene una gran vitalidad. Aún obras de autores que no son los mejores como El camino del tabaco de Erskine Caldwell o Viñas de ira de John Steinbeck. Una vitalidad que no encontrábamos en la novela europea, que se había vuelto muy intelectual. Sin embargo, para mí la gran novela del siglo XX es En busca del tiempo perdido. No obstante, la novela norteamericana era muy audaz experimentalmente, y también un lenguaje muy ligado a la vida. Hasta ahora la sigo leyendo.

La novela pendiente

La forma de escribir Una pasión latina se le presentó a Gutiérrez mientras escribía otra novela. Ese libro, que ya había sido pospuesto antes por Confesiones de Tamara Fiol, tiene el título temporal de Se busca a Kymper. El autor confiesa que piensa cambiar el nombre para no confundir con hechos noticiosos que no tiene relación. Dice ya tenerla avanzada y que en ella cuenta la historia de un sujeto, en 1992, perseguido por tres fuerzas: Sendero Luminoso, un grupo paramilitar y su mujer. “Esta última es la más letal”, bromea.

Ruido blanco de Mario Pera: entre la religión y la memoria

2011-11-17T09:20:00.001-05:00

Acaba de aparecer en librerías Ruido Blanco, segundo poemario de Mario Pera. Conversamos con el autor.

Lo que se ve en este libro son bastantes referencias religiosas, a pesar que la voz poética se revela como agnóstica. ¿Cómo nace esta temática?

- La temática ya estaba presente en mi primer libro Preparaciones anatómicas. Creo que tengo tres temas claros. Uno es el religioso, que siendo ex alumno de un colegio católico, sí me motiva a expresarme a pesar de ser agnóstico. Supongo que se mantendrá por unos cuantos poemarios más. También están presente el tema de la familia y de la muerte, formando un triángulo. La muerte de mi papá, mezclada con lo religioso, con no creer en la vida después de la muerte, a mí por lo menos me deja la pregunta de qué va a pasar ahora, si ya no lo voy a volver a ver.

La continuidad de la familia es otra motivación de tu poemario. Hablas, no sólo del padre, sino de la madre y de un posible hijo.

- Va por allí. Me baso más en este libro en referentes culturales que en el anterior para poder expresarme a través de ellos. Hay referencias al Dios cristiano, pero también al Ulises griego, o a Atila, o a un soldado que se prepara para la batalla en Aleppo. Son como mi alter ego o una voz que yo utilice.

Se nota también que no alude a lo popular, prefiriendo lo culto, como en el poema en que se nombra a Maiacovski.

- Ese título se debe a que leí una antología a este poeta xxx y me motivó a escribir. Es un guiño bastante claro y evidente poner su nombre en el poema, y hablar un poco como percibo yo que él percibía para expresarme.

En parte del libro, como en los versos que hablan que “Por primera vez / suda frente a la Cruz / un hombre que ya ha muerto” juegan entre cuestionar o no a la religión.

- El cuestionamiento no es tan directo como en el anterior, en que hacía poco mi padre había muerto. En éste yo lo siento más liberado. El otro es más rígido y duro. El actual es más manejable y maleable, desde la armonía y la cadencia.

Traición de Harold Pinter en Lima*

2011-11-16T08:59:00.001-05:00

Hace cinco años se montó en Lima Traición, una conocida obra de Harold Pinter. Al igual que en la actual obra en cartelera de este autor La fiesta en cumpleaños, uno de los protagonistas era Paul Vega y el espectáculo se realizaba en la misma sala, La Plaza Isil. Lo acompañaban en esa puesta en escena Vanessa Saba, Miguel Iza y Eduardo Cesti. El director en esa ocasión fue Jorge Castro, a quien le hice esta entrevista en el 2006.

¿Cómo llegaste a esta obra?

- La leí hace unos años. Es la primera que conocí de Harold Pinter y siempre me gustó muchísimo. Luego me acerqué a otras. A partir de la propuesta de Chela de Ferrari de que plantee un drama de un autor de peso para este año estuve revisando a distintos autores y textos. Pero después de la búsqueda regresé a Traición que fue mi idea original.

¿Qué te atrajo de esta historia?
- Me resultó muy interesante que contara una historia a lo largo de nueve años. Es como hablar de toda una vida. Eso me resultó muy atractivo pues nunca lo había hecho.

¿Qué es lo que te agrada del teatro de Harold Pinter?
- Me gusta el uso de la palabra que plantean sus textos. Los personajes nunca explicitan qué es lo que quieres. Detrás de las conversaciones cotidianas que realizan se esconden voluntades, intenciones, acciones, que nunca están del todo descubiertas. Esa forma de mostrar cómo transcurren en la intimidad los momentos fundamentales de las personas me resulta muy atractiva. Sus obras permiten al director y a los actores realizar un enorme proceso de elaboración propia. Con el mismo diálogo podrías contar cualquier otra historia.

El reto de Pinter
¿Qué fue lo difícil de esta adaptación?
- El gran reto fue el trabajo de descubrir e interpretar, debajo de esos textos tan poco explícitos, qué pasa realmente en la pieza. La ambigüedad es parte de su riqueza. He buscado interpretar la obra comprendiendo a los personajes sin juzgarlos. Me gustaría que esa sea la experiencia del espectador.

¿Cómo fue el proceso de puesta en escena?

- Hemos empezado a ensayar el 24 de abril. Es bastante tiempo. Para una obra de pocos personajes como ésta, normalmente es más corta la preparación. Sin embargo, había tantas cosas que descubrir que preferimos comenzar antes. La historia retrata nueve años, no tres días. Además, como se narra de atrás para adelante, los actores no pueden usar el estado emocional de una escena para la siguiente. Es un gran reto actoral.

*Entrevista publicada en el diario El Peruano el 27 de julio de 2006 con el título Un Nobel se estrena en Lima.

Jugando a la gallinita ciega

2011-11-16T08:39:00.001-05:00

En un pueblo costero, dos ancianos dan pensión y tratan como a hijo a Stan (Paul Vega), quien para encerrado en casa torturando a sus caseros. A esto se suma una coqueta vecina (Gisela Ponce de León) que le envía indirectas sin recibir atención.
Pero la corrosiva rutina es rota al llegar dos amenazantes visitantes en busca de alojamiento. En este contexto se organiza la celebración que da nombre a la obra Casi una fiesta infantil con licor.
Es una de las obras más aplaudidas de Harold Pinter, que incluso ha sido llevada al cine. Sin embargo, su puesta en escena es exigente. El texto no proporciona muchas explicaciones de las acciones, siendo uno de sus atractivos la ambigüedad. El espectador debe armar por su cuenta la historia con los retazos que se le da.
Un problema con este montaje es que, a la ambigüedad existente, se agrega que las actuaciones no se acoplen del todo. Por ejemplo, tenemos a Ana Cecilia Natteri, tal vez la mejor del elenco, construyendo su papel de anfitriona moviéndose entre lo bufo y lo patético. Por otro, a Paul Vega, quien de ser el huésped majadero que domina la escena, desaparece sin motivo a pesar de estar en medio de la acción.
A pesar de un inicio algo lento, la obra va ganando en intensidad conforme avanza. La dupla conformada Rómulo Assereto y Mario Velásquez (¿maleantes, enfermeros, orates?) aporta la dosis de humor necesario. Otro acierto es la interpretación del esposo a cargo de Alfonso Santisteban, el único que parece una persona común y corriente pero que, curiosamente, no sintoniza con el resto.

Ficha técnica
La fiesta de cumpleaños
De Harold Pinter
Dirige Chela de Ferrari
En el teatro La Plaza Isil de Larcomar. Las funciones son de jueves a lunes a las 20.00 horas y los domingos a las 19.00 horas.

Superpopper: Mantener a Dios lejos del alcance de los niños

2011-11-14T09:56:00.001-05:00

En un manicomio para menores, los pacientes especulan sobre posibles fugas o liberaciones, mientras se hacen la vida imposible entre ellos. En ese ambiente, en que cada cual Brunella y Joe se conocerán y enamorarán. Ella ha llegado a ese lugar luego de confundir la realidad con la ficción de un cómic y asesinar a su familia. Él soporta las burlas y acoso de los demás, mientras se comporta como ayudante del doctor.

La escenografía recrea este ambiente caótico y delirante en el que los personajes se mueven. A través de estructuras de madera que permiten varios planos, un inteligente juego de luces y una banda sonora adecuada, introducen al espectador en este relato en que los niveles de realidad se vuelven borrosos. El que la obra empiece desde que se hace fila para entrar a la sala es un acierto.

El argumento recuerda, en su juego entre la locura y la realidad junto a la reflexión sobre el uso de las pastillas, a La mujer sin memoria del mismo autor, César de María, aunque con una más inspirada dramaturgia.

Los diálogos tienen cierto vuelo entre poético e irónico como la frase que titula esta columna. Como complemento, las coreografías entre los protagonistas, en especial en las escenas no habladas, sacan provecho de su despliegue físico. También hay que mencionar las referencias o citas a la cultura Pop como los cómic, al teatro clásico de Romeo y Julieta o al teatro latinoamericano reciente como La noche de los asesinos de José Triana.

Es una ingeniosa puesta en escena de una buena obra. Sólo una observación. En una escena el personaje del Doctor explica lo que, con un poco de atención, se podía sospechar sobre la identidad de uno de los protagonistas. Tal vez esas líneas explicativas sean una forma de hacer más fácil la apreciación de la obra por todo el público, aunque reduzcan la ambigüedad inicial. Más allá de eso, una buena opción de la cartelera muy recomendable.

Ficha técnica

Superpopper

Escrita por César de María
Dirigida por Guadalupe Vivanco
Actúan Luccia Méndez, Herberth Hurtado, André Silva, Smith Sarmiento, Max Yovera, Rodrigo Díaz, Eddy Martinez, Melina Bonifacio y Adriana Polack.
En el Cafae-SE José María Arguedas (avenida Arequipa 2985, San Isidro).

Esto es medicina, mi amor

2011-11-10T01:00:00.000-05:00

En una localidad de Estados Unidos, en los albores del uso de la electricidad a fines del siglo XIX, el doctor Givings (Leonardo Torres) alivia la histeria de sus pacientes gracias a un reciente invento: el vibrador. Pero mientras el éxito profesional lo sonríe, en su propio hogar, su esposa (Vanessa Saba) que recién acaba de dar a luz sufre un cuadro tan complicado como el de sus pacientes.

Aunque la obra gire alrededor del artilugio y su inocente empleo – en esa época no se relacionaba su uso con ninguna connotación sexual – la historia escapa la broma fácil o al humor grueso. En cierta forma, el tema principal de la pieza es el desencuentro en las parejas, reflejado desde la escenografía partida en dos por una pared: por un lado el consultorio del marido, por el otro la sala donde lo espera la mujer.

Casi todos los personajes se muestran contenidos con sus sentimientos – salvo tal vez la sirvienta y en momentos el pintor interpretado por Claudio Camet – teniendo como un tabú referirse a lo que sea erotismo. En ese contexto encaja la actuación contenida de Leonardo Torres Vilar, con sus abortados intentos por ser afectuoso con su cónyuge. Su contra parte, Vanessa Saba, no se queda a la zaga. Ella muestra su talento para la comedia dando vida a un personaje torpe y confundido. Sin embargo, hay que observar que se pueden encontrar en este papel ecos de otros personajes interpretados por Saba, lo que puede ver como un encasillamiento.

Es una buena puesta en escena en la que se ha buen ojo para la selección del elenco. Secundarios inteligentemente construidos como Norma Martínez como una reprimida paciente con una singular tendencia o Malena Romero como una ama de leche recelosa del mundo de los patrones son un buen soporte para la historia central.

Esta es la segunda obra de Sara Ruhl que el director David Carrillo monta. La anterior fue El celular de un hombre muerto, con Vanessa Saba en el protagónico, también una interesante obra aunque ésta nos parece mejor. Anuncia Carrillo para el próximo año repetir el plato con otra más de Ruhl. Esperemos que siga acertado con su elección.

Ficha técnica

En la otra habitación (o la obra del vibrador) de Sarah Ruhl

Dirigida por David Carrillo

Actúan Vanessa Saba, Leonardo Torres Vilar, Norma Martínez, Nicolás Fantinato, Grapa, Malena Romero y Claudio Calmet

De jueves a domingo en el teatro Larco (avenida Larco 1036. Miraflores) a las 20.00 horas. Domingo a las 19.00 horas. Entrada general a 40 nuevos soles.

Viñetas contra las corridas

2011-11-10T00:30:00.000-05:00

Este mediodía Luis Rossell, conocido historietista, inaugurará la muestra “Te están buscando matador” en la sala Luna Pizarro del Congreso. Esta es una selección de sus viñetas que critican a las corridas de toros.

Rossell hace notar que por estas fechas, en que se realiza la Feria del Señor de los Milagros en Acho, se han llevado varias manifestaciones en contra de las corridas de toros. Esta muestra en particular, gestionada por el congresista José Urquizo, se da en el marco en que se presentará un proyecto de ley sobre este asunto.

Sobre esta exposición el congresista indicó que “busca sensibilizar a la sociedad sobre la importancia de mantener tradiciones que aporten valores, nos dignifiquen y nos representen como sociedad civilizada; en ese sentido, la espada, la muleta y demás artículos de las corridas deberían circunscribirse a los museos y a los libros”.

Luis Rossell explica que existen temas que le tocan de cerca. “Este es uno de ellos”, asegura. Menciona que la lucha contra las corridas de toros tiene mucha vitalidad y que lo motiva a crear. Indica, por ejemplo, que parte de lo que ahora exhibe ya se vio antes en una muestra en La Casona, pero entre ambas exposiciones creó una decena de trabajos con la misma motivación.

Luis Rossell, conocido por el despliegue de un humor irónico, señala que la justicia social abarca a los derechos de los animales. “Estamos todos juntos viviendo acá, la separación es pura retórica”, añade.

El artista comentó, por otra parte, que sigue trabajando su proyecto de una biografía gráfica de Manuel González Prada. Espera que pronto pueda dar a la imprenta esta obra que la califica de ensayo alrededor del pensador anarquista peruano.

Antonio Cisneros: Un poeta no profesional

2011-11-09T10:00:00.002-05:00

Foto: Soledad Cisneros.

El poeta Antonio Cisneros acaba de ganar el premio Southern. Uno más en una larga lista de reconocimientos. Él, con su usual ironía, nos comenta que para un escritor estas distinciones son igual de gratificantes que para un trabajador cualquiera ser felicitado. “Además, si viene acompañado de un dinero, a todo el mundo le gusta, además de la gloria, la prosperidad”.

¿Se piensa en los premios a la hora de escribir?

- Por supuesto que no. Uno de los oficios más gratuitos que conozco es la poesía. Se hace por amor al arte. No hay siquiera la promesa de tráfico y comercio de las novelas. Es conmovedor si piensas en personas que se han dedicado cincuenta años a escribir poesía como yo. Por un lado, tiene algo de ridículo, pobres señores que escriben poesía todo el tiempo. Pero por el otro, es conmovedor tener fe en la palabra. Da gusto cuando de vez en cuando los reconocen.

¿Cómo nacen sus libros?

- Tiene mucho que ver con la inspiración. Un término muy del siglo XIX, que cae en desprestigio en el siglo XX por el populismo católico y marxista que es hacerle creer a la gente que todo se logra con esfuerzo. No. En el caso de la poesía es muy claro, si no naces poeta, así tengas constancia, trabajo y vayas a cien talleres literarios, no vas a ser poeta. Claro que tienes que cultivar y desarrollar tu talento, pero a lo que voy es que tiene que ver con la inspiración. No puedes imponerte un horario de empleado bancario, como los novelistas o Mario Vargas, para escribir poesía porque no tiene ningún sentido.

