"¿Y esto viene con papas fritas?" Comentario a El chef

Jacky (Michaël Youn) es un entusiasta de la cocina que rueda de trabajo en trabajo sin conseguirse adaptar. Pero por situaciones fortuitas conoce a su ídolo, al famoso chef Alexandre Lagarde (Jean Reno), quien le ofrece tomarlo a prueba. Si se muestra apto, podrá ser el segundo a cargo de uno de los restaurantes más prestigiosos de Paris.

Sobre este eje giran otras tramas menores - la próxima paternidad de Jacky, los problemas con su hija de Lagarde - sin profundizarse más allá de un esbozo.La trama está narrada en clave de parodia. Para ello se sirven de las sorprendentes habilidades para la cocina de Jacky, quien se revela como un cocinero talentosísimo sin haber sido formado más allá de recetarios y programas de gastronomía. Su ingenuidad, unido a esta virtud, genera los momentos más chispeantes de esta comedia. 

Dicho sea de paso, un eco de Ratatouille se puede percibir con esa angustia por los críticos de restaurante y la innata habilidad de un cualquiera en hacer el platillo definitivo. Incluso alguna escena remite a esta película de dibujos animados.Pero algo no llega a cuajar del todo - por usar una metáfora culinaria - en esta película. La primera mitad, con su sátira al mundo de la alta cocina y sus pretensiones, es la que concentra los momentos más logrados e inteligentes. La acción, concentrada en los dos protagonistas, tan dispares uno del otro, genera escenas jocosas. Pero pasado cierto punto, cuando ambos dejan de ser en cierta forma antagonistas, el guión se vuelve complaciente.

Las situaciones planteadas son resueltas más a la ligera, resolviéndose los conflictos de forma algo improvisada. Un ejemplo es la aparición de Santiago Segura, que no incide en el desarrollo y que fácilmente se podría prescindir de ella. Hay que recordar que este actor es muy popular en España, país que coproduce con Francia este filme.Más allá de estos reparos, es una obra entretenida y ligera, hecha para burlarse de las ínfulas de la alta gastronomía, pero que cae en similares pretensiones.

Ficha técnica

El chef

Dirige Daniel Cohen

Actúan Jean Reno, Michaël Youn, Raphaëlle Agogué, Julien Boisselier, Salomé Stévenin, Serge Larivière, Issa Doumbia, Bun Hay Mean, Pierre Vernier y Santiago Segura.

Guión de Daniel Cohen.

Crítica publicada antes en el diario El Peruano y en la Agencia de Noticias Andina.

Poeta Nilton Santiago publicará en España

Nilton Santiago, poeta peruano residente en Barcelona, ha recibido buenas noticias en estos días. Por un lado, ha sido ganador del premio Poesía Joven de la Fundación José Hierro por su libro La oscuridad de los gatos era nuestra oscuridad; por otro, ha resultado finalista del Copé de poesía anunciados la semana pasada por la obra Porque morir no es para tanto. Es el segundo año que es finalista del Copé. Además, en el 2003 fue segundo puesto.

Sobre la primera distinción comentó al diario El Peruano que "no me lo esperaba para nada y ha sido una enorme sorpresa". Confiesa que había empezado a "perderle ya la esperanza" por lo que el premio ha llegado en el momento justo. "Estoy encantado por este tremendo error del jurado", añadió con ironía.

Como parte de este galardón está la publicación del libro en España. Sin embargo, Santiago admitió que desea también publicar en breve en el Perú.

El autor peruano comentó que el nivel del jurado era muy exigente teniendo entre sus filas a Amalia Iglesias, Ada Salas, Jordi Doce y a "una de las voces poéticas que más admiro, Julieta Valero". Ella es una escritora madrileña conocida por conducir un programa de radio dedicado a la poesía en lengua española.

En palabras del jurado, que concedió de manera unánime el galardón, con el premio se destaca "la ambición artística y el carácter sincrético de este libro, que recoge de manera equilibrada la herencia de tradiciones muy diversas". También describen su obra señalando su "acento visionario, crítica social y culturalismo".

Bajo la piel

Un argumento enrevesado, aún más de lo que acostumbra darnos Almodóvar.

Robert Ledgard (Antonio Banderas) es un doctor que ha logrado avances en la cirugía estética, teniendo de conejillo de indias al doble de su desaparecida esposa que llama Vera. ¿Quién es ella? El misterio, al ser resuelto, deja más dudas que al principio.

La relación entre paciente y doctor es ambigua, con pistas que llevan a diferentes direcciones. Por momentos recuerdan a otros romances complejos de la cinematografía de este director como Carne trémula o, principalmente, Átame en ese forzar a crear al ser amado a imagen de los deseos de uno. Otro antecedente a tener en cuenta es Todo sobre mi madre en el tema de explorar la identidad y sexualidad que en esta cinta llega a un extremo delirante.

El director juega constantemente con la ambigüedad que incluso hasta en su final, en apariencia feliz, deja más sospechas que certezas. Una de las preguntas sin responder, central para entender esta trama de venganza y romance, es si la hija del doctor es violada o no. Otra, no menos importante es qué sentimiento tiene la paciente con su doctor y carcelero - suerte de criatura y su creador en muchos aspectos -.

Aunque su inicio resulte un poco lento y que algunas líneas narrativas se resuelvan de forma algo improvisada - la historia del hermano del doctor, el vestido que salva el motociclista - es una cinta notable. Imperdible el momento de duda de Vera entre una pistola y un lubricador.

Ficha técnica

La piel que habito

Dirige Pedro Almodóvar

Actúan Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes y Jan Cornet, entre otros.

Vicky Cristina Barcelona: Ese español objeto del deseo

(Publicado en el diario El Peruano en marzo de 2009)

Dos amigas norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson), están pasando una temporada en Barcelona. Vicky, la seria de las dos, está apunto de casarse con un joven ejecutivo y se dedica al estudio, mientras que Cristina está en búsqueda de emociones y de una vocación de artista. En la ciudad española conocen a Juan Antonio (Javier Bardem), un pintor que tiene una tormentosa relación con su temperamental ex mujer, María Elena (Penélope Cruz).

Como es de esperarse, las amigas son cortejadas a la vez por Juan Antonio. Se empieza así una serie de situaciones bizarras, complicadas por añadidura por los inoportunos regresos de la ex esposa al hogar conyugal.

Allen le da la vuelta a varios estereotipos para hablarnos de sus temas habituales como la soledad y el fatalismo. Bardem es el macho ibérico, pero con un toque sentimental. Cruz hace de la explosiva y sensual española. Vicky, con una lograda y contenida actuación de Hall, es la reprimida futura dama de sociedad a punto de dejar todo por una calentura. Por su parte, Cristina es la indecisa artista que huye del éxito amoroso.