¿Cómo son esos momentos de inspiración?

- Hay ciertos días en tu vida en que estás particularmente lúcido, con una capacidad de asociar palabras, de ver cosas. Al fin y al cabo la poesía es un acto de gran introspección. Hay momentos especiales que estás en estado de gracia, y eso se ilumina. Tanto que pasado el tiempo hay algunas cosas que relees y dices “carajo, qué inteligente estuve”. Esos estados de gracia duran unos días y sirve para hacer series de poemas. Y como viene sin avisar, se va yendo y vuelves a ser el mismo cojudo de siempre.

Sus libros son cada vez más espaciados.

- Yo no tengo muchos libros en realidad. Eso es normal. Los jóvenes publican más seguido. Es normal en todos los escritores. Hay cada vez más un elemento autocrítico muy poderoso. Sonará absurdo lo que te voy a decir, pero no soy un poeta profesional pero la vida pareciera decir lo contrario. No me muero por la poesía, ni por nada en general, salvo mis nietos.

¿Qué libro suyo lo recuerda con más cariño?

- No hay ningún libro. Hay poemas en todos que son más interesantes, que resisten el tiempo y resisten mi propia lectura. Hay mucha gente joven – o había, no sé – que siempre le gustó Comentarios reales. Y a mí, a los dos años de publicado me dejó de gustar. Pasé años de contradicción entre mi público que le gustaba ese libro y a mí me parecía muy pedante. Meter toda la historia del Perú en 70 páginas, muy ingenuo. Tan ingenua como la ironía de la película Las malas intenciones, en que la directora parece que no ha salido aún del colegio San Silvestre. Hay libros que le tengo cariño, porque me da pena el sufrimiento de este muchacho de Como higuera en un campo de golf. Felizmente yo ya no soy él. Por otro lado, Canto ceremonial contra un oso hormiguero es el libro que me lanza a la fama, por decirlo de algún modo. Sin embargo, el libro que está mejor escrito es El libro de Dios y de los húngaros. Pero ninguno de mis libros me entusiasma con toda franqueza. Como en general la poesía no me entusiasma mucho. Si hay un sentimiento poesía que es muy importante, pero no es un género literario.

Dice que su obra no le emociona. ¿Qué libro lo emociona actualmente?

- Difícil. Por momentos, algunos párrafos. Por ejemplo, esa novela, Hombre lento de Coetzee, el premio Nobel sudafricano, estupendo libro realmente. No es que me emocione, pero qué estupendo libro. Otra cosa que tampoco me había dado cuenta lo bueno que era hasta que compré su poesía completa es Wislawa Szymborska, la poeta polaca que ganó el premio Nobel también. Es notable. De vez en cuando encuentras cosas notables. Pero que te dejen conmovido todo el tiempo, en estado de contemplación, ninguna. Pero en su momento, chispazos emotivos. Que al final de cuentas es lo que vale. Al final, tú de un libro no guardas una historia sino una sensación.

Inspiración familiar

¿En qué proyecto está actualmente?

Madre del poeta.

- He escrito un poema, un tríptico muy extraño. Yo soy un señor que va a cumplir en un mes 69 años, y tengo una mamá de ochentaitantos. Y yo no sé de donde he escrito este tríptico casi monstruoso en realidad. Es un recuerdo casi prenatal. Yo en la cuna viendo la cabeza inmensa de mi madre adorándome y yo aterrado. Me da vergüenza y no se lo he leído a mi mamá. A estas alturas, yo que no he escrito poemas a la madre. No tengo cosas maravillosas como el poema Madre de Oquendo de Amat, ni cosas huachafas como el 99 por ciento de los que tocan el tema. Es un recuerdo que tengo de antes del año de edad.

¿Será parte de un proyecto más largo?

- Vamos a ver si escribo más. Por momentos me animo. El último libro de mi vida, me digo. Me dan vueltas más ideas, como el recuerdo de mi madre niño por la bajadita de los baños de Miraflores. Quisiera hacer unos ocho o diez poemas más, para que sea un librito. No me hagas mucho caso. Sólo porque me lo preguntas te lo contesto. No es que de verdad piense hacer el librito, pero puede que sí lo haga.

Lo emocionan los nietos, escribe sobre su madre. ¿La familia lo está marcando en esta etapa?

- Raro, ¿no? Porque yo nunca he sido una persona atacada por el mal de la mamitis. Nunca he hecho un poema sobre mi mamá o sobre mi papá. Nunca ha sido un tema poético para mí. Más que la infancia, debe ser la vejez.

Director de El guachimán satisfecho con acogida de público

2011-11-09T09:44:00.000-05:00

Gastón Vizcarra, director de la cinta El guachimán, indicó que la película le está yendo bien en su segunda semana de exhibición. Esta comedia, en la que se cuenta las peripecias en clave de humor de un agente de seguridad que roba una bolsa con dinero que custodia, fue estrenada el jueves 27 de octubre. “No nos han sacado de ninguna de las salas y los horarios son accesibles”, mencionó el cineasta.

Hace dos semanas surgió una polémica sobre la política de los exhibidores respecto a las películas peruanas por el caso concreto de Las malas intenciones. Respecto a ello, Vizcarra aplaudió que instituciones como el ministerio de Cultura y los gremios relacionados al cine se hayan “puesto las pilas” para presionar y buscar un mejor trato con las producciones locales.

Estampas locales

El cineasta comentó que, aunque no maneja los números exactos, su cinta, protagonizada por Guillermo Castañeda, está teniendo buena acogida de público. Explica además que esta cinta es una apuesta para divertir al público. Sin embargo, hace notar que para entretener no hay que subestimar al espectador.

Añadió además que se tuvo la intención de retratar estampas de la sociedad peruana. El argumento de El guachimán parte de una obra de Luis Nieto Degregori. Pero a la hora de adaptar la historia, algunas escenas variaron para mostrar locaciones reconocibles de la actual ciudad de Lima. Sin embargo, Gastón Vizcarra manifiesta su seguridad de que pueda gustar esta película al público de otras latitudes como al local.

Sobre la elección de los artistas que conforman el elenco, en especial en las actrices, señaló que se buscó un equilibrio entre el que tengan talento y además sean rostros conocidos. Por ejemplo, las dos intérpretes de los papeles con mayor peso en la historia después del protagonista son Anahí de Cárdenas y Stephanie Orue, dos conocidas actrices con una trayectoria profesional.

Ellas dan vida a una dama de compañía de lujo y a la novia del personaje principal, respectivamente. Otros dos papeles importantes, la de los policías que persiguen al protagonista, recaen en los experimentados César Ritter y Diego Lombardi.

Íntegro: 25 años creando en los límites

2011-11-05T01:00:00.000-05:00

A mediados de la década de 1980 surge en Lima el grupo Íntegro, un proyecto que buscaba explorar distintos géneros en cada uno de sus espectáculos. El impulsor era Oscar Naters, un pintor que acababa de regresar de una estadía en Rumania.

Según explica el artista, esta búsqueda por unir distintos géneros, una característica que el elenco ha mantenido en todos sus años, nació de forma natural. Comenta que en su estancia europea tenía de maestro a un músico y que se aficionó a pintar sobre danza.

Al regresar a Lima, quiso agregarle al plano pictórico del lienzo una nueva dimensión, la del tiempo. Ante lo difícil que era emprender en ese entonces hacer cine, se metió en la danza, fusionando de paso varios soportes.

"Nosotros hacemos arte en los intersticios de los géneros", recalca Naters. El artista menciona como muestra de la acogida de su propuesta interdisciplinaria el haber participado en festivales tanto de teatro como de danza.

Poemas humanos

La agrupación, dirigida entre Naters y Ana Zavala, tuvo desde su creación como norte el expresar el sentir de la sociedad que la acogía. Es por ello que en 1989 dieron a luz a quizás su pieza más representativa Y si después de tantas palabras.

Dicha obra, que será repuesta junto con el estrene Paraíso punto cero como parte de las celebraciones de aniversario en el teatro Municipal, está inspirada en el libro de César Vallejo Poemas humanos. Recuerda Naters que, en medio de la violencia de esa época, veían al texto del autor de Los heraldos negros como profético de lo que sucedía en nuestro país.

Un dato de interés es que la pieza será representada representando la propuesta de hace ya dos décadas. "Sólo ha cambiado el personal", precisa Naters.

Pero la polarización política no ha sido el único rubro en el que se ha inspirado el grupo Íntegro. La ecología y la defensa medioambiental son temas no ajenos a las piezas de este elenco.

Un ejemplo de ello es el otro espectáculo que se presentará junto a Y si después de tantas palabras. Paraíso punto cero es calificada por los propios artistas como más meditativa y espiritual que su compañera de jornada y se inspira en el paisaje de la costa.

El vino arequipeño durante la Colonia

2011-11-04T00:30:00.000-05:00

En estos tiempos, en los que se vive una reivindicación de nuestra tradición gastronómica, es interesante ver los antecedentes históricos de ella. Un área a explorar es la referida a nuestra industria vitivinícola, más aún si tomamos en cuenta que de ella surge nuestra bebida de bandera, el Pisco. Es lo que hace Carlos Buller en Vinos, aguardientes y mercado, libro que acaba de salir de imprenta.

El historiador y diplomático comenta que su intención al iniciar su investigación era documentar el cambio de élite en la Arequipa del siglo XVIII. Sin embargo, luego de revisar bastante documentación de la época, no encontraba el filón por donde abordar el tema. Hasta que descubrió de forma casual en el Obispado mistiano registro del pago de diezmo en los valles de la región.

Lo interesante es que en estos documentos, que encontró casi en su totalidad entre los años 1770 y 1853, se encuentra con bastante detalle la cantidad y tipo de producción que se tenía en esas zonas. Buller hace notar que la información que se maneja de esa época por otras fuentes es muy general y no es precisa.

Viñas y mercado

La importancia de esta veta es que, por un lado se da luces de cómo van cambiando de manos las tierras arequipeñas por una nueva clase dirigente en el siglo XVIII, y por otro, revela un pasado poco conocido de esta región: su tradición vitivinícola.

Buller menciona que en su estudio documentó que los valles de Vítor, Majes y Moquegua eran el origen de la mayor parte de vino y aguardiente que se consumía en la colonia en las minas del sur peruano y Bolivia. Un dato que no hay que perder de vista que nos proporciona el estudioso es que en Potosí sólo hay registro de consumo de productos vitivinícolas de estos valles y de una zona del en ese entonces Alto Perú, más no así de Chile.

El historiador también indica que la información reunida, en la que se habla de haciendas dedicadas en exclusividad a la industria vitivinícola, es una señal de la existencia de un mercado interno, en el que cada zona produce lo que necesitan otras áreas.

De la viña a la mina

Las actividades económicas se dan dentro de un contexto. Por ejemplo, el auge de la industria vitivinícola de los valles de Arequipa se dio en paralelo con el boom de la minería del Alto Perú. Así lo señala el estudio de Carlos Buller, en el cual se proporciona otro dato a tomar en cuenta: la reducción extrema de las vides se da a partir de la independencia.

El historiador considera que eso se debe a que, por un lado, existía una gran tensión política que dificultaba los negocios. Pero por otro, a una serie de hechos ocasionados con la llegada de la República.

El tener que pagar impuestos para vender a Bolivia y la competencia del aguardiente de caña – prohibido durante el Virreinato – hicieron poco rentable al vino y demás. Productos como el maíz y el ganado fueron desplazando a las vides. El siguiente reto de Buller es ver la evolución de las actividades agrícolas en estos valles en el marco de la economía global.

El guachimán: “La clave de este negocio es la honradez”

2011-11-03T09:10:00.001-05:00

Alejandro Falopio (Guillermo Castañeda) sueña con que su nuevo empleo de agente de seguridad le mejore la vida. Pero las cosas no son como él las espera. Su enamorada Laurita (Stephanie Orue) lo rechaza al ver sus pocos recursos. Los compañeros de trabajo tampoco le hacen la existencia más fácil, hablando sólo de mujeres, el gran tema pendiente del protagonista. No puede resistir la tentación y fuga con una gran cantidad de dinero.

El botín será el motor para que este modesto guachimán de rienda suelta a sus más carnales deseos y, de paso, sus más hondos complejos. Por ejemplo, a pesar de tener dinero no puede evitar dejarse mangonear por una prostituta de lujo.

Aunque al inicio le cuesta a la película agarrar ritmo, a partir de la huída la historia fluye sin problemas. El director tiene talento para dar a cada paso una suerte de fresco e hilarante cuadro de costumbres. Clientes y dependientes de cabinas de Internet, colaboradores policías de tránsito, malhumorados taxistas, son algunos de los personajes que se retrata con gracia.

Es una agradable sorpresa el buen desempeño del protagonista dando vida a un inseguro muchacho del que todos quieren sacar provecho. Pero el planteamiento de otros secundarios no le queda a la zaga. Se aprecia que en la construcción de la dupla de detectives que persiguen a Falopio – con sus mezquinas peleas, o en la de sus compañeros de labores se ha buscado crear personajes con cierto fondo y no solo simple relleno.

Entre broma y broma se aborda el tema de los prejuicios raciales y de clase, moviéndose en el borde de aprobarlos o burlarse de ellos. El final, en donde los papeles del gato y el ratón se invierten, pareciera apuntar a lo segundo.

A pesar de uno que otro bache – las poco inspiradas líneas encargadas a la correcta Stephanie Orue, por ejemplo – es una lograda película de entretenimiento.

Ficha técnica

El guachimán de Gastón Vizcarra

Actúan Guillermo Castañeda, Stephanie Orue, Shirley Arica, Anahi de Cárdenas, César Ritter, Diego Lombardi y otros.

Conversaciones pendientes

2011-11-02T00:30:00.000-05:00

Acaba de aparecer el libro Quise decir adiós, de Enrique Sánchez Hernani dedicado a Constantino Carvallo. Con esta excusa, conversamos con el poeta de fútbol, hijos y literatura.

¿Cómo surge este poemario?

- Yo venía escribiendo un propósitos de propósitos un poquito más ambiciosos en cuanto al despliegue del lenguaje, el tema, la organización como libro mismo. Pero hace tres años ocurre el terrible suceso de la partida de Constantino. Por la relación que tenía con él, que lo conocía desde que teníamos 26 años y que mis tres hijos hayan estudiado en su colegio, el shock fue devastador. Fue una cosa muy fuerte para mí que me llevó a inmediatamente a pensar en escribir sobre cómo había sido nuestra relación. De alguna manera, tratar de recomponer conversaciones que yo pienso le debía. A veces por el apuro de la vida diaria no teníamos mucho tiempo para conversar, solo charlas al paso.

Noto que es una reflexión sobre el paso del tiempo.

- Sí, es una reflexión sobre el paso del tiempo, sobre la vida, sobre la importancia de determinadas personas para otras. Y también cómo esas personas ejercen una influencia en tus hijos, que es lo que más quieres en la vida. Constantino no es un profesor cualquiera. Se involucraba totalmente con sus alumnos. Incluso se conocía los segundos nombres y las chapas. Siempre le guardé mucha gratitud, y consideré conveniente escribir este libro para expresársela, además de hablar de mi dolor y poner a mis hijos que son partícipes de esa historia.

Los versos dedicados a los hijos son muy emotivos.

- Yo siempre mantuve una relación bastante buena con mis hijos. Mi relación con Los reyes rojos y a Constantino viene por eso. Yo venía de un hogar tradicional, formal, con un padre ex oficial de la Marina con un carácter bastante duro. En una etapa en que los jóvenes de los 70 teníamos grandes rupturas y conflictos con nuestros padres, eso me hizo pensar que necesitaba otro rumbo cuando me casé. Y ese otro rumbo, una educación libre, abierta, sin discriminación, solidaria, integrada, esa era Los reyes rojos. Mis ojos participaron de una educación que yo elegí de manera ex profesa en un colegio que felizmente encontré, porque era lo que esperaba de la vida. Escribir sobre ellos en este libro es una manera de aproximarme a Constantino.