En otro plano, hay que alabar la elección de la banda sonora, la que ha permitido descubrir al buen grupo Giulia y los Tellarini.


Aunque hay algún momento en que se fuerza la risa fácil - el último "ampay" de María Elena a su esposo, por ejemplo - el resultado final confirma el buen momento que tiene Allen con sus últimas películas "europeas".

Ficha técnica
Vicky Cristina Barcelona
Dirige Woody Allen
Actúan Javier Bardem, Penélope Cruz, Scarlett Johansson, Rebecca Hall, Kevin Dunn, y otros.

África en español

Hace poco ha aparecido en España el libro Una gasa delante de mis ojos, inspirado libremente en la argentina Alfonsina Storni. Con esta excusa, nos comunicamos a Elsa López, su autora nacida en Guinea Ecuatorial y residente en Canarias, para que nos comente del proyecto.

Usted ha mencionado que cuando aborda un género que no sea la poesía, libera fuerzas distintas. ¿Qué fuerzas liberó en esta novela sobre Alfonsina Storni?

- Mi necesidad de explicar ideas, posturas, ideologías, me empuja a decir a través de mis personajes lo que necesito decir. Alfonsina es como mi otro yo o lo que yo hubiese sido si hubiese sido ella o hubiese vivido en su época. Su angustia ante la enfermedad, su manera de decir el dolor físico o de explicar sus necesidades más íntimas como el amor liberado de compromisos o ataduras sociales; su necesidad de ser reconocida como profesional al margen de su sexo y condición de mujer, su constante enfrentamiento a la familia y a la propia vida, etc. son situaciones tan suyas como mías. Explicarla es explicarme. Y eso me libera.

¿Qué le atrajo de esta autora argentina nacida en Suiza? ¿Tal vez la coincidencia de ser las dos autoras que realizan su carrera fuera de la tierra donde nacieron?
- No. Mi exilio interior es más profundo que el geográfico. No soy de ninguna parte y, al tiempo, soy de todas partes. De ella me atrajo su poesía hace ya muchos años. Yo tendría 18 años y mi madre tenía un libro suyo. Lo leí y me identifiqué con su ritmo interior y con su manera de decir los sentimientos de una manera tan desgarradora y, sin embargo, tan irónica.

Coménteme de su lado poético. ¿Cómo nacen sus poemarios? ¿Lo planifica o confía en la inspiración?
- No los planifico. No puedo hacerlo. Me salen las imagines de algún lugar, de allá dentro. Pienso en algo y lo pienso así, tal y como lo escribo. El universo que me rodea tiene signos que me son transmitidos por la propia realidad pero cuando llegan a mí se transforman automáticamente en palabras o en formas de palabras o, incluso, en discurso. Es algo natural y espontáneo. Si a eso le llaman inspiración... lo llamaré así. Los poemas los trabajo una vez están escritos, no antes.

Una figura recurrente en su poesía es la del río. Coménteme ese gusto por esa preferencia.

- Me dan miedo los ríos. Quizá porque los asocie con mi infancia en África cuando cruzarlos era una aventura peligrosa. Los asocio con riberas oscuras. Entiendo el miedo de Alfonsina a arrojarse en ellos (presupuesto por mi y deducido de sus poemas). Yo tampoco lo haría. Tengo un poema que tiene mucho de mi filosofía. Pertenece a un libro (“Del amor imperfecto”) Premio Ciudad de Melilla en el año 1987.  

El dolor es un río

donde uno alcanza siempre
a bañarse dos veces

en la mismas orillas.

(Muy a pesar de Heráclito

y su filosofía del tiempo insobornable).

Y por eso yo vuelvo a tus brazos de arena

y a quedarme enredada en su oscura marea.

¿Qué le debe su obra a su infancia en Guinea Ecuatorial?

- Mucho. "El corazón de los pájaros" editado por Planeta en el 2001, tiene muchas referencias a esa niña que vivió en Guinea. Imágenes, poemas, textos en prosa, conferencias y artículos responden de lo que digo. He escrito mucho sobre África y mi próxima novela tendrá ese mundo como fondo.

¿Percibe diferencias entre la literatura hecha en Canarias - donde usted reside - y la realizada en la península? ¿Existe una identidad distinta?

- No. No la veo. La literatura de un lado o de otro responde solo a la manera de escribir cada autor. El vocabulario o las identidades de los personajes pueden situarse en lugares concretos por la manera de estar configurados, pero nada más. Una buena novela o un poemario que también lo sea, no dice del lugar de nacimiento de su autor, sólo de su forma de escribir.

¿Qué contacto tiene con la literatura producida en su país natal? ¿Qué autores recomienda?

- Tengo relación con dos escritores que admiro y aprecio: Justo Bolekia Boleká, un gran poeta, y Donato Ndongo. Su novela "Las tinieblas de tu memoria negra" es un libro que recomiendo siempre.

Amador: De flores y rompecabezas

Marcela (Magaly Solier) es una sudamericana ilegal en Madrid que se acaba de enterar que va a ser madre. Sobrevive al lado de Nelson (Pietro Sibille), un vendedor ambulante de flores que, entre pillerías y esfuerzo, busca progresar en Europa. Pero el dinero no les alcanza y ella se ve forzada a cuidar un anciano, Amador (Celso Bugallo) por un dinero extra, con el que establece una singular relación.

Planteado así se puede tener la errada idea que estamos sólo ante un retrato de la inmigración latinoamericana en España. Aunque algo de ello hay, el principal interés de la cinta va más por el humor negro con el que se cuenta la historia. Personajes ambiguos, capaces de compartir la vivienda con un cadáver si es que eso les reporta un beneficio, pero pendientes de rezarle para que vaya al cielo.

La cinta consigue sus mejores momentos cuando se sacude cierta moralina evidente – presente en algunos diálogos de Amador y Marcela, por ejemplo – y deja fluir a sus personajes. La irrupción de la veterana prostituta que da servicios cada jueves al anciano es una de esas escenas. O ese imperdible diálogo de malentendidos entre Marcela y el párroco que, un poco más afinado, hubiera sido desopilante.

Hay que destacar la buena construcción de los personajes sudamericanos. Solier crea a una muchacha no del todo inocente como el estereotipo hubiera impuesto, con matices sugerentes como esas vivezas para camuflar una situación atípica. El papel de Sibille, con un acento en el que encontramos ecos de varias nacionalidades, juega más a la ambigüedad. El consejo suyo de echarle perfume de flores a los ramos que venderán para que huelan a rosas es clave para entender la cinta.

Otro punto a destacar son algunos guiños a los que recurre el director. La flor en medio del arenal con la que se inicia la cinta tendrá su continuación en la infinidad de flores que se verán – marchitas, rebosantes de vida, congeladas, etc. – que subrayan la intención de cada escena. Otro son los rompecabezas – no sólo el de Amador – que van armándose y desarmando conforme avanza la historia. En suma una cinta de interés.

Ficha técnica
Amador
Dirigida por Fernando León de Aranoa
Actúan Magaly Solier, Celso Bugallo, Pietro Sibille, Fanny de Castro, Sonia Almancha, y otros.

Biutiful: Morir en Barcelona

A Uxbal (Javier Barden), un traficante de personas de poca monta, le han diagnosticado cáncer. Tiene una vida familiar caótica, criando solo a dos hijos menores y con una relación ambigua con su adicta ex esposa. Una fuente menor de sus ingresos son sus trabajos de interlocutor con los muertos. Todo ello en el lado menos turístico de Barcelona, en los barrios miserables en los que personas de diferentes procedencias luchan por subsistir.
La textura de la imagen, saturada en algunos colores y tonos, ayuda a crear el ambiente de decadencia de la historia. A lo que se suma lo abigarrado de los ambientes filmados, reflejo del agobio del protagonista atrapado en una situación que no puede controlar.
Un detalle para los seguidores del director es el guiño hacia Babel y los dos finales de la historia de la criada de esta cinta con en el desenlace incierto de la amiga senegalesa de Biutiful.
Es una cinta que se sigue con interés, pero que se excede en el metraje, casi dos horas y media. Desde cierta parte se tiene la impresión que la historia no avanza y se repiten elementos perdiendo efectividad. Por ejemplo, el personaje sangrando ante la taza del baño.
Otro elemento en contra es lo poco convincente de la resolución de algunas, contadas, escenas. Pienso en las veces en que intervienen los policías, con diálogos ampulosos que desentonan con el resto.
Sin embargo, de una de estas charlas se hace la sugerente comparación entre un domador de leones hambrientos y la relación entre Uxbal y los inmigrantes que explota. ¿Es bondadoso? ¿Es sólo un aprovechado? ¿En esas circunstancias, qué era lo ético? Una cinta que plantea más preguntas que respuestas. Tal vez allí esté su principal logro.

Ficha técnica
Biutiful
Dirige Alejandro G. Iñárritu
Actúan Javier Bardem, Maricel Álvarez, Eduard Fernández, Diaryatou Daff y otros.

No hay edad para el rock

Mikel Erenxtum, miembro del recordado grupo ochentero Duncan Dhu, vuelve al Perú para tocar en el Scencia de La Molina el primero de julio. A pocas semanas de su concierto, conversamos con él.

¿A qué cree que se deba que la generación de rockeros surgida en la década de 1980 aún tenga vigencia?
–En concreto, en España sucedió una especie de explosión. Nunca antes hubo tantas libertades, tantos grupos, tantas estaciones de radio. Fue una eclosión importante, la primera vez. Las siguientes no tuvieron tanto impacto.
Usted se inició en una época en que aún había vinilos. Ahora se está pasando del CD al mp3. ¿Cómo ve el futuro de la industria de la música?
–Digamos que no son buenos tiempos para la música. La industria, tal como la hemos conocido, está tocando fondo. Debemos buscar nuevas maneras para sacar el coche adelante. Estamos en una etapa de transición. Lo veo un poco pesimista.
En su reciente disco interpretas un tema de Diego Vasallo y esta semana cantas con él en un concierto. ¿Puede haber una reagrupación de Duncan Dhu?
–No, estamos por caminos separados. Lo que pasa es que a veces se cruzan y estamos haciendo propuestas similares. Además, nos apetece compartir escenarios. Vamos a interpretar cada uno sus canciones. No es Duncan Dhu, exactamente. Es un experimento nuevo.
¿Cómo ve la música latinoamericana actual?
–Antes eran muy pocas cosas las que llegaba a España. Algunas cosas me gustan más, y otras menos, como es natural. Lo que sí es cierto que hay una movida importante, sobre todo de rock. Cada vez se les escucha más. Antes España exportaba más, ahora importamos más de lo que vendemos.
¿Cómo seguir en el rock después de tanto tiempo?
–No sé si se relaciona el rock con la juventud. En todo caso con la juventud de espíritu. Yo me siento con las mismas ganas y energía de hacer música de cuando empecé. Los años pasan, pero sólo para sumar, no restan.
Las vivencias cambiarán un poco.
–Hombre, antes era un chaval y ahora soy padre de familia. Todo eso te cambia tu forma de ver la vida. Pero no creo que haya edad para el rock.
¿Cómo es que surgen artistas en el País Vasco, región donde existe polarización por el tema indepentista, grupos como Duncan Dhu y la Oreja de van Gogh, que escapan en sus temas a este ambiente?
–Tampoco es tan enconado como lo pintan. Además, los grupos que mencionas son de San Sebastián, que siempre ha sido un oasis dentro del país. La situación ya no es tan así. Las cosas ya están bastante calmadas.

La otra movida

En los años 80 se hizo popular en las radios peruanas grupos de la llamada movida madrileña. Pero más allá de la capital española hubo grupos que también supieron tener seguidores por estos lares. Uno de ellos es Aerolíneas Federales de Galicia, que hacían pop con toques de punk y letras hilarantes. Ellos se presentan por primera vez en el Perú este 17 de mayo. Como un adelanto, Luis Santamarina, integrante del grupo, nos responde estas preguntas con el humor típico de sus canciones.

Ustedes se vuelven a reunir luego de una buena cantidad de años. ¿Qué tal la experiencia de enfrentarse con canciones compuestas décadas atrás?
- Algunas se han dejado dominar sin oponer resistencia. A otras las hemos tenido que atacar y golpear sin piedad, con los inevitables daños y secuelas que las han dejado en bastante mal estado, je, je…

¿El paso del tiempo les ha hecho variar la valoración de sus temas?
- En aquel tiempo pensábamos que eran canciones buenísimas pero tal vez musicalmente mediocres. Hoy en día pensamos que son canciones musicalmente mediocres pero buenísimas.

Un componente importante en las letras de Aerolíneas Federales es el humor. ¿Cómo lo manejaban al momento de hacer las canciones?
- Directamente nos manejaba él a nosotros, se apoderaba de nuestra inspiración y así salían las canciones, Miguel solía también acompañarse de un buen bocadillo de salchichón. No se nos pasaba por la cabeza componer una canción sin sentido del humor.

¿Cuando se iniciaron se imaginaban que grupos gallegos como Aerolíneas Federales y Siniestro Total llegaran a tener tanta acogida y fans fuera de España?
- Por supuesto, es pura lógica pues los gallegos (de Galicia) somos la civilización que realmente hemos dominado el mundo de forma silenciosa, estamos establecidos en los 5 continentes desde hace más de 60 años…

En el Perú en la primera mitad de los años 80 un grupo - Delirios Krónicos - hizo un cover de un tema suyo. ¿Es el primero que le hicieron fuera de España o hay otros más de esa primera época?
- Pues no sabíamos lo de ese grupo pero nos gustaron mucho las versiones del tributo que se hizo hace pocos años ahí desde Perú.