En estos versos dedicados a Constantino también habla de la generación de ustedes dos y sus expectativas

- Efectivamente. Como veníamos de la misma generación de jóvenes que en los años 70 teníamos 17, 18 años, teníamos un mismo tipo de aficiones, de ideas, sueños. En ellos estaba no sólo estaba la justicia, sino también la libertad personal, el afecto real. Un poco proviene de la cultura hippie, pero madurada al embate de confrontaciones sociales muy fuertes en el Perú y el mundo de esa época. Y también con eventos como la música como el rock, que era una especie de religión en esa época, que no los segmentaba a los jóvenes como ahora. Además del cine que era una de las pasiones de Constantino, y era parte de esa épica generacional.

A falta de fútbol, buena es la poesía

¿El tener un padre marino habrá dificultado su vocación a la poesía?

- Sí. Yo siempre he pensado que nadie nace a la poesía, en el conjunto de las artes, por un problema de dedicación profesional. Uno naces a la poesía por un problema por una especie de trauma personal, por tener una gran incomunicación con el mundo, que resuelves en la poesía. Por ser un ejercicio literario más libre que el de la narrativa o el ensayo, provoca grandes sesiones de catarsis, grandes sesiones de liberación personal. Muy parecidas a las que tienes cuando te pones ante un sicoanalista. Todo ese tipo de manifestaciones tienes que tener para salvar tu vida y a ti mismo. El resto lo componen tus gustos, si te dedicas a leer o no. Porque hace falta un trabajo. No basta ese impulso decidido de la ruptura, en mi caso contra la rigidez familiar. En mi caso se tiene leer mucho y se debe vivir el doble.

Leer mucho y vivir el doble, buena frase.

- Eso es fundamental. A mí me ha gustado siempre el fútbol, pero no he podido practicarlo soy miope y tenía sobrepeso de niño. Era gran hincha de Alianza, pero nunca practiqué. Iba al estadio pero nunca practiqué. El vacío que otros niños llenaban jugando fútbol lo aproveché para leer, porque a mis padres les interesaba que leyera. Ante la tristeza de no poder jugar, emplee el tiempo en leer. Me dediqué a leer sobre todo poesía.

¿Cómo nacen sus poemas? ¿Tiene una estructura previa sus libros?

- Van apareciendo nada más. Creo que es común a todos los poetas. Siempre he dicho que la frase más apropiada es la de André Breton: un poeta es un pararrayo. Va absorbiendo la energía del medioambiente, te vas cargando, y en un determinado ocurre la gran descarga. Es la primera o la segunda frase de un poema sobre algún tema que te preocupa. Que luego vas escribiendo gracias a un impulso que no conozco que es de origen subconsciente. Solamente el proceso consciente entra cuando corriges el texto. Es un proceso bien difícil de describir y bastante desconocido. Muy distinto que la prosa.

Martha Hildebrandt, habla

2011-10-28T00:00:00.000-05:00

La lingüista Martha Hildebrandt es la principal homenajeada de la feria Ricardo Palma. Además, acaba de presentar un nuevo libro, 1000 palabras y frases peruanas.

¿Qué libro de los que ha publicado es el que más le ha satisfecho publicar?

- Todos en su debido momento. Pero el que me parece ahora más importante es Peruanismos. Me han pedido su republicación. Estaba leyendo una palabra y me gustó. Y eso es mucho decir, porque no me gusta ni lo que escribo después de 20, 30 años. Yo soy hipercrítica con lo que hago y con los demás. Sin embargo, estaba leyendo la palabra “calato” y me di cuenta que más que eso no se podía decir. Me quedé muy satisfecha al leer ese artículo sobre calato.

¿Qué nuevas entradas le gustaría agregar a Peruanismos?
- No he revisado más que esa. Vamos a ver que lo revise todo y añada, o corrija o quite. Ya se verá.

Comentaba en una entrevista pasada que subrayaba y tenía observaciones sobre los libros de Vargas Llosa. ¿Era pensado en un libro sobre su habla?
- No, yo ficho todos los autores que leo. Tengo un fichero enorme. No podía leer sin subrayar, porque ahora la vista me falla. De todos, de Bryce, etc. Veo lo que es incorrecto, que sale de la norma. A veces es general en el Perú, a veces no. Eso se llama entre los lingüistas papeletizar. Tener papeletas para cada autor en donde se dice que tal palabra se ha usado en tal obra y en tal página. Palabras que han llamado la atención, por erróneas o por alguna otra cosa.

¿Qué autor peruano le ha llamado la atención?
- Depende. A mí me gusta mucho Bryce. Por supuesto me gusta muchísimo Vargas Llosa. El hecho de que yo le haya hecho notar – corregir ya es demasiado – algunos malos usos del lenguaje, no le quita nada. Es un gran escritor incorrecto. Como yo le llamo y a él no le gusta, digo que Cervantes era un gran escritor incorrecto para su época. Descuidos. Innovaciones no se cuentan. Son legítimas en todo escritor.

¿Qué palabra nueva le ha llamado la atención?
- Montones. Papeletizo acostada, a oscuras. Tengo tarjetas y bolígrafos. Todo hecho que me parece que no es general – ya tengo, no sé si oído u olfato – lo apunto, en el día lo compruebo con el diccionario de la Academia, después con el más grande diccionario que hay de español que es el de Corrominas, y una cantidad de libros que sé que contienen esa palabra.

Usted ha comentado antes que lee bastante prensa y está atenta a escuchar la televisión. ¿Debe ser una fuente rica para un lingüista?
- Rica en un sentido, y pobrísima en otro sentido. Cada día está más chabacana la televisión. Cada día está más para el gusto más vulgar. Buscando el rating. El rating es el amo del lenguaje ahora.

¿Cómo nace su interés por ciertas palabras?

- Para eso hay que tener una base lingüística. ¿Cómo puedo notar si una palabra es peruanismo o no si no conozco la lengua general? El hablante normal, que no es lingüista, cree que todas las palabras que se usan en el Perú deben y pueden ser entendidas por todos los hablantes de español, pero no es así. Hay una buena cantidad de palabras que tienen un sentido diferente en cada país de América y en España o sólo existe en un lugar. Eso solo se aprende estudiando la historia de la lengua española.

Llama la atención su oído para identificar palabras peculiares no solo del habla culta sino de otros estratos.

- Eso no es cuestión de oído, sino de estudio lingüístico, conocimiento de la lengua general. El denominador común de las lenguas de España y América, o sea, términos que no pueden ser malentendidos en ningún país. Para poner un ejemplo manido, si va a Madrid y dice “por favor, que venga un gasfitero que el caño de la tina está malogrado”, allí no le entiende ni gasfitero, caño, tina ni malogrado. Eso se aprende viajando, y a veces cuesta. No basta con estar atento. Hay que haber leído mucho, tener una cultura general.

¿Hasta la prensa chicha ya no es tan buena que la de hace unas décadas?

- Eso llamó la atención cuando empezó. Mueren chinos como cancha y eso. Son portadas célebres porque fueron novedosas. Esa época es muy distinta de lo que hoy es ya banal. Columnistas, buscando mayor audiencia, quieren ponerse al nivel del lector de más baja cultura, y lo logran. A veces porque ellos tienen baja cultura o porque, no teniéndola, hacen el esfuercito de hablar mal.

¿Cómo compara la replana peruana con la de otros países?
- A mí me tiene harta la replana. Las personas que no saben nada de lingüística creen que la replana es el gran hallazgo, el gran tesoro, lo que hay que estudiar, lo diferente, lo original, lo distinto. Pero de donde parten. Las palabras de la replana son para mí cada vez más sosas. No tienen la vitalidad que tuvieron antes cuando era parte del habla de delincuentes, y que dieron palabras tan bonitas como tombo. Es la inversión de botón. Esa palabra se remonta a cuando Lima era chica y los policías eran pocos y se vestían elegantísimos. Se vestían en invierno con un uniforme de paño azul, con capa y tremendos botones dorados. De allí viene tombo. Lo demás son juegos con ciudades, cosas consabidas, anodinas. Yo, a la gente que trabaja conmigo que empieza en la lingüística, lo primero que les quisiera prohibir es que se ocupen de la replana. Hay que ocuparse del nexo común que tenemos los hablantes de español. Ahora, si usted termina con eso, y sigue con la replana, perfecto. Pero no empiece por la replana. Es como empezar a estudiar el aparato digestivo por la indigestión.

Reprograman película Las malas intenciones

2011-10-27T09:45:00.001-05:00

Luego de la polémica desatada por los cambios de horarios que había experimentado la película peruana Las malas intenciones en su segunda semana de exhibición, hubo expectativa por saber cómo le iba a ir a la cinta a partir de hoy jueves, en que se reprograma la cartelera. Incluso ayer se llevó una reunión auspiciada por el ministerio de Cultura entre los responsables de la película y los exhibidores.

El resultado ha sido que la cinta se mantenga en varias salas limeñas y en mejores horarios. Como es lógico, copias de la película han partido a provincias, en donde se presentan en todos los horarios.

Otra novedad es que, salvo una cadena, la película protagonizada por la niña de nueve años Fátima Buntinx ha cambiado su clasificación siendo ahora apta para todos. La directora, Rosario García Montero, confesó su satisfacción por este hecho.

Consultadas algunas cadenas de salas de cine sobre el trato señalaron su predisposición a apoyar las producciones locales. Por ejemplo, un vocero del área de marketing de UVK hizo notar que el avant premiere de El guachimán, que se estrena hoy, tendría lugar en su sala de Larcomar.

Asimismo, la cadena Cineplanet nos informó que se piensa llevar para la próxima semana la película Las malas intenciones a los conos. La directora García Montero se mostró contenta con esta información, pues de Ancón, balneario al norte de Lima, son varias de sus locaciones, por lo que habría interés de sus vecinos en ver la película.

Exigen respeto a salas de cine para producciones nacionales

2011-10-26T09:27:00.001-05:00

Denuncian maltrato a Las malas
intenciones a pesar de buena taquilla

El ministerio de Cultura se quejó ayer ante la actitud de las salas de cine ante las películas peruanas. Esto debido a lo que consideran un maltrato de parte de los exhibidores hacia la cinta nacional Las malas intenciones de Rosario García Montero.

Como se recordará, en agosto, durante el festival de cine de Lima, una de las películas nacionales que concitó mayor la atención de la crítica y el público fue Las malas intenciones. Con este antecedente se esperaba que, al momento de su estreno comercial, tuviera acogida en la taquilla. Lo cual fue conseguido en la primera semana de proyección entre el 14 al 19 de este mes.

Según comenta su directora Rosario García Montero, estaba dentro de las cintas más vistas de esos días. Sin embargo, en la programación de la siguiente semana, la actual, fue reprogramada en horarios inadecuados como una de la tarde u once de la noche. Sólo en una sala se le consideró en una de las horas de mayor afluencia de público.

Ante ello, el martes Conacine hizo circular una carta abierta a la Asociación de Exhibidores quejándose de esta situación, y demandando que en la tercera semana, que empieza mañana jueves, se le ponga en mejor horario.

Reacción

Ayer diversas autoridades del ministerio de Cultura como la titular del portafolio, Susana Baca, y el viceministro de Patrimonio Cultural e Industrias Culturales, Javier Luna Elías, se manifestaron en ese sentido. Asimismo, hicieron saber que en la próxima ley de cine se contemplarán medidas para evitar que situaciones como esta se repitan.

La ministra Susana Baca indicó que su cartera hará respetar a los artistas que se sienten vulnerados en sus derechos. A su vez, Luna Elías indicó que les incomoda el trato inadecuado que se le da al cine peruano.

Por su parte, el encargado de la dirección de Industrias Culturales y Artes del ministerio, Christian Wiener, recordó que a Las malas intenciones ha padecido varios problemas frecuentes que enfrentan las cintas peruanas como maltratos en la distribución, funciones canceladas y propaganda retirada. Mencionó que incluso la misma protagonista, la niña Fátima Buntinx, fue impedida de ingresar a una función.

Wiener recalcó que no es un caso aislado. Mencionó que en la nueva ley de cine que está por elaborarse se buscará que se le dé mejor trato a la producción cinematográfica peruana.

No descartó que se pueda considerar una cuota de pantalla para que esté segura la proyección de los filmes hechos en el Perú. Al respecto, comentó al diario oficial El Peruano que en el TLC suscrito con Estados Unidos, país de donde llegan la mayoría de cintas que se ven en nuestros cines, se dejó abierta la posibilidad de dar una cuota de exhibición a las cintas nacionales. Según ese documento, ésta podría llegar hasta el 20 por ciento.

Anuncian estreno de Reshinn Sangre de anaconda

2011-10-25T09:42:00.000-05:00

Luego de un largo periplo, se estrenará la película peruana Reshinn Sangre de Anaconda. Esta narra una historia de una guerrera de leyenda y está ambientada en la Amazonía peruana. Conversamos con el director Rogger Asto sobre esta aventura que llega a la pantalla grande el 10 de noviembre.

¿Cómo surge la idea de esta película?

- Como hemos visto en otros países que tienen sus propios superhéroes como Superman o Superniña, queríamos que el Perú tuvieran su heroína. Siempre soñamos con eso. Nos pusimos a trabajar, y pensamos que en la selva era el sitio ideal para sacar un personaje que identificara al Perú. De allí nace la idea de Reshinn, que es una guerrera.

Por el argumento recuerda a una experiencia como El guerrero Chanka.

- Lo que hemos querido hacer con esta película es hablar de los indígenas. Trabajan varios ashaninkas en ella. Hemos querido hacerlo con ellos para que se escuche su idioma que se está perdiendo.

¿Cómo se acercaron a la cultura ashaninka?

- El acercamiento con los ashaninkas fue que, cuando queríamos hacer la película viajamos a Tarapoto y a Pucallpa, buscando indígenas. Pero la selva es tan inmensa y peligrosa. Volvimos a Lima, contactamos con los ashaninkas que están en Junín. Viajamos allá y con bastante esfuerzo y penurias tuvimos contacto con ellos. Tuvimos que buscar una tribu que estuviera más cerca de la ciudad para ir entrando a lo más profundo.

¿Cómo fue trabajar con anacondas de verdad?

- Nos demoramos 3 meses buscando las anacondas del tamaño que queríamos. Las trajimos de Loreto. Las anacondas debían conocer a la protagonista Mayella Lloclla, que estaba vestida con las mudas de anaconda. Al acercarse a ellas, será el olor, no sé, ellas se encariñaron. El entrenamiento duró dos meses, porque además debíamos curar a las anacondas de bichos en el cuerpo. Una vez que estaba bien ensayado, fuimos a la selva. Ahora las anacondas volvieron a su hábitat natural. Las buscaremos después para las dos próximas películas, porque esto es una trilogía.

¿Ha sido difícil llegar a cines de Lima?

- Las salas de cine no le dan mucho crédito a las cintas peruanas. Llegan más películas norteamericanas, y le dan más acogida que a nosotros. Se estrenan pocas producciones peruanas. El gobierno debería tomar cartas en el asunto para que haya más apoyo. Esta película está siendo apoyada por la ministra de Cultura para que sea vista por mucha gente, en especial quienes no van seguido al cine. Estamos haciendo ventas corporativas.

Cosecha: “Todos mis recuerdos han sucedido aquí”

2011-10-24T10:00:00.000-05:00

Rick Childress es un granjero que sólo conoce dedicarse al cultivo de algodón. En tres momentos de su vida, esta vocación que es una tradición familiar, se pondrá en entredicho.