En este tiempo en que han estado ensayando, ¿ha surgido algún nuevo tema?
- ¡No tuvimos tiempo!

¿Qué grupos actuales escuchan?
- Bueno, siempre hemos escuchado de todo… no se puede vivir sin música.

Datos
Estarán presentes todos los integrantes originales de la banda: Rosa Costas, Silvino Diaz,Luis Santamarina, Coral Alonso y Miguel Costas.
Este último también fue la voz representativa de Siniestro Total, el grupo español más conocido del ambiente punk.

Diferentes rostros de la ficción

Está participando en el Festival Eñe en Lima el escritor español Benjamín Prado. Muchos lo conocen por ser el coautor de las canciones del disco Vinagre y rosas de Joaquín Sabina. Otro tanto lo tiene presente por sus inicios en la poesía y sus recientes incursiones en la novela.

¿Cómo convive la poesía y la narrativa en su obra?

- Yo creo que tengo la misma cantidad de poemarios que novelas. Nunca pensé que iba a ser novelista. Trabajaba en Diario 16 de España, y el editor me propuso escribir una novela. Me pareció una excentricidad absoluta. Hice una y descubrí que era la mejor manera de seguir haciendo poemarios era escribir novelas en el medio, y viceversa. Antes Neruda, Onetti, Lorca, escribían dos poemas al día y daban la solución a todo. Ya no creo que exista algún autor así, la verdad. Yo redacto un poema cada cuatro meses y soy feliz. Ese tiempo lo relleno con narrativa. En una novela siempre avanzas un poquito. Pareces un escritor de verdad.

Hay el prejuicio que se es más profesional en la novela que en la poesía. ¿Es cierto?

- No, no creo. Los poetas serios pelean por cada verso. Suelen ser buenos conocedores del resto. Elliot decía que cuando uno hace un poema debe hacer una imitación de toda la poesía en general. Parece la frase de un megalómano, pero si la piensas, tiene su sentido. O sino, hay muchos descubridores del Mediterráneo por allí. Conviene leer mucho, conocer el oficio. Lo que hay muchos más lectores de novelas que de poesía.

Tengo la impresión que el tema de la Guerra Civil y el franquismo es un tema muy recurrente en la literatura española reciente.
- Pero desde hace no tanto, eh. Yo creo que la Guerra Civil no tiene tantas ficciones como tienen los norteamericanos con la Guerra de Secesión, por ejemplo. En España había poco de eso durante los años de la dictadura. Aunque se escribía de forma sibilina para evitar la censura. Son momentos de la historia de España que tienen un anclaje y un eco. De allí salen todos los horrores.

¿Cómo fue escribir letras con Joaquín Sabina? Sus canciones son muy literarias.
- Por eso mismo se animó a escribir a medias con un poeta. Joaquín es un escritor muy literario. No en el sentido que sus canciones tengan poesía, que la tienen, sino en la forma que las trabaja. Toda escritura es una discusión. Pasas horas discutiendo contigo mismo o con otro. Por lo demás, hay pocas diferencias. No podría hacerlo con otro que no sea Joaquín. Hay muchas claves comunes, muchos versos le robaría para hacer un poema mía. Siempre he soñado con que en mi obra haya gotitas de Rockandroll.

¿Se pensó primero en la música o en la letra?
- Nos fuimos a hacer las canciones a Praga y ni siquiera nos llevamos ni una guitarra. Sólo escribíamos la letra. La letra lleva su propia música. Una experiencia fue descubrir que las canciones, a la hora de musicalizarse, sonaban como me imaginaba. (Foto de El País)

El universo nos inspira

Uno de los grupos más singulares de la escena española de los ochenta, Aviador Dro, está por aterrizar en Lima por segunda vez. La cita es este jueves en la discoteca Vocé de Lince. Previo a su aterrizaje, conversamos con el líder de la banda, Servando Carvallar.

¿El futuro imaginado por Aviador Dro de inicios de los ochenta se parece al mundo actual?
- En aquella época hablábamos del "Banco Mundial de Datos", de las descargas de música y películas a través de ese Banco, de la unificación de Europa y la desaparición de la Unión Soviética y la futura Crisis Financiera. Hay mucho de aquel futuro en nuestros días. Prácticamente todos nuestros discursos de entonces tienen más sentido hoy que entonces. La capacidad revolucionaria de la Ciencia se demuestra día a día con fenómenos como Wikileaks o los movimientos antiglobalización.

Hace tres décadas surgió el grupo. ¿Cómo mantener fresca su propuesta?
- Escuchamos mucha música de ahora mismo. Cosas como Micachu, Chew Lips o These New Puritans. Apreciar lo que hacen los demás es fundamental para crecer y mantener el interés por seguir haciendo nuevas canciones. También leemos Ciencia de Divulgación. El Universo siempre nos sorprende e inspira. Por último leer periódicos, noticias, información económica. El arte solo tiene sentido si refleja la realidad y la difunde, transformada, distorsionada o explicada. Esto no es solamente lo que nos hace mantener nuestra propuesta fresca sino que nos permite sentirnos vivos.

Las letras del grupo son bastante irónicas y se notan trabajadas. Características que también se notan en sus manifiestos ¿Cómo es su proceso de creación?
- Empezamos en los años 70 haciendo fanzines literarios y, cuando surgió el Punk, nos dimos cuenta de que aquel era el vehículo perfecto para nuestros planteamientos. Primero fue el texto y luego la música. En cierta medida eso se mantiene hoy en día. Primero surge una idea, un concepto, frases y luego la música que lo defiende.

En alguna entrevista leí que opinaban que el tecno actual no era conciente de sí mismo. ¿Les incomoda que se haya banalizado esta corriente musical?
- Creemos que el contenido es tan importante como la forma. En los 90, el house, las Rave y la cultura hedonista fagocitó la escena electrónica. Pero creo que en los últimos años las propuestas musicales son muy interesantes. Y la electrónica es solo una de ellas. Poderosa porque acompaña los tiempos en que vivimos.

Se dice que el único escritor de ciencia ficción del siglo XIX que sigue vigente es H.G. Wells porque ninguna de sus predicciones se ha hecho realidad. ¿Qué opinan?
- Wells era un visionario. En cierta medida "la máquina del tiempo" refleja a la perfección el transcurso de la historia y el peso de las diferencias sociales al tiempo que criticaba esas mismas diferencias. Hoy las diferencias sociales siguen siendo enormes. Los ricos son cada vez más ricos y la pobreza se extiende. Incluso cuando el fracaso del sistema capitalista se hace tan evidente como en la actual crisis financiera mundial el propio sistema sobrevive porque la corrupción, el feudalismo bancario y la avaricia imperan en el mundo. Se nos vende el siglo XXI como si hubiera progreso social pero es una falacia. Estamos en manos de 500 familias que controlan el 50% del PIB mundial y eso se intuía en la obra de Wells y sigue estando vigente.

¿Qué expectativas para esta nueva visita a Lima?
- Hacemos un repaso de unas dos horas a toda nuestra carrera. Tocamos temas de todos nuestros álbumes y la practica totalidad de nuestros "éxitos". La reincorporación de Mario Gil, Genocyber F15, (Paraiso, La Mode), contribuye a que la banda sea la más solida de todas las formaciones. Esperamos reencontrarnos con nuestros fans y volver a intercambiar información en forma de baile y sudor. Una especie fascinante de intercambio de archivos altamente energético. Creo que va a ser divertido.

El editor imaginario

En estos días está en nuestro país Enrique Vila-Matas, escritor catalán que es una referencia de la literatura en español de las últimas décadas. Aunque cree que su última novela, Dublinesca, no es una obra para leerse de un tirón por lo exigente, no duda en subrayar que no es un libro sólo para especialista. "Prueba de ello es que es un best seller", agrega. Antes que se escape a ver el Holanda Uruguay, logramos hacerle estas preguntas.

Son habituales los libros con escritores de personajes principales. En su última novela, encontramos a un editor. Cuéntenos de esa experiencia.

- Lo veo como un hallazgo de Dublinesca. Los escritores y los editores se parecen pero hay una sutil diferencia entre ellos. Y esa sutil diferencia suele ser tremenda. Quizás es el mejor personaje que ha entrado en mis libros hasta ahora. El personaje del editor, Samuel Riba, me ha dado un juego inmenso y podría seguir hablando de otros editores que he conocido. Pero éste es inventado.

¿Tiene algo que ver su reciente cambio de editorial con el que se haya animado a escribir sobre un editor?

- No, en absoluto. Porque nunca pensé el libro para un sello en concreto y no pensé en ningún editor que haya conocido. Lo que yo hago es ficción, y el personaje es totalmente inventado, como todos los personajes de mi libro.

Usted estuvo vinculado al cine en su juventud, pero recién el año pasado han llevado una novela suya a la pantalla grande. ¿A qué se debe?

- Creo que se debe a que mi narrativa es muy "literaria". A primera vista no es tan adaptable al cine, ya que el elemento literario es muy profundo. Esto explica que los cineastas no hayan encontrado argumentos tradicionales para adaptar. Eso no significa que, yo que me eduqué en el cine de los años 60, piense que no haya varios libros que darían la vuelta al mundo si lo adaptaran al cine. Hay un proyecto de llevar al cine París no se acaba nunca. Con el tiempo, supongo que alguien tendrá la brillante idea de adaptar mis obras. Pero, bueno, soy un escritor muy alejado de los libros que uno lee y cree que son adaptables a la pantalla.

¿Cómo describe su gira sudamericana?

- Como muy creativo. En especial por el contacto humano, con mi público y con los escritores que voy conociendo. Para mí es muy importante porque me acerca a algo que necesitaba conocer. Ha sido como mi primera gira por América Latina, aunque he venido constantemente al continente. Pero en esta ocasión he tenido contacto con la realidad de mis lectores. En ese sentido ha sido muy estimulante.

(Foto de El País)

No una, sino muchas vidas

La nueva entrega de Almodóvar contiene varios elementos típicos de su cine: reelaboración de géneros como el melodrama, referencias cinéfilas y literarias, relaciones personales y familiares fuera de lo convencional, entre otras. La trama, llena de vericuetos como le gusta a este director, narra por un lado el triángulo amoroso entre un director de cine, su musa y el poderoso amante de esta, y por otro, las secuelas de este romance década y media después.

Pero, tal como afirma en los primeros momentos el protagonista, el cineasta Mateo Blanco (Lluís Homar), todos ansían vivir más de una vida. Un ejemplo es él, que se ha convertido en un escritor ciego llamado Harry Caine. Su musa, interpretada por Penélope Cruz, es prostituta de lujo a la vez que angelical secretaria, o su productora, leal amiga y a la vez traidora.

La acción tiene un tono contenido, distinto al habitual en este director. Sin embargo, intercala imágenes de una supuesta película del protagonista - suerte de avatar de la clásica Mujeres al borde de un ataque de nervios - con las que agrega pinceladas de ese humor que caracteriza al cineasta español. Aunque es imperdible ver a la entrañable Chus Lampreave diciendo “tú dices love, yo digo sexo” en una escena del recuerdo, y una de las claves son las repeticiones y referencias a su propio cine, por momentos se abusa de este recurso.

Muchos han calificado de cerebral la cinta, pero que eso sea cierto no impide señalar su fuerte carga emocional. El tema de la familia, constante en la filmografía almodovariana, proporciona una de las más bellas escenas de la película. En ella se le ve al protagonista bajando una escalera, inseguro, con ayuda de un bastón, mientras que a su lado el hijo de su productora va saltando. Momentos después, la madre junta la mano de ambos para que se cuiden mutuamente, estableciendo sin querer un vínculo perenne.

Ficha técnica
Los abrazos rotos
Dirige Pedro Almodóvar
Actúan Lluís Homar, Penélope Cruz, José Luis Gómez, Blanca Portillo y otros.

Barcelona terror

Hace un año comentábamos cómo Rec, una cinta española, daba vuelta con ingenio al socorrido recurso de la grabación sin editar de una historia de terror. La bruja de Blair, Holocausto Caníbal, y un variado etcétera eran los antecedentes a batir con el reportaje fallido a un edificio tomado por zombis – o algo por el estilo. La secuela, sin apartarse de la premisa de la filmación sin alterar, logra continuar con frescura esta saga.

En esta ocasión se narra la incursión en el edificio de un grupo de fuerzas especiales con cámaras en sus cascos, por un lado, y de un grupo de adolescentes con filmadora por otro. Esto permite tener varios puntos de vista, a los que se sumará al final una breve secuencia de la cinta de los reporteros de la primera entrega.

Inútil buscar una lógica a esa extraña plaga de muertos vivientes cruzada con posesión demoniaca y experimento biológico. El atractivo de la película es otro. Es ese buen pulso a la hora de narrar de los directores Balagueró y Plaza. La tensión casi nunca decae, salvo algunos titubeos al inicio de la historia.