Francisco Lombardi apuesta por poner a tres actores distintos para las diferentes edades de Rick Childress. Una curiosidad: su hijo Diego Lombardi, que hace del protagonista de joven, argumenta sobre la herencia que se recibe de los padres.

El escenario no varía en estas tres escenas, a pesar de los años que las separan, lo que da una señal de lo inamovible de la obsesión del protagonista. Las diferentes crisis a las que se expone es ocasionada por algún personaje femenino – su esposa, alguna funcionaria, su hija – quienes le cuestionan en cierta forma sus manías.

Tal vez la segunda escena, con un protagonista más ermitaño e irónico interpretado por Javier Echevarría, sea la mejor. En ella hay mejores diálogos y la interpretación de granjero apasionado por su tierra es más convincente.

Un problema es que los tres distintos actores que dan vida al granjero lo hacen cada uno a su estilo. No le han dado alguna característica marcada en la actuación que se mantenga en las diferentes escenas. Falta unidad, lo que resta fuerza a la pieza para conmover, teniendo material para ello. Destacable el buen desempeño de jóvenes actrices como Natalia Cárdenas y Karina Jordan. A pesar de no ser de las mejores puestas de Lombardi, es un buen montaje.

Ficha técnica
Cosecha de Wright Crawford
Dirige Francisco Lombardi
Actúan Diego Lombardi, Javier Echevarría, Gustavo Bueno, Denisse Arregui, Karina Jordan, Ana María Jordán, Natalia Cárdenas y José Tejada
De jueves a lunes en la Alianza Francesa de Miraflores

Una mirada al boom del teatro

2011-10-21T01:00:00.000-05:00

Mucho se habla del auge del teatro peruano. Sin embargo, es poco lo que se ha escrito sobre él. Una de las novedades de la Feria Ricardo Palma es la presentación de una obra que busca llenar ese vacío: Románticos y posmodernos de Alfredo Bushby. En ella, el también dramaturgo da cuenta de piezas de sus colegas César de María, Mariana de Althaus, Roberto Sánchez Piérola y Eduardo Adrianzén. Se presenta el martes a las 20.00 horas.

Salvo este libro y el de Natalia Torres Vilar, La escena paterna, no recuerdo muchos ejemplos de obras que aborden el tema del teatro. ¿Cómo nace este proyecto?
- Casi precisamente por esa razón. Por el poco interés académico que hay por el teatro peruano, en especial el contemporáneo. También creo que salvo el libro de Natalia Torres y alguna tesis que no conozco, no he visto publicaciones de esta naturaleza. Y la principal razón es que el tema lo ameritaba. No se puede negar que estamos en un boom del teatro, y paralelamente un boom de dramaturgos. Ha habido desde los 90 una gran proliferación de cantidad y cantidad de dramaturgos peruanos contemporáneos. Que yo sepa, no ha habido esto antes.

¿Cómo es la recepción académica de este fenómeno?
- Antes ha habido grandes dramaturgos pero no en la misma cantidad que se da desde los noventa, pero no había nadie que hablara del asunto. Me corrijo, había artículos aquí y allá. Un ejemplo, para Latin American Theater Review y Gestos, que son las publicaciones sobre teatro latinoamericano más importante, ¿sabes quién es el dramaturgo peruano más importante? Vargas Llosa. Me animaría a decir que el 80 por ciento de artículos sobre dramaturgia peruana contemporánea es sobre La señorita de Tacna, Katty y el hipopótamo, La chunga.

¿A qué se debe eso?
- Esto se debe principalmente al prestigio que tiene Vargas Llosa. Es un poco fuerte decirlo, pero escribir sobre él vende. En segundo lugar, a un profundo desconocimiento. Estas son revistas internacionales, y los artículos en su gran mayoría no son escritos por peruanos. Han oído de Vargas Llosa, pero no de los demás. Mi primer impulso fue hacer casi un acto de justicia. Hay este fenómeno – el boom del teatro peruano – y hay muy poca gente que escribe sobre él. Hay textos de Gino Luque, Roberto Ángeles, Carlos Vargas, Percy Encinas, tal vez me estoy olvidando de alguno. Hay casos, no soy el primero. Pero son artículos muy enfocados, por eso decidí por hacer una panorámica. Si bien me he restringido a cuatro autores, la intención es abarcarlos a todos.

¿Cómo elegiste a estos cuatro? ¿Por gusto personal o por otro motivo?
- Fundamentalmente por lo que yo considero la representatividad. El marco de esta obra son los autores peruanos nacidos entre los 60 y 70, no antes ni después, que empiezan a montar sus obras en los 90. Escogí estos cuatro porque tenían estilos, temáticas y edades diferentes. Vi que con estos podía trabajar. No es gusto personal. No es una selección de los “mejores”. Otro factor es que son constantes, que han adquirido prestigio de crítica y público. He tenido que descartar a mi pesar a autores como Claudia Sacha, Jaime Nieto, Aldo Miyashiro, Gino Luque, la huancaína María Teresa Zúñiga.

¿Por qué sólo autores de Lima?
- En la investigación hay muy poca dramaturgia personal en provincia, con la excepción de María Teresa Zúñiga. No ha habido una consolidación a nivel crítico, público y artístico.

¿Por qué se da este boom de dramaturgos?
- Mi intención no es decir por qué está pasando este fenómeno, sino decir qué está sucediendo. Cito a algunas personas que han pensado en el tema. Una de ellas es que durante los años 60 y 70 el teatro peruano se fue al lado no dramatúrgico. El trabajo del cuerpo, del performace. El trabajo del dramaturgo no era lo principal. Puede ser, es una hipótesis. Otra razón es el desarrollo de la actividad teatral en Lima y provincias. Los muchachos vieron que se podía hacer. Desde los 80 teníamos grupos de teatro de autor como Telba y Ensayo, pero había otros. Normalmente los que comenzaban a escribir lo hacían con poesía y narrativa, pero se empieza a cambiar, tal vez, no me atrevo a afirmarlo, por estas razones que te doy.

Un mundo para Cayetana

2011-10-17T10:14:00.001-05:00

Cayetana de los Heros (Fátima Buntinx) es una niña de una familia adinerada de comienzos de los ochenta que sufre una gran soledad. Su madre va a tener un hijo próximamente con su nuevo esposo y su padre no le presta atención. Para mayor desgracia, su prima y amiga más cercana enferma. Su única forma de escape es a través de la fantasía. Sueña con los héroes del Perú dándole una mano, pero también fantasea con que nazca muerto su hermano.

Cayetana de los Heros es una pobre niña rica. Recuerda, en parte, al Julius de Bryce Echenique. Al igual que éste tiene una gran sensibilidad que no es entendida por su familia. También es de clase alta y forzada a adaptarse a la nueva situación sentimental de su madre. Pero tiene una gran diferencia. Mientras que en la novela de Bryce Echenique el protagonista tiene gran empatía con las clases bajas, en especial con el servicio doméstico, en este caso la actitud es de una pequeña déspota.

Aunque la reconstrucción de época es esmerada, no es una película realista ni histórica. La torrencial lluvia en la seca Lima o la mención a una goleada por seis a cero a Brasil es prueba de ello.

La cineasta es hábil en crear un ambiente asfixiante y de continua angustia. El personaje principal es bien logrado, aunque satura por no estar bien acompañado. Los demás papeles no se perciben tan trabajados. A esto se suma que las actuaciones del resto del elenco son regulares o flojas, salvo el padrastro (Paul Vega) y algún breve papel secundario (Ubaldo Huamán haciendo de capataz, por ejemplo). Más allá de los problemas del elenco, es un interesante debut.

Ficha técnica

Las malas intenciones de Rosario García Montero

Actúan Fátima Buntinx, Paul Vega, Pietro Sibille, Katerina D’Onofrio, Ubaldo Huamán y Jean Paul Strauss, entre otros.

Espacio y color

2011-10-17T10:03:00.000-05:00

La obra de Miguel Ángel Velit tiene dos tendencias. Por un lado, están las esculturas de grandes dimensiones hechas con desechos y metal. Por otro, son los lienzos en los que intenta recrear el mapa de la ciudad a través de líneas y abstracciones. Aunque no son pocas ni infrecuentes las muestras en las que participa, no había habido oportunidad en que estas dos vertientes se vieran en un mismo espacio. Para acabar con este pendiente, se inauguró este mes la exposición “Mapas y ecuaciones matemáticas en el espacio”.

El pintor y escultor reconoce que hay en ambos tipos de trabajo vasos comunicantes. La inquietud por el espacio donde se mueve uno es el principal. Los lienzos que presenta, fiel a su estilo, son cartografías surrealistas e íntimas de las calles y plazas que Velit ha recorrido. De forma lúdica, incluso sus cuadros aluden a la galería donde están expuestos.

Pero la ciudad que ve el artista no sólo se expresa a través de estos singulares planos. También se puede ver esta inquietud en esas esculturas de grandes dimensiones, casi su sello de fábrica, que han sido expuestas en varias muestras fuera de nuestras fronteras.

“Yo me inspiro cuando recolecto objetos de desechos en algunas zonas de Cárcamo o El Agustino”, confiesa.

En estas piezas de más de dos metros de alto recicla chatarras de metales diversos, dándole un significado nuevo. Por ejemplo, una escultura ha sido bautizada como Transformer. Con este nombre se hace un obvio homenaje a una película de la cual el hijo del artista es fan. Pero también se alude a la manera en que los resortes y demás objetos utilizados en la escultura adquieren una nueva función a través de la intermediación de Velit.

El escultor comenta que quiere imprimir movimiento en sus piezas, por eso evita que se vean rectas. Juega con las posibilidades que le da el material a su disposición. Para que se entienda su forma de trabajo, ha considerado pertinente incluir en la muestra un video en el que se le filma desde el momento en que escoge los lienzos que pintará y las piezas que luego darán vida a una escultura. Va hasta el 27 de octubre.

El Nobel sueco visto desde el Perú

2011-10-11T09:10:00.000-05:00

Hace unos días, la Academia Sueca anunció a Tomas Tranströmer como el sucesor de Mario Vargas Llosa en el premio Nobel de Literatura. Aunque el nombre de este poeta sueco se veía en varias cábalas al galardón desde hacía un par de décadas, para muchos era un desconocido. Incluso, el autor de La ciudad y los perros reconoció a la prensa que aún no lo leía.Pero, a pesar de lo poco difundida que es su obra, algunos poetas peruanos, colegas de Tomas Tranströmer, sí lo conocen y han leído. Tal es el caso de Víctor Ruiz Velasco, quien también es el responsable de la editorial Lustra. Él comenta que desde hace unos años está tras la publicación de libros del autor sueco en el Perú.

Explica que hace un par de años estableció contacto en la feria de Fráncfort con los representantes de Tranströmer, el mayor poeta escandinavo vivo. Se había proyectado hacer una coedición con otro sello venezolano. Sin embargo, después del anuncio del premio, Ruiz Velasco manifiesta que tal vez varíen los planes. Asegura que están evaluando sacar una edición especial para el Perú antes de que acabe el año o, máximo, fin del verano de 2012. Aún no se ha decidido entre antología o un libro en especial con material a ser lanzado bajo su sello.

Tradición nórdica

Otro que conoce de la obra de Tranströmer es Jerónimo Pimentel. Una curiosidad es que su acercamiento a este autor se ha dado más por lo que circula en internet que en libros de papel. Para él es una gran noticia que una editorial peruana se anime a publicarlo por estos lares, y habla muy bien de su olfato que los tratos se hayan iniciado desde antes que le otorguen el Nobel.

Pimentel comenta que a él le atrae del escritor sueco lo ecléctico de su registro. Menciona que tiene ese tono reflexivo e intimista propio de los autores nórdicos, pero a la vez trasciende su tradición. "No se mira el ombligo", apunta el poeta peruano. Hace notar, por ejemplo, que ha adoptado géneros propios de otras culturas, como el haiku japonés.

Una observación similar nos da Roxana Crisólogo, quien también le encuentra las características de la poesía nórdica. Crisólogo, residente hace varios años en Finlandia, indica que su arraigo a la tradición de esta zona se percibe en "la forma de tratar temas como el silencio, la nieve, el frío".

Añade que "tiene un tono práctico, como son los nórdicos, breves, concisos, este clima y oscuridad los hace así". La poeta también señala que ha tenido oportunidad de constatar el respeto que se le tiene a Tranströmer en los países escandinavos.

Yapa
Unas horas después del cierre de esta nota, publicada en el diario El Peruano, me llegaron al correo unas líneas de Renato Sandoval, tal vez quien más sabe de literatura escandinava en el Perú. Las incluyo casi sin editar:

"Leí a Transtörmer hace muchos años; antes incluso de que lo empezaran a vocear con insistencia para el Nobel. Pero hace mucho que no lo he vuelto a leer, de manera que no te puedo decir mucho al respecto. Salvo que, en efecto, está en la onda de muchos poetas de su generación que en un primer momento (en los años 40-50) escribían influidos aún por el surrealismo francés y otras vanguardias, pero que poco a poco fueron retomando el tono intimista, irónico, reflexivo, de aparente sencillez pero de gran complejidad conceptual propia de la poesía nórdica. Esta se inició con lo que se conoce bajo el nombre de "modernismo escandinavo", y que, en lengua sueca, tiene como exponentes a Edith Södergran, Gunnar Björling, Elmer Diktonius, Raabe Enckell, Karin Boye, etc.

Sin embargo, de los que conozco personalmente, quisiera destacar la poesía del sueco Lasse Sôderberg (1931), coetáneo de Transtörmer y junto con él asiduo colaborador de la muy influyente revista Upptakt, y al finlandés de expresión sueca Gösta Agren (1936), de quien he tenido la gran experiencia de traducir al español tres libros y cuya poesía, debo confesar, me parce superior a la del más reciente Nobel."

Otros enlaces
Nosotros matamos menos
Mirko Lauer

Amigos con beneficios: Lo que hay después del beso final

2011-10-11T08:48:00.000-05:00

Justin Timberlake (Dylan) es un hábil y joven diseñador gráfico de Los Ángeles que acaba de terminar un noviazgo. Mila Kunis (Jamie), una agresiva cazatalentos que lo contacta para que trabaje en una gran revista en Nueva York.

Ella también ha roto un romance hace poco. Nace en ellos una sincera amistad. Tan es así que deciden tener una especie de relación sin compromiso, muy bien descrita en el título de la película. El resto de la trama es lo que se imaginan.

Es cierto, es muy predecible hacia donde se encamina la historia. Dos muy buenos amigos que se enamoran es un socorrido argumento de infinidad de películas. Sin embargo, en esta ocasión está muy bien. Tiene el valor agregado de ser una suerte de Cuando Harry encuentra a Sally consciente de los clichés a los que apela. No por nada, en la escena previa al singular acuerdo de estos dos amigos, ellos ven y comentan entre risas una película edulcorada. O, un poco antes, cuando, por separado, ambos rompen sus relaciones previas refiriéndose a supuestos atributos de George Clooney, galán de esta época.

Se echa mano a varias obvias estratagemas de este tipo de cintas. Por ejemplo, canciones populares, dos jóvenes estrellas mostrando sus atributos y locaciones tan reconocibles como el letrero de Hollywood o las calles de Nueva York, pero de una manera fresca y ágil. Coquetea por momentos con el drama al retratar las familias de ambos protagonistas, dando la dosis habitual de melodrama.

Lo más destacable son el desempeño de la Kunis haciendo un convincente papel de chica aguerrida y sensible y un guión eficiente en su objetivo de entretener.

Ficha técnica:
Amigos con derechos
Dirige Will Gluck
Actúan Mila Kunis, Justin Timberlake, Patricia Clarkson, Woody Harrelson, Emma Stone y Rashida Jones.