Sin embargo, hay que señalar que si en la primera se podía intuir una crítica velada a la sociedad actual y sus hipocresías, en ésta cualquier atisbo de reflexión se diluye en medio de balazos y sangre. Más allá de eso, se trata de una inteligente y entretenida película de terror con algunos chispazos de humor negro. Un par de balazos perdidos lo demuestran.

Ficha técnica
Rec 2
Dirigen Jaime Balagueró y Paco Plaza
Actúan Manuela Velasco, Ferran Terraza, Javier Botet, Pablo Rosso, Andrea Ros, Pau Poch y Álex Batllori, entre otros

Ampay al monstruo

Un programa de televisión, especializado en reportajes a actividades nocturnas, decide filmar una noche cualquiera con bomberos de guardia de Barcelona. Lo que se pintaba como una anodina velada, se transforma, luego de una llamada de emergencia de un edificio de departamentos, en una extraña y claustrofóbica aventura.
Lo que vemos es, en teoría, la cinta sin editar de lo que se ha filmado. El recurso no es nuevo. Ya se ha visto en la setentera Caníbal holocausto o en las recientes El proyecto de la bruja de Blair o Cloverfield. Con esta última cinta, estrenada un par de meses después que Rec, la une cierto aire a parodia y referencias a la manía contemporánea de registrar todo.
Pero entre el correteo y la sangre, esta cinta se da maña para hacer un esbozo de la sociedad actual, en la que lo que parece importar son las apariencias. La reportera - interpretada con frescura por Ángela Vidal y presente en casi todo el metraje - se comporta amigable cuando entrevista, pero apenas se dan la vuelta y sólo está la cámara, es cínica; los vecinos atrapados en el edificio -inmigrantes, españoles de clase media baja, algunos ancianos - por escasos momentos son solidarios pero cuando la situación se complica saltan los prejuicios y las rivalidades.
Por otra parte, la historia de terror en sí sigue los patrones ya conocidos y manidos como las autoridades que ocultan información o el comportarse como vampiros de los infectados. La cinta repite fórmulas ya vistas, pero lo hace de forma efectiva. Vale la pena verla, aunque sea para ver la cinta original en la que se inspiró Quarantine.

Ficha técnica
Rec
Dirigen Jaume Balagueró y Paco Plaza
Actúan Manuela Velasco, Ferrán Terraza, Jorge Serrano, Pablo Rosso y otros.

Columna publicada hace un año en el diario El Peruano.

“El cine latinoamericano lo siento cercano”

Javier Fesser, cineasta ganador de varios premios Goya por su película Camino, estuvo en el Perú como miembro del jurado del Festival de Lima. En su premiada cinta cuenta la historia real de una adolescente perteneciente a una familia del Opus Dei a la que se busca canonizar. Hablamos con él sobre este filme y su experiencia con el cine latinoamericano.
¿Cómo le surgió el interés por tratar en Camino una historia de la vida real?
- Los hechos los conocía hacía tiempo, 23 o 24 años. Antes de hacer mi primera película ya tenía en mente una historia que me apetecía mucho profundizar, pero no era el momento idóneo ni tenía la madurez necesaria para hacerlo. Desde entonces la historia no me ha abandonado. Hace cuatro años llegué al convencimiento que había cómo contar la historia. Tuve un proceso de investigación en torno a todo lo que habla la película. Una es la parte espiritual, religiosa, que tiene que ver mucho con el Opus Dei, protagonista de la película, y otra es la parte quirúrgica, que me provocaba tocar. También el mundo del amor adolescente, que es lo que más me interesa.
La familia no estuvo de acuerdo con la cinta. ¿Cómo manejó el tema?
- Estamos hablando que no es una descripción de la realidad, sino que se inspira en una aventura emocional de una niña real, y de algunos otros casos que no son sólo Alexia González-Barros. Esto arma una ficción que no tiene nada de inventado, pero no en lo que refiere a datos concretos sino a actitudes ante la vida y la muerte.
¿Considera que la comedia le dio el entrenamiento suficiente para abordar el drama?
- Más que la comedia hecha anteriormente, es la madurez personal. Esto de hacer películas es un proceso permanente. Las anteriores películas las historias las busqué más en mi imaginación. En Camino la realidad que me rodea me resultaba más atractiva.
¿Va a volver a la comedia?
- Lo que me ocurre es que después de un proyecto emocionalmente tan intenso como Camino, el cuerpo me pide como terapia abordar algo en un lenguaje muy diferente y reírme de mí mismo y sobrevivir con una sonrisa.
¿Qué le ha parecido la calidad de las películas del Festival de Lima?
- La calidad excelente, la variedad muy sugerente y me parece una suerte poder estar aquí sumergido durante una semana en este océano de películas. El cine latinoamericano me interesa muchísimo, porque, aunque es muy distinto al que yo hago y estoy acostumbrado a ver, tiene mucho que ver conmigo. No sólo compartimos la lengua sino una forma de ver la vida. Lo veo muy cercano.
¿Qué significan los premios para el cine?
- En el caso de Camino el Goya provocó un segundo estreno. En los últimos seis meses he recorrido medio mundo con esto. El éxito de una película no tiene que ver con premios y entradas.

“Soy agnóstico. No creo en Dios y se lo he dicho a él personalmente”

El encanto de lo cotidiano

El cineasta catalán José Luis Guerín tiene en su haber documentales y largometrajes de ficción. Sin embargo, es en el primero de los géneros en los que se le conoce más. En estos días está en Lima como jurado del Festival de Cine en el género de no ficción. Aprovecha su estadía “tomando apuntes” de todo lo que se le cruce con su cámara de video. Conversamos con él sobre su manera de ver su profesión.

Una de las cintas de usted que me ha gustado es En construcción en donde hace un documental de la rutina de un barrio.
- Yo creo que la mejor materia con la que cuenta el cine es la cotidianidad. Como en la pintura, que antes se trataban temas mitológicos, pero que en la modernidad surgen elementos simples, Van Gogh pintando sus zapatos, naturalezas muertas. Las manzanas de Cezane transforman al mundo, no por las manzanas sino por la mirada. Creo que el cine de la modernidad está basado en ese principio de la mirada.
¿Depende de la mirada para ver algo más?
- Sí. No hay que ir detrás de los grandes temas. Hay que descubrirlos en pequeñas observaciones cotidianas.
¿Qué opina que no se considere siempre al documental como arte?
- Eso se debe a que el documental ha estado por muchos años se ha percibido en su vertiente televisiva. Para mucha gente, por desconocimiento, el documental no es una auténtica expresión cinematográfica, sino una herramienta auxiliar del periodismo, de la sociología, o lo que sea. Que es el uso que le ha dado la televisión, que a mí no me interesa. Me interesa el documental cuando tiene un compromiso ético y estético serio con el medio con el que filma.
¿Cuáles son los compromisos con la sociedad distintos a la ficción?
- Tiene los mismos compromisos para mí. Como te relacionas con el mundo pasa por el mismo compromiso ético, tanto en una ficción como en un documental. En la esencia, no creo en la división entre cine de ficción y documental, sino en cine malo y bueno.
¿Cómo logra ese grado de intimidad en los documentales?
- A base de convivencia. En En construcción se gestó en dos años y medio. El estar allí nos permitió entrar a ver historias muy personales. Lo que no podrá pretender un reportero de televisión que llega con prisas para hacer un documental. Como consecuencia de la convivencia, rodar. Si quieres hacer un documental donde el centro sea el ser humano, entonces la fórmula es primero ser buena persona antes que buen cineasta. Acercarte a la gente con respeto y curiosidad.