(Si todavía no ves la película, aún no veas este video que es de una de las escenas finales. Melcocha pura. Qué le voy a hacer, soy romántico)

Cuando el Nobel fue blanquirrojo

2011-10-06T08:51:00.002-05:00

Hace un año – días más, días menos – los peruanos nos acostamos sin mucho interés en los premios que por esta época entrega la Academia Sueca y amanecimos con un Nobel en casa. La fiebre que se vivió en nuestro país la debe experimentar en estos momentos alguna otra nación. Otro escritor* – tal vez habitual en las cábalas, tal vez desconocido – ahora es el centro de la atención de los amantes de la lectura.

Vargas Llosa, en una entrevista reciente, bromeaba diciendo que por fin iba a poder descansar de tanta actividad y tendrá tiempo para escribir cuando se sepa quién será el nuevo Nobel. Bastante de razón tiene. Desde ese primer jueves de octubre de 2010 en que una llamada de Estocolmo lo despertó no ha dejado de estar en el ojo de la noticia.

Sin ir muy lejos, esta semana estuvo en Madrid junto al Príncipe de Asturias y un grupo de intelectuales de primer nivel anunciando el proyecto de la cátedra que lleva su nombre. Una vorágine de actividades y presentaciones que no ha parado y que él calificó en su momento como un torbellino

Los homenajes no cesan en diversas partes del orbe, acompañado de un aumento exponencial de la venta de sus libros y múltiples traducciones. Sin embargo, más allá de su universalidad, el autor no ha perdido oportunidad para mostrar su orgullo por la tierra en que nació y en la que recrea una gran parte de su obra.

Por mucho tiempo tendremos presente su discurso de aceptación del premio, dado en diciembre del 2010, cuando, además de llorar al mencionar la importancia de su esposa en su carrera, aseguró enfático que “al Perú lo llevo en las entrañas”.

Se trata de un escritor atado a su terruño, que se emocionó más con el homenaje que le hizo su equipo de fútbol peruano, Universitario de Deportes, que el que le hizo el Real Madrid. Un autor pendiente que, más allá de su fama, no deja de comprometerse con lo que suceda acá. Por ejemplo, encabezó hasta mediados del 2010 la iniciativa para la creación del Museo de la Memoria. O, más recientemente, no dudó en dar su opinión cuando se la pidieron durante la reciente campaña electoral, teniendo la posibilidad de abstenerse.

Es de suponerse que la espiral de compromisos en la que está decaerá luego del anuncio de esta madrugada de la Academia Sueca. Un nuevo escritor experimentará lo que es ser Nobel, mientras que Vargas Llosa regresa a lo suyo. Y nosotros, sus lectores, volvemos a esperar un nuevo libro suyo.

* A esta hora ya se sabe que es el poeta sueco Tomas Tranströmer. Mucho gusto.

Foto: Rita de Carlín. Ilustración: Tito Piqué.

Devoción a la arequipeña

2011-10-05T10:13:00.000-05:00

En el verano del próximo año la vida de la beata Ana de los Ángeles llegará a la gran pantalla. Se trata del nuevo proyecto cinematográfico de Miguel Barreda, director arequipeño, y que en este momento se está filmando en el convento de Santa Catalina de la Ciudad Blanca y en la campiña de los alrededores.

De acuerdo al cineasta, la película titulada Ana de los Ángeles debe terminar su etapa de rodaje en un par de semanas. En los primeros meses de 2012 se podrá ver en la cadena Cinemark. Todavía no está definido si será sólo un estreno regional o si se verá en el resto del país.

El director comentó que ha tenido cierta libertad creativa para retratar la vida de esta beata del siglo XVII. Mencionó Barreda que el guión del proyecto, financiado por las monjas del monasterio arequipeño, ha seguido las biografías que sobre el personaje histórico existen. Sin embargo, ha tenido la oportunidad de introducir escenas metafóricas que acompañen el mensaje de la cinta.

Una mirada al terruño

Para esta aventura se ha convocado a un equipo que es, con contadas excepciones, totalmente arequipeño. El elenco también es casi todo de la región, salvo por Adriana Cebrian - cantante limeña conocida como Adri Vainilla - que interpreta a la beata entre los 15 y 20 años. La otra intérprete de Ana de los Ángeles es la arequipeña Doris Guillén, que le da vida en su etapa madura. Otras dos etapas que se ven de esta figura son a los tres y a los ocho años, para lo cual se recurrió a niñas de esas edades.

Barreda confesó que uno de los retos para esta cinta es el jugar con la luz natural de la que se goza en Arequipa. Mayor desafío si se tiene en cuenta el contexto histórico de la película. Otro alcance que nos da es que se tuvo en mente varias cintas de biografías y de reconstrucción de época. Algunos de los títulos que repasó fueron La joven de la perla de Peter Webber y Teresa, el cuerpo de cristo de Ray Loriga, entre otros filmes similares.

Miguel Barreda, quien estrenó hace pocos meses la cinta de carretera Y si te vi no me acuerdo con escenas en su ciudad natal, admite que este nuevo proyecto se enmarca en su anhelo por retratar a Arequipa. Indica que tiene avanzada otra película de tono más personal que espera saldrá dentro de pocos meses. Asimismo, indicó que no ha abandonado su idea de dirigir una adaptación de Hamlet en la campiña characata.

Nota sobre la película en Cinencuentro

El teatro según Oswaldo Cattone

2011-10-04T08:56:00.001-05:00

Un referente del teatro en el Perú desde los años 70, Oswaldo Cattone nos habla sobre sus anhelos y su manera de entender las artes escénicas.

Muchos de los jóvenes parte del boom teatral actual lo nombran a usted como su inspiración.

- Es que la mayoría de ellos se formaron acá. El otro día, me contaba Alberto Servat que para él es inolvidable la puesta de El diluvio que viene. Juan Carlos Fisher, David Carrillo, Ricardo Moran. Todos los directores nuevos que están sonando con justicia, porque son muy talentosos, se inspiraron un poco en mi trabajo. Cuando llegué a Lima en el año 73 teatralmente era un desierto árido con pocas posibilidades de fructificar. Marqué un tiempo, un espacio, un ritmo. En los años 80 yo sufría mucho porque la inteligencia barranquina, la que se reunía en un café a criticar, criticaba mi trabajo porque era frívolo pero no hacía nada. Pero si ves la cartelera ahora verás que prima la comedia. Han comprendido que para tener continuidad se necesita público.

¿Cómo lo encuentra al Marsano este boom del teatro?
- Igual. Cattone tiene un público todavía. No es que surgieron nuevos espectáculos y me olvidaron a mí. Yo creo que tener una trayectoria seria como la mía, también implica que se conquista un público. Hay gente que viene de lo que de, que consume Marsano. Hay un público que viene a ver qué hace Cattone, sin ser una estrella de televisión.

¿Qué obra le hubiera gustado montar? Supongo que la responsabilidad económica de un teatro lo limita
- Ese es el problema. Es que yo, lo que me sostiene es el público. No tengo un banco detrás. Yo me financio mis propias obras. Me compré con Annie dos departamentos y los he tenido que vender para hacer Art, porque el público no la quiso ver. El costo del teatro cuando no viene gente es el mismo. Tengo a 36 personas de planta, aparte de los actores de turno. Para mantener este barco, hay que hacer ciertas obras que tenga cierta resonancia pública.

¿Por qué ya no continúa esa experiencia del teatro paralelo al Marsano, con otro tipo de teatro?

- No me resultó. Hubiera funcionado si separaba las salas. Las voces se filtraban. No me rindió económicamente como para mantener otra sala.

Deseos y contratiempos

¿Qué tiene pendiente hacer?

- Yo ya voy a cumplir 80 años, un hombre mayor. No tengo muchas ilusiones. Yo he hecho mucho en el teatro, no sólo en el Perú sino también en Italia y Argentina. Una obra que me encantaría hacer es La tempestad de Shakespeare. Pero le tengo mucho miedo a que la gente no me acompañe. Si no lo hace, no tengo dinero para enfrentar el agujero que eso significaría. No sé si algún día consiga un millonario o un banco que me apoye. Pero arriesgar mi plata en el umbral de mi vejez. No tengo esa valentía que se tiene a los 20 años.

Coménteme de sus fracasos

- Yo cuando he hecho una obra ha sido porque me ha encantado al verla. A veces me he enamorado al verla en Buenos Aires o Nueva York al verla con otros actores. Pero de pronto, no interesaba al público limeño. Hay un slogan en el teatro que me parece que es injusto pero hay que respetar: la vida es demasiado triste como para ir a ver una tragedia. Yo no creo que sea triste, es un regalo de la naturaleza. Conlleva momentos buenos y malos. Cuando lo he intentado en mi teatro, no me ha ido bien.

¿De sus fracasos cuál es el que le tiene más cariño?

- Yo hice una vez una obra sobre el sida que se llama Algo en común de Harvey Fierstein. Tocaba un tema muy curioso, la historia de una pareja homosexual. La mujer del muerto – el personaje había tenido una vida heterosexual – venía a recriminarle. En Nueva York fue un éxito. En Buenos Aires la hizo Ricardo Darín. En Lima no vino nadie.

Buscando visa para un sueño

2011-10-03T09:25:00.004-05:00

(Publicado en el diario El Peruano en febrero de 2007)

Shirley Valentine (Ofelia Lazo) es una ama de casa entrada en años viviendo una crisis matrimonial. Luego de una vida consagrada a su familia, descubre que pasa los días hablando con la pared y sin haber realizado ninguno de sus sueños. En particular, le obsesiona conocer Grecia, lugar que ella describe como "sitio de antiguo gran esplendor que ahora está en ruinas" en clara analogía con su propia realidad. Pero en medio de su rutinaria existencia, Shirley es sorprendida con la posibilidad de viajar al destino deseado. Y todo cambia.

Para ambientar esta pieza se ha echado mano de una decoración simple y efectiva. Detalles como el tipo de sillas dan la idea del lugar donde la acción transcurre. Por otro lado, la música acompaña acertadamente cada escena.

Aunque la historia pueda ser previsible, el desempeño de Ofelia Lazo hace de la hora y media de duración una experiencia agradable. Ella construye de forma muy creíble la metamorfosis que experimenta su personaje. Gracias a la habilidad de la actriz es que esta trama algo manida logra arrancar buenas carcajadas cómplices del respetable.

Ficha técnica

Yo amo a Shirley

Dirige: Oswaldo Cattone

Actúa: Ofelia Lazo

De jueves a domingo en el ICPNA de Miraflores (avenida Angamos oeste 120) a las 19.30 horas

Entradas desde 10 nuevos soles

Nevermind de Nirvana: Adolescencia eterna

2011-09-30T00:30:00.000-05:00

El 24 de setiembre de 1991 un grupo desconocido que tocaba en la ciudad de Seattle lanzaba al mercado su segundo álbum. Ni su disquera ni ellos mismos tenían mucha fe en la repercusión que pudiera tener esa producción. Pocos meses después, los temas de ese larga duración desplazaban al mismísimo Michael Jackson, el llamado rey del Pop, de las listas de más pedidos.

A comienzos de 1992 ya los amantes del rock de todo el orbe se habían familiarizado con el nombre del grupo – Nirvana – y, como mínimo, reconocían un par de canciones de su álbum Nevermind. El video de la canción Smell like teen spirit era de los más solicitados. Las declaraciones que Kurt Cobain, el líder de la agrupación, diera empezaron a tener tanta cobertura como las de las figuras más famosas del circuito comercial. Pero, ¿quiénes eran estas estrellas recién llegadas al firmamento musical?

El estilo de Nirvana no era el que se acostumbraba a escuchar en las radios. Las listas de éxitos las dominaban, en la fecha de lanzamiento, artistas como Paula Abdul, C + C Music Factory y Mariah Carey, compartiendo espacio de forma excepcional, con bandas como R.E.M. o E.M.F.

Formados en las canteras del rock alternativo, tenían como ídolos a grupos poco conocidos por el público masivo como Pixies o Melvins. Su anterior entrega discográfica, Bleach, transitaba por ritmos cercanos al punk y al hard core, logrando una acogida ínfima en el mercado. Sin embargo, con Nevermind, con un sonido ligeramente más melódico, cosecharon lo que ningún otro grupo de su estilo esperaba.

Su éxito le abrió la puerta de la difusión masiva a agrupaciones que tenían similares motivaciones. En cadenas de videos como MTV fue frecuente encontrarse con Pearl Jam o Red Hot Chili Peppers, Smashing Pumpkins – grupos que, dicho sea de paso, recién llegaron para tocar en el Perú en los últimos meses. Una frase atribuida a uno de los integrantes de Nirvana dice que la década de los 80 acabó cuando salió el Nevermind al mercado. Y mucho de eso hay.

Pero el éxito al que no aspiraban afectó más a Kurt Cobain, el cerebro y rostro de la banda. Demasiada exposición a la que no estaba preparado, sumado a sus aficiones a las drogas, lo fue empujando a una espiral autodestructiva que terminaría con su suicidio en 1994. Pero entre su ascenso al estrellato y su muerte, tuvo tiempo para dejarnos otras joyas musicales más.

Población cuidará Huaca Garagay

2011-09-29T09:39:00.000-05:00

El Ministerio de Cultura está por firmar un convenio con los vecinos del centro poblado 12 de Agosto, en San Martín de Porres, para que estos se comprometan a cuidar el sitio arqueológico de Garagay. Así lo informó la titular de la cartera, Susana Baca, quien destacó que desde hace 26 años existe un conflicto por este complejo.

La funcionaria manifestó que se tiene en mente seguir modelos exitosos de trabajo con la población. Mencionó el caso de Caral, en el valle de Supe, y en Lima el de la huaca Pucllana en Miraflores. Añadió que no se debería tener prejuicio de delegar tales responsabilidades a los vecinos de Garagay sólo por su estrato económico.

La funcionaria manifestó que el centro poblado está cumpliendo el papel de “cerco vivo” para proteger dicho complejo. Según sus palabras, los vecinos no se encuentran propiamente dentro de la zona arqueológica, y su presencia impedirá futuras invasiones.

Asimismo, la ministra de Cultura mencionó que se piensa en la puesta en valor del complejo arqueológico. Por ejemplo, se está estudiando la manera de remover la torre de alta tensión que se instaló en una de las partes altas de la edificación. Dicha instalación eléctrica tiene medio siglo en el lugar.

Cabe señalar que la huaca de Garagay se encuentra en una zona urbana, cerca del cruce de las transitadas avenidas Universitaria y Angélica Gamarra. Al ser consultado, Roberto Bustamante, arqueólogo y estudioso en temas culturales, el comprometer a la población es un camino bastante factible.

Menciona el especialista que Garagay aún conserva parte de su antiguo templo en U. Recuerda que en los 80 se podían ver en el lugar preciosos murales. Añadió que en el pasado los arqueólogos han trabajado de espaldas a la población. Pero que la labor de los profesionales es infructuoso si es que la gente no se apropia del sitio.

(Foto tomada de http://www.arqueologiadelperu.com.ar/garagay.htm)

Madres de hoy, modelo para armar

2011-09-27T09:40:00.000-05:00

La dramaturga Mariana de Althaus vuelve a abordar la maternidad. Pero lejos de mostrar el tema agotamiento luego de otras tantas obras con similar premisa, la autora entrega quizás su obra más creativa.

Se plantea como el testimonio real de tres artistas sobre su rol de madres y, de paso, sus experiencias como hijas. Curiosamente, el estar atada a hechos – o al menos una versión de ellos – no es impedimento para hacer una obra más libre y experimental que la pieza netamente de ficción Entonces Alicia cayó, también de de Althaus.