Sumilla
"El documental es más libre que la ficción porque no está sometido a la tiranía del guión"
(Entrevista hecha en el Festival de Lima de 2008)

Más allá de la cultura pop

Se encuentra en el Perú el intelectual español Eloy Fernández Porta, autor del comentado libro de ensayos sobre la cultura de masas Afterpop.

¿Las definiciones como cultura de masas o arte pop están quedando caducas?
- Así es. Yo creo que estamos en una fase distinta. Creo que el término pop en alguna medida sigue siendo útil. Describe parte de lo que sucede allí afuera. Pero con la evolución que ha seguido la cultura de consumo en los últimos treinta años, ha cambiado los tres factores que definían el producto pop. Éste se ha vuelto más sofisticado, contiene aditivos – llámese teoría, contracultura o basura, y se ha vuelto más técnico. Por otra parte, los medios también se han transformado con la emergencia de los metamedios.
Últimamente artistas como Tarantino o en su país Agustín Fernández Mallo se les asocia con lo pop y son reconocidos. ¿Se está perdiendo el prejuicio a la cultura de masas?
- Hay una parte que se está perdiendo, porque en efecto la cultura pop ha creado su propia iglesia, su propia erudición, sus propios doctores. Ellos han legitimado la relevancia de cosas que hace diez años se consideraban cultura basura y ahora son parte de la cultura oficial. Pero en este camino han quedado cosas importantes por liberar que la teoría de género y de las subculturas ayudan a ver.
Usted habla de un consumidor de pop especializado, pero esa no es la totalidad del público.
- Sí. Por una parte se puede hablar de un mercado que tiene dos velocidades. Está la velocidad del mainstream, del gran curso de la producción de los objetos, que es un curso más ancho y más lento. Y por otra parte está lo que se llama slipstream que es un curso secundario que requiere de una mirada especializada. Yo opino que el antes llamado espectador mayoritario está desarrollando una mirada más técnica, más crítica, y en algunos casos contracultural hacia esos objetos.
Sus textos recuerdan bastante a libros de Rodrigo Fresán como Trabajos manuales y Vida de santos. ¿Se siente emparentado con ese estilo?
- Sí, ya lo creo. En mi libro Afterpop comenté algunos textos de Fresán de su volumen de relatos La velocidad de las cosas. Más allá de las diferencias que puedan haber entre su visión y la mía, estamos jugando en el mismo terreno de juego. Alguna vez lo han considerado como un Borges pop. Yo me siento identificado con sus libros Vidas de santos y La velocidad de las cosas.

Dato
Hoy a las 19.00 horas realizará una conferencia en el centro cultural de España (calle Natalio Sánchez 181, Santa Beatriz).

Foto: Miguel Ángel Bazán

La política de lo incorrecto

Entrevista a Juan Manuel de Prada, escritor español

En España resulta difícil ser escritor que no sea de izquierda, comenta

¿Es difícil en España ser un intelectual que no es de izquierda?
- Es realmente muy difícil, pues aquí el canon oficial ha impuesto un perfil determinado del escritor para poder ser bendecido y yo no respondo a ello. Por eso me toca sufrir un ninguneo sistemático. No he pretendido de una manera premeditada llegar a esta situación. Siempre ha sido mi intención expresarme y escribir en libertad y sin someterme a los dictados de nadie. Los repartidores de bulas, además de decirle a la gente cómo debe pensar, tratan de imponernos a los escritores la manera de escribir.

¿Qué es lo políticamente correcto para un artista?
- No me cabe ninguna duda de que es un lastre, pues es un modo de censura (es más, es la censura moderna) y, como no puede ser de otro modo, cercena la libertad en la que debe instalarse el creador.

¿Considera que la tardanza en darle el Nobel a Vargas Llosa se deba a sus posturas políticas?
- No lo puedo afirmar, pero no me extrañaría nada. El premio Nobel se ha convertido en una regalía que se otorga por razones extraliterarias: políticas, folclóricas, etc.

¿Por qué su afición por las cintas de clase B?
- Supongo que viene de mi inclinación al lado oculto u oscuro del arte, como también me pasa con la literatura. Digamos que el fracaso artístico ha sido siempre una de mis obsesiones más recurrentes, pues no debemos olvidar que el éxito y el fracaso son las dos caras de la misma moneda. En todo caso, en las películas de serie B veo una pureza creativa, un entusiasmo y una ingenuidad que a veces faltan el cine de serie A. Ed Wood es uno de mis iconos favoritos, pues encarna el prototipo de hombre sin talento (y sin presupuesto) que logra ver su sueño hecho realidad, aunque el resultado sea cochambroso. Siempre me han atraído los desheredados del arte que son perseverantes hasta la extenuación.

¿Los artistas actuales le deben más al cine que a la literatura?
- Las influencias recíprocas e intercambios entre el cine y la literatura son notorios y naturales, y en muchas ocasiones han sido muy fructíferas. No obstante, pienso que mal vamos si los escritores están más influidos por el cine que por la propia literatura, pues los lenguajes y los mecanismos narrativos son muy diferentes. En la actualidad, no es infrecuente encontrarse con novelas escritas y estructuradas como si fuesen guiones, lo cual es muy pernicioso para la literatura, que requiere más pausa y reflexión. El peligro estriba en que la literatura rebaje su nivel por inepcia del escritor o por satisfacer a un lector acostumbrado a un estilo desprovisto de los matices que puede introducir la verdadera literatura.

¿Qué opina del cine de Almodóvar?
- Opino que su cine tiene un gran valor, pues ha sabido a lo largo de todas sus películas, crear un mundo propio, un mundo muy personal, con unos códigos y un estilo cinematográfico que llevan su firma en cada plano de sus películas. Eso es en sí mismo un gran mérito para un artista, sólo al alcance de los más grandes como Buñuel. Sin embargo es un poco desigual. En definitiva, lo mejor lo hizo en los años ochenta, con películas como La ley del deseo.