Alejandra Guerra, parte de una familia de artistas, narra los vaivenes de su vida entre varias ciudades. Mientras, en paralelo, Lita Baluarte revela los desencuentros con sus padres y parte de su historia personal. Matiza el espectáculo la intervención de Sandra Requena, conocida vocalista de grupos de rock, quien da algunas pistas de su intimidad y aporta la banda sonora a la pieza. Su versión de I’ll be your mirror de Velvet Underground es precisa. También se da, en voz de Requena, información complementaria a lo sucedido en escena como estadísticas y demás. Incluso se cita a Efímero, otra pieza de la dramaturga.

En Criadero se echa mano de distintas estrategias para narrar de forma ágil estas personales cuitas, desde danza hasta pintas en las paredes y video, pasando por las apropiadas canciones escogidas. De Althaus conjuga estas diferentes artes, sin que sean sólo juegos de artificio. Muy atinadas las coreografías, las cuales se cumplen a pesar de estar Baluarte enyesada. Tal vez por ese motivo se da la intervención de un personaje encapuchado en varias partes de la obra.

La autora ha sabido escoger de cada testimonio lo más relevante, sorteando el riesgo de hacer una obra expositiva con poca trama o interés dramático. Además, trascendiendo el tema de la maternidad, da cuenta sobre la generación que se crió entre apagones e hiperinflación. Un fresco de época que recuerda a otra buena obra de de Althaus, Ruido. Buen teatro que invita reflexionar sobre nuestra sociedad.

Ficha técnica
Criadero, instrucciones para (NO) crecer
Escrita y dirigida por Mariana de Althaus
Actúan Alejandra Guerra, Lita Baluarte y Sandra Requena.
En el centro cultural de la Universidad Católica (avenida Camino Real 1075, San Isidro). De jueves a lunes a las 20.00 horas. Entrada general 25 nuevos soles.

Íntimo amanecer

2011-09-27T09:34:00.002-05:00

(Esta entrevista la publiqué en el diario El Peruano unos días antes del estreno de Illary, en junio de 2010)

Esta semana se estrena Illary, nueva cinta de Nilo Pereira. En esta cinta se narra cómo dos muy íntimas amigas, separadas de muy pequeñas, se reencuentran en orillas distintas en medio de la violencia política de los años 80 y 90. Conversamos con el director sobre este proyecto.

Es interesante que esta cinta tenga una estructura similar a otra que trata el tema de la violencia, Vidas paralelas, en las que dos amigos cercanos se alejan en la niñez para hallarse enfrentados.

- Claro. Pero este guión es anterior a esa película. La similitud termina en eso, porque nuestro enfoque es más humano, más personal, más íntimo. El interés es mostrar qué sucedía con los jóvenes peruanos en esa época, cómo veían o no el problema. Sobre todo cómo no lo veían. La historia de Ana – una agente de inteligencia interpretada por Jackelyn Vásquez – es ejemplo de ello. O el de Eva – Urpi Gibbons – que se va involucrando en algo que no había previsto.

En la película muestra que ambas se mueven en un entorno negativo, que busca aprovecharse de ellas antes que nada.

- Lo que me motivó a hacer esta película es descubrir que el noventa por ciento de los que fallecieron en la época del terrorismo eran jóvenes de entre 18 y 25 años. Me preguntaba si ellos tenían conciencia en por qué estaban arriesgando su vida. Descubrí que en la mayoría de los casos no tenían conciencia de qué estaban haciendo, que su vida estaba siendo utilizada. Una de las lecciones que me dio esta investigación es que el enemigo no sólo está en el otro lado, sino a veces encima de uno. A veces el obedecer ciegamente una orden no es lo correcto.

¿Cuál fue la motivación para retratar a los agentes de inteligencia?

- En el caso de Ana siempre me pregunté qué pensarían estas chicas que escuchaban interceptaciones telefónicas, si las entenderían o no, si realmente sabían en qué estaban metidas o sólo hacían un trabajo de secretarias, como quien traduce un manual. Descubrí que eso último eran. Chicas que no tenían ninguna conciencia política. Para ellas sólo estaban haciendo su trabajo y punto.

¿Esta visión pesimista fue una de las razones por las que le fue difícil encontrar financiamiento?

- Hay poca ayuda al cine, más allá de Conacine. La empresa privada que debería ayudar no lo hace, y menos con películas de esta temática. Prefieren una comedia ligera o una historia de amor, quizás. Sienten que se comprometen políticamente con el filme, lo que no es verdad. Algunas que me han apoyado, lo han hecho por apoyar el cine peruano y punto.

La frase
“El uso del quechua en pasajes de la película no creo que la hagan menos o más comercial. El público que va a ver cine peruano es el mismo”

Abel contra Abel

2011-09-27T09:13:00.001-05:00

(Comentario que publiqué en el diario El Peruano en junio de 2006)

Las primeras imágenes de la película muestran a Ana (Jackelin Vásquez), una efectivo del Ejército, y Eva (Urpi Gibbons), una sospechosa de sedición, se encuentran en medio del fragor de la guerra interna. Las dos se reconocen, mientras a su alrededor un grupo de subversivos trata de tomar una base militar.

El resto de la película muestra el camino que tuvieron que transitar estas dos amigas de la infancia para encontrarse en esa situación. Otra cinta reciente que utilizó una idea similar – enfrentar a dos personajes muy unidos en la infancia para graficar la violencia política – fue Vidas paralelas. Se trata de un argumento arquetípico que, bien planteado, puede funcionar para una película. Sin embargo, el potencial de esta idea no es suficientemente explotada en el presente filme.

Un problema es el guión. Los diálogos en muchas ocasiones son ingenuos y expositivos. Un ejemplo son las líneas que les toca a las compañeras de Ana en su trabajo de interceptación telefónica, o el de ella misma cuando se acerca a los niños de su pueblo.

Otro problema es el juntar tantos elementos de nuestra historia reciente sin encajar en todos los casos. Tal vez por este intento de abarcar tanto es que el personaje de Ana se le trate por ratos de policía y en otros momentos de militar.

El director ha buscado sugerir a través de algunos detalles fuera del primer plano. Por ejemplo, la foto de Escrivá de Balaguer en las escenas de la familia de Eva hablan de su particular religiosidad, o las imágenes de Mickey Mouse en el dormitorio de Ana – tanto en Lima como en su pueblo – dan pistas sobre un ser tierno debajo de los usos rudos de una soldado. Es una cinta irregular, con algunas actuaciones eficientes pero la mayor parte no tanto, y que pudo ofrecer algo más.

Ficha técnica
Illary
Dirige Nilo Pereira
Actúan Jackelin Vásquez, Urpi Gibbons, Baldomero Cáceres, Pilar Brescia y Gustavo Bueno, entre otros.

(video tomado de http://visorperu.com/cine-peru)
Película Illary por Visorperu

Vicky Cristina Barcelona: Ese español objeto del deseo

2011-09-22T08:55:00.000-05:00

(Publicado en el diario El Peruano en marzo de 2009)

Dos amigas norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson), están pasando una temporada en Barcelona. Vicky, la seria de las dos, está apunto de casarse con un joven ejecutivo y se dedica al estudio, mientras que Cristina está en búsqueda de emociones y de una vocación de artista. En la ciudad española conocen a Juan Antonio (Javier Bardem), un pintor que tiene una tormentosa relación con su temperamental ex mujer, María Elena (Penélope Cruz).

Como es de esperarse, las amigas son cortejadas a la vez por Juan Antonio. Se empieza así una serie de situaciones bizarras, complicadas por añadidura por los inoportunos regresos de la ex esposa al hogar conyugal.

Allen le da la vuelta a varios estereotipos para hablarnos de sus temas habituales como la soledad y el fatalismo. Bardem es el macho ibérico, pero con un toque sentimental. Cruz hace de la explosiva y sensual española. Vicky, con una lograda y contenida actuación de Hall, es la reprimida futura dama de sociedad a punto de dejar todo por una calentura. Por su parte, Cristina es la indecisa artista que huye del éxito amoroso.

En otro plano, hay que alabar la elección de la banda sonora, la que ha permitido descubrir al buen grupo Giulia y los Tellarini.

Aunque hay algún momento en que se fuerza la risa fácil - el último "ampay" de María Elena a su esposo, por ejemplo - el resultado final confirma el buen momento que tiene Allen con sus últimas películas "europeas".

Ficha técnica
Vicky Cristina Barcelona
Dirige Woody Allen
Actúan Javier Bardem, Penélope Cruz, Scarlett Johansson, Rebecca Hall, Kevin Dunn, y otros.

Medianoche en París: "Me podrás engañar a mí, pero nunca a Hemingway"

2011-09-22T08:40:00.000-05:00

Gil (Owen Wilson) es un guionista exitoso de Hollywood, pero dejaría todo por dedicarse a escribir en la ciudad de sus sueños: París. Pero su pasión por la capital francesa no la comparte su prometida (Rachel McAdams), con quien está de visita en esta urbe europea. Incomprendido, realiza caminatas al filo de la medianoche que lo transportan al París de 1920. Empieza una doble vida en la que, durante el día, verá su noviazgo irse a pique, mientras que en la madrugada será compañero de bohemia de Hemingway, Dalí y Cole Porter, entre otros.

Un argumento que recuerda a cintas dirigidas o escritas por Allen en que se juega con lo fantástico como La rosa púrpura del Cairo – en la que un galán escapa de la pantalla – o Sueños de seductor – en la que Humphrey Bogart se vuelve el guía del protagonista. Como en esas entregas, se presenta el conflicto entre un mundo idealizado con la convencional realidad.

Owen construye un personaje que emula al Woody Allen de tantas cintas, con tics y manías. No lo hace mal. Acierta el director en caricaturizar a los personajes “famosos” con los que se cruza su protagonista y evitar la reverencia hacia estos.

Algunos críticos se apresuran en señalar esta obra como prueba de la decadencia del cineasta neoyorquino. Aunque la cinta no se encuentre entre sus mejores, esto no significa mucho para un director tan prolífico y que ha sabido mantener un buen nivel en su larga carrera.

Además, deja varias escenas memorables como las bravuconadas de Hemingway o el argumento de un clásico de Buñuel ideado por un mediocre guionista. Lo mejor: los consejos de tres surrealistas a un atribulado enamorado del siglo XXI.

Ficha técnica

Medianoche en París de Woody Allen

Actúan Owen Wilson, Rachel McAdams, Kathy Bates, Adrien Brody, Carla Bruni, Marion Cotillard y Michael Sheen.

García Márquez en las tablas

2011-09-22T08:24:00.000-05:00

Dentro de unas semanas se estrenará Crónica de una muerte anunciada en el teatro Británico. Se trata de una adaptación de la novela de Gabriel García Márquez hecha por su compatriota Jorge Alí Triana. La pieza se ha representado en otras latitudes como Bogotá y México.

Triana es un conocido del público limeño pues antes dirigiera aquí La fiesta del Chivo, pieza inspirada en la obra homónima de nuestro Nobel y que viera antes la luz en Nueva York. Pero no es el único que ha buscado en las tramas de García Márquez inspiración para las tablas. En el 2007, el director ruso David Gurji, junto con el grupo Teatro Libre de Bogotá, pusieron en escena La casa. La curiosidad es que la pieza, apoyada económicamente por Javier Bardem, es de autoría de Esteban García, sobrino de Nobel. Este dramaturgo, filósofo de profesión, actuó en el montaje.

Pero también fuera de las fronteras de Colombia los personajes de García Márquez han motivado espectáculos. Por ejemplo, este año está en cartelera en Puebla la obra Casi cien años de la compañía Teatro Niños Aira bajo la dirección del dramaturgo Rodolfo Pineda. Este espectáculo ha sido descrito como un monólogo que se desarrolla entre títeres, canto y baile y ya tiene unos cuantos años en escena. El texto original es usado de manera libre.

Macondo en la lírica

El narrador colombiano también ha permitido que se lleve a escena sus personajes en adaptaciones para la ópera. Un caso es el de Florencia en el Amazonas de Daniel Catán. El libreto, obra de Marcea Fuentes Beráin, toma algunos motivos de El amor en los tiempos del cólera pero sin seguirla letra por letra. Su estreno mundial se dio en el Grand Opera de Houston en octubre de 1996, siendo vista también en Los Ángeles y Seattle.

Otro ejemplo es Erendira de la compositora rumana afincada en Alemania Violeta Dinescu. Ella presentó en la bienal de ópera de Munich del año 1992 esta pieza inspirada en la novela corta La increíble y triste historia de la cándida Eréndira y de su abuela desalmada.

En otro festival europeo de ópera, el de Glyndebourne de Inglaterra en agosto de 2008, se estrenó otra adaptación. El libro escogido fue El amor y otros demonios y los responsables de esta aventura fueron el guionista Kornél Hamvai y el compositor Péter Eötvös, ambos húngaros.

África en español

2011-09-19T10:02:00.001-05:00

Hace poco ha aparecido en España el libro Una gasa delante de mis ojos, inspirado libremente en la argentina Alfonsina Storni. Con esta excusa, nos comunicamos a Elsa López, su autora nacida en Guinea Ecuatorial y residente en Canarias, para que nos comente del proyecto.

Usted ha mencionado que cuando aborda un género que no sea la poesía, libera fuerzas distintas. ¿Qué fuerzas liberó en esta novela sobre Alfonsina Storni?

- Mi necesidad de explicar ideas, posturas, ideologías, me empuja a decir a través de mis personajes lo que necesito decir. Alfonsina es como mi otro yo o lo que yo hubiese sido si hubiese sido ella o hubiese vivido en su época. Su angustia ante la enfermedad, su manera de decir el dolor físico o de explicar sus necesidades más íntimas como el amor liberado de compromisos o ataduras sociales; su necesidad de ser reconocida como profesional al margen de su sexo y condición de mujer, su constante enfrentamiento a la familia y a la propia vida, etc. son situaciones tan suyas como mías. Explicarla es explicarme. Y eso me libera.

¿Qué le atrajo de esta autora argentina nacida en Suiza? ¿Tal vez la coincidencia de ser las dos autoras que realizan su carrera fuera de la tierra donde nacieron?
- No. Mi exilio interior es más profundo que el geográfico. No soy de ninguna parte y, al tiempo, soy de todas partes. De ella me atrajo su poesía hace ya muchos años. Yo tendría 18 años y mi madre tenía un libro suyo. Lo leí y me identifiqué con su ritmo interior y con su manera de decir los sentimientos de una manera tan desgarradora y, sin embargo, tan irónica.

Coménteme de su lado poético. ¿Cómo nacen sus poemarios? ¿Lo planifica o confía en la inspiración?
- No los planifico. No puedo hacerlo. Me salen las imagines de algún lugar, de allá dentro. Pienso en algo y lo pienso así, tal y como lo escribo. El universo que me rodea tiene signos que me son transmitidos por la propia realidad pero cuando llegan a mí se transforman automáticamente en palabras o en formas de palabras o, incluso, en discurso. Es algo natural y espontáneo. Si a eso le llaman inspiración... lo llamaré así. Los poemas los trabajo una vez están escritos, no antes.

Una figura recurrente en su poesía es la del río. Coménteme ese gusto por esa preferencia.

- Me dan miedo los ríos. Quizá porque los asocie con mi infancia en África cuando cruzarlos era una aventura peligrosa. Los asocio con riberas oscuras. Entiendo el miedo de Alfonsina a arrojarse en ellos (presupuesto por mi y deducido de sus poemas). Yo tampoco lo haría. Tengo un poema que tiene mucho de mi filosofía. Pertenece a un libro (“Del amor imperfecto”) Premio Ciudad de Melilla en el año 1987.

El dolor es un río

donde uno alcanza siempre
a bañarse dos veces

en la mismas orillas.

(Muy a pesar de Heráclito

y su filosofía del tiempo insobornable).

Y por eso yo vuelvo a tus brazos de arena

y a quedarme enredada en su oscura marea.

¿Qué le debe su obra a su infancia en Guinea Ecuatorial?

- Mucho. "El corazón de los pájaros" editado por Planeta en el 2001, tiene muchas referencias a esa niña que vivió en Guinea. Imágenes, poemas, textos en prosa, conferencias y artículos responden de lo que digo. He escrito mucho sobre África y mi próxima novela tendrá ese mundo como fondo.

¿Percibe diferencias entre la literatura hecha en Canarias - donde usted reside - y la realizada en la península? ¿Existe una identidad distinta?

- No. No la veo. La literatura de un lado o de otro responde solo a la manera de escribir cada autor. El vocabulario o las identidades de los personajes pueden situarse en lugares concretos por la manera de estar configurados, pero nada más. Una buena novela o un poemario que también lo sea, no dice del lugar de nacimiento de su autor, sólo de su forma de escribir.

¿Qué contacto tiene con la literatura producida en su país natal? ¿Qué autores recomienda?

- Tengo relación con dos escritores que admiro y aprecio: Justo Bolekia Boleká, un gran poeta, y Donato Ndongo. Su novela "Las tinieblas de tu memoria negra" es un libro que recomiendo siempre.

Bolero de noche: Cuidado con el Coco

2011-09-19T08:54:00.000-05:00

El Trovador (Giovanni Ciccia) sueña con ser el autor de un bolero inmortal, tanto que es dispuesto a vender su alma al diablo. Pronto, gracias al Coco (Leonardo Torres Vilar) se le presenta la oportunidad de escribirlo, pero tendrá que escoger entre su sueño con el amor de la Gitana (Vanessa Terkes).

La película, cuya trama es una variante de la clásica historia de Fausto, tiene muy buenos momentos con otros que no lo son tanto. Las más logradas escenas corresponden al Trovador atrapado en su universo nostálgico. Desde su comportamiento hasta la ropa que usa recuerdan a esas cintas mexicanas en las que el bolero y otros ritmos latinos eran la banda sonora obligada, pero en clave ligeramente estilizada.

Y si el protagonista es un bohemio de la vieja escuela, su diablo no podía desentonar. Leonardo Torres Vilar, uno de los mejores actores teatrales de la escena local, se luce en su rol. Le imprime al papel un cinismo de encantador de serpientes bien replicado por Ciccia.

Pero este buen nivel decae enormemente durante la historia de amor. Los diálogos y acciones encargados a la Gitana ya no son tan afortunados como los de el Coco o el Trovador. Terkes no tiene además un registro tan variado como sus compañeros. El romance, salvo uno que otro momento, es convencional y poco sugerente. Quedan esbozos a medio camino no explotados como, por ejemplo, el contraste entre el mundo discotequero de la Gitana con el del bolero.

Un filme con buenos aciertos pero que no logra mantener el buen nivel en todo momento. Sin embargo, quedan varias imágenes recordables. El demonio de Leonardo Torres Vilar es uno de ellos. Teddy Guzmán acompañada de Los Morunos, es otro.

Ficha técnica
Bolero de noche
Dirige Eduardo Mendoza
Actúan Giovanni Ciccia, Vanessa Terkes, Leonardo Torres Vilar, Teddy Guzmán, y otros.

Papá piraña

2011-09-15T11:31:00.001-05:00

(Columna publicada en el diario El Peruano en 2006)

Esta cinta, ganadora de la Palma de Oro del festival de Cannes del año pasado, es la tercera producción de los hermanos belgas Luc y Jean-Pierre Dardenne, y sin dudar uno de los mejores estrenos de la temporada en el Perú.

Bruno (Jeremie Renier), es un joven ladrón de poca monta y casi indigente, que acaba de tener un hijo con su novia Sonia (Deborah Francois), una chica desempleada. A partir de la llegada del bebé la vida de ambos se verá alterada, asumiendo cada cual a su manera sus nuevos roles de padres.

La historia está ambientada en una Europa distinta a la de las postales y la abundancia. Se supone que la acción discurre en las afueras de una ciudad industrial de Bélgica, pero bien podría ser en cualquier parte. En la pantalla vemos desfilar a un reparto de gente que vive el día a día casi a salto de mata. Gran parte de la película ha sido filmada con cámara al hombro y sin ninguna floritura, por lo que la sensación de desamparo se acrecienta.

La trama gira sobre todo en el proceso de maduración a trompicones de Bruno - un niño grande consagrado a la pendenciaría. Su irresponsabilidad ante el hijo, a quien trata de vender, será el detonante para que su existencia de pequeñas tropelías se acabe. Los Dardenne han evitado cualquier dramatismo gratuito, demostrando que sin grandes aspavientos se puede hacer una cinta sentida. Esperemos que su próxima entrega no llegue con tanta tardanza a nuestras salas.

Ficha técnica

El niño (L'enfant). Bélgica

Directores: Luc y Jean Pierre Dardenne

Actúan: Jeremie Rerier, Deborah Francois

Manuel Jesús Orbegozo: Una vida tras la noticia

2011-09-12T17:20:00.003-05:00

(Nota publicada en abril del 2006 cuando MJO estaba por presentar un par de libros)

En el despacho de Manuel Jesús Orbegozo, tres elementos abundan: los libros, las credenciales de prensa y los búhos de cerámica. "Estos tres estantes contienen publicaciones sobre periodismo", señala. Sin embargo, agrega que son inútiles sin la práctica, pues con ella se aprende el ejercicio de la prensa.

Respaldado por más medio siglo dedicado al negocio de la información, Orbegozo sabe de lo que habla. La Crónica, Expreso, El Comercio y El Peruano son algunos de los medios en los que ha trabajado firmando siempre con sus iniciales: MJO. Actualmente es director de la Escuela de Comunicación de la Facultad de Letras de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Su vocación docente también la expresa a través de publicaciones como los dos títulos que hoy presenta: Testigo de su tiempo y Vallejo periodista.

En el primero recoge recuerdos de más de cincuenta años de vida profesional; en el segundo rescata un papel algo olvidado del autor de Los heraldos negros, el César Vallejo reportero. Indica Orbegozo que en los artículos del escritor se encuentran lecciones que aún poseen validez.

"Vallejo, en cada nota que hizo, da un ejemplo de ética y pulcritud a la hora de redactar", afirma. El veterano periodista comenta como muestra que ha hallado un artículo al que el poeta hizo más de setenta correcciones para su segunda publicación. "Buscaba la concreción en el lenguaje, lo que hoy es poco frecuente".

Periódico de ayer

Escoger al vate de Santiago de Chuco como tema de libro no es casual. Para Manuel Jesús Orbegozo, la época en la que brilló el periodismo peruano ocupa las décadas de 1910 y 1920. Las firmas de personalidades como José Carlos Mariátegui, Abraham Valdelomar o Luis Fernán Cisneros eran frecuentes en la prensa diaria.

"A comienzos del siglo XX había mayor interés intelectual en las redacciones. Pero desde hace unas décadas la prensa está en decadencia", asegura Orbegozo. No obsante, admite que revisa los llamados diarios "chichas" pero con afán de estudio. "El periodismo tiene como una de sus metas la docencia, lo que esto medios, por el lenguaje que utilizan, no cumplen. No es excusa decir que así habla la gente", añade.

Pero no todo son quejas para el recorrido hombre de prensa. Su trayectoria profesional le ha dado la oportunidad de conocer una gran cantidad de países y entrevistar a personajes de distinto cuño, desde Pol Pot hasta Gabriel García Márquez, pasando por Ernest Hemingway, Pablo Neruda y Pelé.

Es imposible conversar con Orbegozo sin escuchar anécdotas de trabajo. Por ejemplo, la manía del escritor mexicano Juan Rulfo de romper fósforos mientras declaraba; la triste realidad a la que se enfrentaba la Madre Teresa de Calcuta; o como Guayasamín, de joven, se incluía entre los mejores pintores de la historia. Orbegozo con Testigo de su tiempo, nos hace cómplices de su experiencia.

Eduardo Mendoza: Nostalgia y romanticismo

2011-09-08T10:20:00.000-05:00

La próxima semana se estrena Bolero de noche. Eduardo Mendoza, responsable de las taquilleras Mañana te cuento, comenta sobre esta nueva aventura.

Tus dos primeras cintas, exitosas en taquilla, son más de género. En esta nueva vas más por la experimentación. ¿Por qué el cambio?

- Siempre la idea es explorar nuevos lenguajes y no sólo contar nuevas historias. Uno puede encontrar muchas maneras de narrarlas. Si uno siguiera repitiendo una forma de contar, no avanzarías. Es una onda diferente con lo que he hecho.
¿Bolero de noche lo sientes más personas y experimental que tus anteriores largometrajes?

- Sí. Lo que sucede con Mañana te cuento es que la gente, cuando una novela, serie o película, tiene mucho éxito no se acuerda de otras chambas. Pero sí, Bolero de noche tiene otra onda, desde la estructura narrativa y hasta el género de la película. Tiene de historia de amor, pero también de cuento fantástico, de aventuras. Es un poco un mix de géneros. No es una película habitual en la filmografía peruana.

¿No te incomoda que se te haya encasillado con las dos entregas de Mañana te cuento y no recuerden tus cortos como TQ1992 ó 303?

- No, tampoco, porque finalmente les fueron bien. Imagínate que una película peruana está llevando dos mil, tres mil personas. Mañana te cuento, la saga, llevó más de 500 mil. Tampoco me puedo quejar. Uno sigue haciendo cosas. Va formando parte de tu filmografía. De hecho Bolero es otra cosa. Dentro de poco empezaré a filmar El evangelio de la carne, que es mi proyecto más personal y que escribí con Úrsula Vilca. Tampoco tiene nada que ver con TQ1992, Bolero de Noche o Mañana te cuento.
¿Qué te atrajo de esta película?- Dirigir Bolero de noche me pareció un desafío porque, a pesar de no ser una película de época, sí juega con dos tiempos. Por un lado tenemos al Trovador, el bar de la Barona, con personajes un poco congelados en el tiempo. Se visten y comportan, construyen sus frases, de una forma antigua. Todo un ritual para enamorarse, visto desde el género del bolero. Por el otro lado, tenemos a la Gitana, que representa al mundo de la música electrónica.

¿Cómo llegaste a esta historia? El universo del Trovador recuerda a las cintas mexicanas antiguas

- Hay un poco de eso. En México es muy fuerte el bolero, pero en el resto de Latinoamérica también. Es un género que siempre está presente. Teníamos la historia original de un guión mexicano que ganó un premio, y a partir de allí la reescribí con Úrsula Vilca. Nos pasamos tres, cuatro meses, adaptándolo a lo que acá se podía hacer.

¿Cómo te preparaste para contar una historia sobre boleros?

- A mí ya me gustaba un poco el bolero por mi papá. A mi productor le encanta el bolero. Y, bueno, estuve escuchando un montón. Trabajamos con Los Morunos. Gracias a ellos conocimos más grupos. Fue muy interesante conocer el mundo del bolero.
¿Fue adrede que el segundo tema que se escucha en la película sea Motivos de Los Morunos, canción que usara Francisco Lombardi en Caídos del cielo? ¿Una especie de cita u homenaje?

- No, porque es la canción icónica de Los Morunos. Nos parecía paja ponerla en el bar. La idea era presentarlos como el grupo del bar de la Barona. Esos locales tienen una pequeña banda que siempre tocan allí.

Por el tipo de propuesta de este largometraje es posible que no vaya a tener tal éxito de taquilla que tus dos anteriores.

- Mi primera preocupación como director es que la película me guste a mí. Ya la vi y me gustó, es novedosa para nuestra filmografía. Tiene además el elemento de la historia romántica, que trasciende edades. Una historia de amor puede funcionar. Tal vez no tenga un gancho comercial tan evidente como Mañana te cuento. Pero al ser una historia de amor tan diferente de las de Hollywood, puede ser atractiva, se pueden sorprender. Hay además un buen elenco con Giovanni Ciccia, Vanessa Terkes, Leonardo Torres. Yo sí le tengo fe. Si se logra que el público vaya los primeros días, el boca a boca será muy positivo.

Hablando del elenco, fuera de los protagonistas, sorprende el nivel de Leonardo Torres.

- Sí, está espectacular. Estábamos buscando al actor para el Trovador. Una de las opciones era Leonardo Torres. Y, de repente un día, conversando con Diego Lombardi, con quien hice el casting, se nos ocurrió probarlo como el diablo. Hicimos el casting y se quedó. Es un diablo que tiene una elegancia, ironiza, tiene sarcasmo. Logra engancharte, enredarte. Le ha dado un aire de misterio y humor, súper interesante.

Hace unos meses te quejaste por la forma en que te premiaron en Conacine. ¿Consideras que te perjudicaron para difundir tu cinta?

- No, para nada. Imagínate quién se va a acordar. Ni yo me acuerdo quiénes eran. Y más bien me va a dar gusto que vean la película. Me pareció un apresuramiento o, simplemente ignorancia. Si tú participas en un concurso de postproducción, tú mandas tu cinta en el punto en el que la tienes.

Difícil ser madre, peor ser tu hija

2011-09-07T08:53:00.001-05:00

En el decrépito hotel Wonderland tres mujeres viven una crisis relacionada con el tema de la maternidad. Una escritora no sabe lidiar con su adolescente hija durante un fin de semana. Una cuarentona se obsesiona con tener un hijo poniendo en riesgo su matrimonio. Una cantante ya entrada en años, en una noche que debía ser de placer conyugal, se entera que su esposo ha embarazado a una estudiante.

A estas tres historias – fuertes por si solas – se le añade el juego con referentes de Alicia en el país de las maravillas. La escritora, por ejemplo, está haciendo una adaptación de esta historia, combinando en ocasiones lo que ella reescribe con lo que los demás personajes dicen.

La escenografía – una habitación de hotel con cierto aire fantástico – sirve de locación para las tres historias. Ayuda a dar esa sensación medio de sueño o pesadilla que los personajes coincidan en el mismo espacio aunque siguiendo relatos distintos.

Se trata de una obra irregular que no logra mantener el mismo nivel en todo momento. Una línea narrativa – la de la madre e hija – es la más lograda y a la que se deben los mejores momentos. Las dificultades de una escritora para criar sola a una chica son mejor presentadas que la histeria de la cuarentona apurada por su reloj biológico o la sorpresa de la dama engañada. A eso se suma que la joven Patricia Barreto, en su papel de la rebelde Paz, sabe dar buena réplica a Sofía Rocha, una de nuestras actrices más talentosas.

Por otra parte, hay que anotar que aunque al inicio las citas a Alicia en el país de las maravillas funcionen para introducirnos en las diferentes historias, pronto las angustias de estas mujeres en problemas se desbordarán, dejando a las referencias librescas como mero adorno. Las intervenciones del conejo, por ejemplo, son irrelevantes y distraen de la trama.

Más allá de sus imperfecciones, esta pieza tiene buenos momentos. La lectura de la obra de teatro de Paz, a dúo con su madre, es uno de ellos. La discusión entre ambas en las que la adolescente le replica con la frase que sirve de título a esta columna, también.

Ficha técnica
Entonces Alicia cayó

Escrita y dirigida por Mariana de Althaus. Con Vanessa Saba, Paul Martin, Ana Cecilia Natteri, Carlos Mesta, Sofía Rocha y Patricia Barreto.
En el teatro Británico de jueves a lunes a las 20.00. Entrada general a 50 nuevos soles.