¿Le fue difícil alejarse en la ficción el tener como personajes a gente del mundo cultural y artístico?
- Eso fue así en mis primeros pasos como escritor. En La tempestad, novela también de mis comienzos, me alejaba de esos mundos. En mi última novela, La vida invisible, estaba presente ese elemento en la figura de Fanny Riffel, la pin-up que desciende a los infiernos del oprobio y la locura, pero de un modo muy diferente a cómo ocurría en otros libros míos, como Las esquinas del aire. La atracción por todo este mundo, quizá se deba, como dije antes, a mi atracción por el fracaso en el arte.

¿En qué libro trabaja actualmente?
- Estoy dando los últimos retoques a una novela ambientada en gran parte en la II Guerra Mundial, que trata el tema de la búsqueda de la identidad, de las imposturas de la memoria histórica - ya sabrá que en España el gobierno es adalid de una memoria histórica falseada - y de la ambigüedad moral. Espero que la novela salga a la venta en los primeros meses del próximo año y ojalá llegue a manos de los lectores peruanos.

Sumilla
"El Nobel lo dan por razones folklóricas"

Perfil
Juan Manuel de Prada Blanco / Baracaldo, País Vasco (España), 1970

Con sólo 24 años causó polémica en su país por publicar la selección de relatos Coños. Antes de cumplir los treinta ya había publicado varios títulos más, entre los cuales destaca La tempestad, premio Planeta de 1997. En España es conocido por sus controvertidas columnas de opinión y por sus comentarios de cine. Aunque afirma que el fútbol no le quita el sueño, asegura que todos los equipos deberían imitar al Athletic de Bilbao, su cuadro, que contrata solamente jugadores de la zona. Entre los escritores peruanos que admira menciona a los esperables Vargas Llosa, Ribeyro, Bryce Echenique y... Felipe Sassone, un comediógrafo limeño que se asentó en el Madrid de comienzos de siglo.

“Todos necesitamos de disfraces para ser queridos”

Hay unas cuantas preguntas que odia Rosa Montero: ¿Prefiere la ficción o el periodismo? ¿Existe la literatura de mujeres? Pero ni porque lo ha escrito numerosas veces y pone cara de fastidio cada vez que se las repiten, esas interrogantes dejan de perseguirla en cada encuentro con la prensa.
Como para llevar la contra, su última novela, Historia del rey transparente, narra la historia de una muchacha en la Edad Media que decide vestirse de varón para rescatar a su novio.

¿Para evitar que se le asocie con literatura feminista, ahora traviste a la protagonista de su novela en hombre?
- Lo que sucede es que tiene un problema de identidad personal y sexual que lo tenemos todos. Es un problema general y muy del siglo XXI. En eso los hombres están perdidísimos también con qué significa ser hombre y qué no. Yo no he escrito una novela de una tía, sino de una persona. Que ella se disfrace de caballero, y ande a ratos vestida de hombre, a ratos de mujer, es sólo parte de la novela. Todos nos disfrazamos para ser queridos, hombres y mujeres. Madurar tal vez consiste en quitarse algunos disfraces.

Su novela, ambientada en la Edad Media, parece mostrar que siempre se necesitó disfrazarse para conseguir algo.
- Claro, eso sigue siendo así. Para mí es una novela de aventuras en el siglo XII. Yo no la escogí. Tú no eliges las historias, ellas te escogen a ti. Cuando se me ocurrió Historia del rey transparente estaba leyendo mucho sobre la época medieval. Por eso ambiento la trama en ese tiempo. Yo no decidí hacer una novela histórica, simplemente salió así. A mí no me interesa reconstruir dicho período, sino contar una fábula sobre lo esencial de la vida.

¿Por eso toca temas comunes de actualidad?
- Sí, actuales y de ese entonces. Por ejemplo, la conciencia de la individualidad surge en esos años. Con seguridad también tenían el problema de saber quiénes eran.

En un capítulo describe a los hombres de armas de la época como terribles gusanos en capullo de hierro. ¿Se podría leer como una frase pacifista?
- Esa frase es preciosa. Forma parte de un canto juglar de verdad del siglo XII. Decir que es pacifista es imponer ideas contemporáneas en una época que no era así. Los juglares hablaban del dolor que sufrían los caballeros a pesar de su armadura.

¿Qué obsesiones literarias ha tenido perdurable?
- De repente me gustó descubrir a un escritor español que desconocía que se llama Alfonso Mateo Sagasta. Pero él tiene sólo tres libros, por lo que lo acabé corriendo. Otra pasión que me durará años fue la del medioevo. Además, se me dio por leer sobre la cultura grecorromana, pero de allí no salió ninguna novela. El grupo Bloomsbury de Virginia Woolf y John Maynard Keynes me ocupó también otra temporada. A Nabokov me lo leí absolutamente todo.

¿Se necesita ser apasionado por la lectura para ser escritor o periodista?
- Todos los novelistas que conozco somos en primer lugar apasionados por la lectura. Yo creo que somos en primer lugar lectores. Lo digo en La loca de la casa. Le he preguntado a varios colegas qué preferirían, dejar de leer o de escribir. El 98 por ciento me dice que escogen conservar la lectura. Sobre todo entre los novelistas, porque periodistas hay muchos que no leen ni un carajo.

¿Cada vez se lee menos?
- La lectura siempre ha sido una cuestión de minorías. Hoy esa minoría es más grande que nunca, y creciendo. Nunca se ha leído tanto como ahora.

¿Qué entrevista más le gustó hacer?
- Me gustó entrevistar a Paul McCartney, porque desde los trece años soy una fan de los Beatles. Después lo vi ya mayor, hecho un asco y tal, pero es encantador. Es muy majo, muy vivo y muy normal.

¿Cuál fue la que le desagradó más?
- Hay una que fue la peor, la de Arafat. Creía que era una persona fascinante que había sobrevivido tantas cosas. Todas las entrevistas que había leído de él me parecían malas y lo ponían a parir. Yo creía que era porque no se la habían sabido hacer. Sin embargo, cuando se la hice tuve la sensación que estaba ante un monstruo. Trataba a su gente como un dictador.

Dato
Rosa Montero tiene lazos familiares con el Perú. El hermano de su madre, también artista, emigró a estas tierras. Por este motivo, sus primas han nacido en Lima. Actualmente, la viuda de su tío sigue residiendo en la capital peruana.

Perfil
Rosa Montero Gallo / Madrid, 3 de enero de 1951
La escritora se crió en un hogar de clase media baja en el madrileño barrio de Cuatro Caminos. Cuatro años de su niñez los pasó en cama debido a la tuberculosis. A los 17 años, antes que fuera periodista o escritora, formó parte de grupos teatrales de vanguardia. Ha ganado numerosos premios, no sólo por sus entrevistas y reportajes, sino también por sus relatos de ficción. Algunas de sus obras más conocidas son La hija del caníbal y La loca de la casa.