Entrevista con la directora

Un superhéroe entre los pobres

2011-09-06T09:02:00.000-05:00

Un veterano de la lucha libre, el Inca, vive sus últimos momentos como profesional en un polvoriento pueblo. En el mismo lugar, una joven pareja se prepara para el nacimiento de su primogénito ante la estigmatización de sus vecinos que los ven como ladrones.

Paralelamente, una muchacha, la Boba, sueña con irse de su terruño enamorándose de cada forastero que se le cruce. Todos ellos se ven empujados a partir rumbo a Lima.

No hay que buscar en esta cinta sólo un retrato realista de este grupo variopinto de personajes. Más bien, la trama es una suerte de cuento de hadas con toques costumbristas. La travesía desde el pequeño poblado costeño hasta la capital sirve para que los protagonistas, entre percance y percance, descubran la bondad o malicia de los demás.

Aunque el registro sea adrede ingenuo, hay espacio para abordar con cierta picardía algunas situaciones. A pesar de las limitaciones que implica trabajar con varios actores no profesionales – el cachacanista es uno de ellos – y un guión no siempre redondo, el director se maneja con soltura en una historia al límite de lo verosímil.

El papel más atractivo es el del Inca, quien por su exagerada fuerza le da a la historia algunos toques fantásticos. Hay que apuntar que él es, de los personajes principales, el único que tiene características estridentes que lo asemejan con otros secundarios como la pastora loca o el ladrón de cadáveres. Dos momentos imperdibles: su último baile como luchador profesional y la escena en que ayuda a un mendigo Fernando Zevallos. Con sus imperfecciones, se trata de una amena fábula en la que unos se preparan para morir y otros para dar vida.

Ficha técnica

El Inca, la Boba y el hijo del ladrón Dirige Ronnie Temoche

Actúan Carlos Cubas, Flor Quesada, Manuel Baca, Evelyn Azabache, Christian Ysla, Oscar Beltrán, Alejandra Guerra, Fernando Zevallos y Ana Cecilia Natteri, entre otros.

Pequeñas interrupciones: Cuando tengas que partir

2011-09-05T09:32:00.003-05:00

Ugo y Dino, dos hermanos ancianos achacosos viven esperando noticias de su nonagenario padre que ha partido a la guerra. El primer padece del estómago, mientras el otro se dedica a escribir una pieza de teatro. Cada cierto tiempo llega Simona, la mensajera vestida de bufón con, invariablemente, una carta en blanco. Con ese en apariencia sencillo e irracional argumento, Mateo Chiarella se da maña para presentar una pieza llena de poesía y, por qué no decirlo, belleza.
Esa guerra de la que se habla constantemente, a pesar de no dar muchas pistas al respecto, es la clave para entender la obra. Ella ha alterado la tranquilidad del hogar de los hermanos, y amenaza con seguirlo haciendo. La partida a combatir es la excusa que emplea el autor para reflexionar sobre la pérdida de seres queridos. Un dato que le proporciona una dimensión especial a la puesta en escena es que en ella actúen el padre y la madre del director y autor de la pieza.

La mayor parte de la acción se realiza en la sala del hogar de los hermanos. Aunque luzca simple, el peculiar ajedrezado del piso nos recuerda que no es una obra realista. Sobre ese suelo realizarán unas imperdibles partidas Dino y Simona. El otro escenario es el barco de la obra de Dino, que avanza siempre con un árbol detrás.

Un detalle a tener en cuenta es el rol que cumplen las repeticiones. Frases que se dicen una y otra vez en diferentes circunstancias, pequeñas variaciones entre escena y escena, sutiles gags como el reloj cayendo de la bota de Simona. La suma de esos elementos crea el ambiente onírico en el que, poco a poco, la absurda pieza teatral de Dino va adquiriendo sentido.

Ficha técnica
Pequeñas interrupciones
Escrita y dirigida por Mateo Chiarella
Actúan Alberto Ísola, Jorge Chiarella y Celeste Viale
En la Alianza Francesa de Miraflores a las 20.00 horas. Hoy última función.

“Merezco otra vida porque ésta ya la...”

2011-09-05T09:11:00.003-05:00

Para el reestreno del teatro Larco, el grupo Plan 9 se decidió por reunir un grupo de obras cortas de David Ives. La puesta en escena, como les es habitual, es ingeniosa y correcta. Sin embargo, los textos escogidos no son todos del mismo nivel y sufren varios altibajos.

En la selección de estas breves piezas primó que estas exploraran la identidad y las posibilidades que tienen los personajes frente a sí, asuntos por los que el director David Carrillo tiene predilección. La más lograda es la obra que abre la función, en la que un inspirado Pietro Sibille representa a un fracasado que quiere ser el pintor Edgar Degas por un día.

Luego viene una parodia del flirteo entre dos jóvenes en el que, ante algún "error" del galán se retrocede la acción para que vuelva a intentarlo. Esta pieza, al igual que la última en donde se retrata la cita de una paciente y un sicólogo con dos actores por personaje, da pie a un despliegue actoral exigente tan caro a la gente de Plan 9.

Hay que anotar que la escena del enamoramiento adapta muy bien y sin forzar la trama a los referentes locales.

El resto de piezas no son tan redondas como las mencionadas, aunque todas arranquen en algún momento más de una risa. Ives lastra algunas de sus obras con cierta pretensión de profundidad. Pensamos por ejemplo, en la pieza dedicada a la torre de Babel en el que se habla de Dios o en la que se critica la adicción a la televisión. Caso especial es la titulada Variaciones de la muerte de León Trotski. En ella, a pesar de varios altibajos, la reflexión final sobre la muerte llega a conmover.

Las actuaciones tienen un nivel parejo, destacando el desempeño de Sibille en las primeras escenas y el trabajo de Manuel Gold, tal vez el artista que representa más roles en la función.

Ficha técnica
Demasiado poco tiempo
Sobre obras cortas de David Ives
Dirige David Carrillo
Actúan Manuel Gold, Alina Ferrand, Carlos Galiano, Masha Chávarri y Pietro Sibille En el Teatro Larco (avenida Larco 1036. Miraflores), de jueves a lunes a las 20.00 horas, y los domingos a las 19.00 horas.
Entrada general a 40 nuevos soles.

El rey León, una película fascista

2011-09-04T23:27:00.003-05:00

Sí, El rey León, una película fascista. Ese fue lo que comenté, medio en broma, medio en serio, a mi amigo Lucho Aguirre ante la posibilidad de que mi incursión al cine con mi hija Iris tenga como fin ver ese filme de Disney. Y, como buen agorero que soy, eso fue lo que terminé viendo.

Algo que descubrí al ser padre es la poca variedad de títulos para niños que existe en la cartelera local. Por lo general, son dos opciones por establecimiento. A veces menos. Ese fue mi caso este sábado en la taquilla del cine El Pacífico (1), en la que sin proponérmelo terminé viendo las historias de Simba en 3D.

Un aspecto negativo del corto menú cinemero infantil es que las alternativas están dominadas por esas producciones en las que se gasta mucho esfuerzo y dinero en la campaña de promoción, creando la necesidad de ir a ver la cinta y comprar sus chucherías varias (2). Yo evito consumir ese tipo de película, y de paso, también la protejo en la medida de lo posible a mi enana. No es que todos esos filmes sean malos, sino simplemente que no me agrada que la publicidad me diga qué hacer.

Cuando estrenaron El rey León, allá en el lejano 1994, no fui al cine a verla sino a otra película que encaja con la descripción que doy en el anterior párrafo: Los Picapiedras. Hice una larga cola, paralela a la que se hacía para El rey León, empujado por mi hermana y unas primas queridas, para comprar mi entrada a esa adaptación de la serie animada en la que lo más memorable es la versión de B52 del tema musical y la participación de Elizabeth Taylor en una de sus últimas apariciones en la pantalla grande, y poca cosa más.

Sea como fuere, durante los 90 creció un aura alrededor de las cuitas de Simba y compañía. Hasta algún homenaje – o burla, que es lo mismo – de parte de Los Simpson recibió. No me quité la espina hasta que la pude ver y… la verdad que no me emocionó.

El sábado volví a cruzarme con el filme de marras. Era en 3D, un espectáculo visual nuevo para mi bebe. Un poco a regañadientes, decidí darle una nueva oportunidad a este dramón africano. A mi hija le gustó el show, pero a mí siguió sin convencerme.

Me explico. Las películas de la factoría Disney pueden tener un gran acabado, pero hay algo en su propuesta estética que no me engancha. Por ejemplo, los números musicales que ponen en muchas de sus títulos en general los siento sosos. En esta cinta en particular, salvo el Hakuna matata, no se salva uno. Pero a estos detalles que pueden ser subjetivos, se añade otro: cierta suspicacia hacia la carga ideológica de esta historia. Puede que el contrabando ideológico no sea adrede, pero allí está.

Buceando por la red veo que no soy el único al que le ha dejado un sinsabor la película. Haciendo memoria, creo que hasta Slavoj Sisek ha escrito algo al respecto, pero pueda que me esté pajareando con este último dato. Mi crítica principal, que leo no es solitaria, es que se inculca la idea de que hay quien nace para mandar y quien para obedecer.

Hace mal Scar, el tío de Simba, en rebelarse contra su destino y buscar ser rey. Hacen mal también sus aliadas, las hienas, por entrar en el rico dominio de los leones, y no conformarse con sobrevivir en las áridas zonas a las que han sido desterradas. Al final, se impone la idea de que el más fuerte y que sepa mejor pelear – no el más inteligente, no el más justo – es quien merece gobernar. Obviamente, eso ya está decidido desde la cuna. O sea, nada de méritos propios, o cosa que se le parezca. Claro que otra lectura más inocente es ver en las cuitas de estos animalitos una reflexión sobre el difícil trance de volverse adulto y asumir más responsabilidades.

Al regresar del cine recuerdo que por chat bromee, en verdad bromee, a mi pata Lucho con que la melena rubia de Simba y demás leones, el grupo dominante, era un indicativo de por dónde iban las balas. Mientras tanto, yo estoy haciendo votos para que el próximo fin de semana que me toque llevar a mi hija Iris al cine tenga más opciones para escoger que Los Pitufos. Porque, vamos, sobre la raigambre comunista de estos enanitos azules ya se ha escrito suficiente.

(1) Una pequeña digresión personal. Quería mostrarle a mi enana un cine al que iba su papá de chico. Yo sé que con sus continuas refracciones ya no es el mismo, pero tampoco quedan muchas otras opciones. A menos que la lleve a una sala convertida en tragamonedas o iglesia cristiana. Debo estar viejo.

(2) Esta temporada un ejemplo de una cinta así es Los Pitufos. La veré, supongo, dentro de un tiempo. Cuando el agobio de la campaña mediática mengüe y la pueda apreciar sin tanto prejuicio.

Nuestra historia de las ideas

2011-08-31T09:46:00.003-05:00

Cuáles fueron las condiciones o circunstancias para que determinados intelectuales terminen opinando de cierta forma. Esta interrogante se busca responder Osmar Gonzales en Ideas, intelectuales y debates en el Perú. Este interesante volumen reúne artículos - algunos inéditos - sobre el lado privado de la historia de las ideas en el país.
¿Cómo surge este libro?
- Es el trabajo de quince años. He tratado de especializarme en la sociología crítica de intelectuales. Entender al intelectual como un sujeto social, sus funciones, qué representa, por qué piensa de cierta forma en un momento determinado, en qué contexto social. Entrar un poco a la trastienda de la producción intelectual, y eso tiene que ver con las fuentes que utilizo. Muchas veces uso cartas personales o memorias, autobiografías.
¿El contexto ayuda a entender la obra de los intelectuales?
- Claro, porque además ayuda mucho a entender el proceso de formación de las ideas. Por ejemplo, en el artículo sobre la correspondencia de Riva Agüero con García Calderón uso algunas cartas inéditas. Uno puede ver allí que Francisco le dice a Riva Agüero que está escribiendo un libro sobre el Perú, pero que tiene dudas. El libro sería El Perú contemporáneo. Allí exponen sus ideas, debaten entre sí. Hasta que salen los libros públicos que todos conocemos. Ese debate previo de ideas es muy interesante. El proceso anterior a los libros me interesa conocer a mí.
En el libro cuenta datos curiosos sobre la relación entre Mariátegui y Haya de la Torre o la evolución de Luis Alberto Sánchez.
- En la compilación que hace Pinto se ve cómo Sánchez era un arielista. Después el mismo Sánchez cuenta cómo se unió a Riva Agüero y tomaba las notas de las clases. Compartían con Riva Agüero la mala calificación a Bolívar. Pero después, se acerca más a Mariátegui y ve el tema de la insurgencia de las masas en la política. Al mismo tiempo que se volvió un estudioso de Bolívar. Esa evolución de Sánchez a su militancia aprista es indicativo de la evolución intelectual del país. El paso de la política de salones a la de la calle. De la idea que sólo los intelectuales pueden cambiar la vida, a la política activa, militante.
Es curioso cómo se ha centrado en los intelectuales que están activos a principios del siglo XX.
- Yo creo que después de la guerra con Chile hasta la caída de Leguía, y tal vez unos años más, hasta Sánchez Cerro, se concentra la inteligencia en el Perú. Si tú ves, existen periodos en diferentes países en los que está concentrada su inteligencia. La Atenas de Pericles, el Siglo de Oro español. En nuestro caso es de 1890 a 1932. Yo quisiera entender por qué hay momentos en la historia de las sociedades en los que el pensamiento confluye. Eso no significa que todos piensen parecido o participen del mismo proyecto. García Calderón no tiene relación con Haya de la Torre, o Sánchez con Clovis. Pero hay un entorno social, un conjunto de redes que hace posible su interacción. Es un momento en que aparecen obras claves. Paradigmas de interpretación. ¿A qué se debe? No sé.
¿El 900 fue nuestro siglo de Oro?
- Efectivamente. Los clásicos están allí. La primera interpretación integral del país es de García Calderón, el primer balance de la historiografía es de Riva Agüero, la discusión sobre la literatura nacional es de Gálvez, Riva Agüero y Mariátegui, la fundación del pensamiento social cristiano con Víctor Andrés Belaunde y La Realidad nacional, la fundación del aprismo con Haya y del socialismo con Mariátegui. O sea, no sólo son obras importantes que uno lee con deleite sino que funda movimientos sociales y políticos, corrientes de opinión y sociales. El liberalismo, si fueran honestos los liberales, deberían recuperar a García Calderón.
Son curiosas, en particular, las anécdotas que revela sobre personajes como Riva Agüero.
- Es gracias a usar las cartas como fuente. En ellas el hombre público escribe sin poses, y más si le escribe a su mejor amigo, Francisco García Calderón. Antes había una ruptura entre vida pública con privada. No como ahora que legitimas la vida pública con la privada. Valdelomar era también un posero, irritaba a la burguesía, pero en su vida familiar era un niño de pecho, muy dulce y filial. Igual con Riva Agüero. Se decía que era muy frío, pero al contrario era muy cálido, recibía a mucha gente de otras generaciones y pensamientos. Incluso ayudó al Sánchez aprista. Ese lado humano es el que me interesa recuperar de los intelectuales.
Eso a pesar que se ha estigmatizado a algunas de estas figuras.
- Es que la lucha ideológica y política ha mediado perversamente para entender a los personajes. Si tú eres de otra tienda política, no te puedo conceder nada. De allí se han producido rupturas muy importantes. Al final los mismos protagonistas han debido aceptar. Fíjate, More se peleó con Ventura, y terminaron grandes amigos, Sánchez se peleó con Riva Agüero y en los años finales Sánchez escribe las mejores crónicas y biografías de Riva Agüero, además de sacar las obras escogidas de Ventura y Belaunde. Lo que da a entender que esas rivalidades, que en su momento fueron importantes, con el tiempo se dan cuenta que no eran tan fundamentales.