Arte actual a discusión *

Opiniones divididas generó en el ambiente de la plástica local las declaraciones de Fernando de Szyszlo, quien aseguró que el arte actual era decepcionante. Creadores como Marcel Velaochaga o Shila Alvarado quienes comentaron en contra de ciertas propuestas en que se le da mayor importancia a la curaduría. Mientras que por su parte Herbert Rodríguez consideró que el afamado pintor no entiende los nuevos planteamientos.

Fernando de Szyszlo, en entrevista con el diario oficial El Peruano, declaró que "lo que se hace en este momento en materia de arte es decepcionante y no me interesa. Son gestos, conceptos que no tienen nada que ver con la pintura".

Rodríguez, quien fuera uno de los administradores de El Averno y animador de la escena contracultural, opinó que de Szyszlo es un representante de la década de 1940 en el que la abstracción se imponía al indigenismo y que con sus opiniones sobre lo que se hace en este momento evidencia su desconocimiento.

Herbert Rodríguez lamentó la opinión de De Szyszlo y consideró que "no puede ver la potencialidad de lo que se está haciendo ahora porque su referente es el punto de vista de su generación". Indicó que hacer arte con nuevas tecnologías con computadoras o multimedia no sería arte para de Szyszlo, porque cree que hacer arte es hacerlo como lo hacían los artistas en su época.

Una posición similar tiene Marcel Velaochaga, quien consideró que a de Szyszlo le cuesta entender el arte que se hace ahora y que nunca pudo entender algunas corrientes como el Pop. Sin embargo reconoció que parte de su crítica tiene asidero.

Mencionó por ejemplo que ahora el arte "necesita traductor". "Hay más curadores que artistas", ironizó Velaochaga, autor de una conocida reelaboración de Los funerales de Atahualpa de Luis Montero.

En ese sentido, comentó que en algunas ocasiones una persona no especializada puede confundir una muestra con un catálogo de ferretería y ser llevada a error.

Para todos

Por su parte, la artista plástica Shila Alvarado indicó que existen diferentes corrientes artísticas para que puedan disfrutar todas las personas. Ella confesó que prefiere las obras de autores clásicos como Monet y Picasso, pero eso es una opción personal.

"Me gusta el arte que todos puedan comprender", añadió. "Si tienes que leer un texto antes de apreciarlo, me parece que no está abierto a todo el mundo", agregó la conocida pintora.

Por otro lado, recordó que la propuesta de de Szyszlo, ahora aceptada por el consenso, fue en su momento nueva y moderna. Consideró que cuando Szyszlo empezó fue difícil para el público entenderlo porque se salía del patrón de lo conocido.

* Nota publicada en el diario oficial El Peruano en diciembre de 2012 a raíz de unas declaraciones de Fernando de Szyszlo sobre el arte actual. 

Fernando de Szyszlo: La pintura es cómo la música

Ayer fue condecorado Fernando de Szyszlo, tal vez el mayor referente vivo de la pintura peruana. Son días agitados para el artista, quien hace pocos días inauguró una gran retrospectiva en el Museo de Arte de Lima. Aprovechando un descanso en su trabajo, aprovechamos para conversar con él sobre sus inicios, el arte y su relación con la música.

¿Ha sido distinta la emoción con esta muestra a una exposición normal?
- Esta ha sido especialmente agitada. No porque yo la haya hecho. Me ha demandado menos trabajo físico. Es una exposición más grande y ha tenido un eco mucho mayor. Más reportajes, idas al museo, etc. En ella está desde el primer cuadro que expuse en 1945 hasta pinturas de este año.

¿Cómo vivió la venta de sus primeros cuadros?
- Vender el primer cuadro fue una emoción verdadera. Era saber que para una persona que no era yo, algo hecho por mí tenía valor económico y real. Porque yo era un pintor pobre. Eso me ayudaba a vivir. En esa exposición en los años 40 vendí tres cuadros. Lo curioso es que seguí familiarizados con ellos, pues dos de ellos lo compraron amigos míos – los arquitectos Córdova y Williams – y el otro el psiquiatra Carlos Alberto Seguín. Los he tenido a la vista, en cambio el resto, mil y pico no sé dónde andan. El primer cuadro lo vendí a 300 soles, y creo que el dólar estaba a 14 soles. No era mucho.

¿Cuál cuadro le ha costado más hacer?
- Todos me han hecho trabajar mucho. Pero hay algunos que me han hecho poner más trabajo que otros, sin que signifique que sean mejores. Hay cuadros que salen muy fácilmente, en dos o tres días, y son mejores que otros que me han demandado semanas. No tiene nada que ver el tiempo que uno le pone con su calidad. Cuando pinta, uno pasa más tiempo mirando que haciendo el cuadro. Al mirar el cuadro es allí que lo estoy pintando, corrigiendo, tratando de chapar, coger la idea.

¿Siempre tratando de llegar a algún concepto?
- Concepto no, sino a una sensación. Salvo el arte más reciente trata de comunicar una idea. Pero el arte real quiere expresar a usted una idea, que el artista la siente y quiere que usted la sienta. Es algo que no va a la cabeza, sino al corazón. Usted no debe comprender un cuarteto de Schubert para sentir su música. Es algo que va directamente a nuestras emociones más profundas. No pasa por una reflexión, un entendimiento.

¿La pintura es cercana a la música?
- Sin duda. Lo que más se parece a la pintura es la música. Es un lenguaje que usa para expresarse elementos que son intraducibles. Los sonidos no puede ponerlos en palabras. Son una serie de notas que lo conmueven a usted profundamente, y no puede expresar qué cosa es, qué misterio, qué sonidos, luces y sombras, lo pueden afectar a uno. No es lo mismo que la literatura, que usted lo puede entender, te abre unos horizontes. Cuando lees a Dostoievski, te encuentra dentro de esas descripciones. El arte en general hay complicidad siempre, entre el que la produce y el que la experimenta. El espectador debe poner una parte de él, o sino, no está completo, no hace click.

¿Sin complicidad no hay arte?
- Debe haber esa complicidad. En algunas artes reclama más de un espectador. En pintura uno está acostumbrado a que la vista identifique los objetos. Pero en la pintura abstracta, si no estás preparado, tal vez no “leas” el cuadro. No hay manera de comprenderlo. Yo siempre cuento una anécdota de Matisse. Una señora le dice que no comprendía sus cuadros, y él le repreguntó si comprendía a las ostras. No hay nada qué comprender. En el placer del arte no hay nada que comprender.

Arguedas y lo occidental
Usted posee una amplia colección de arte prehispánico. ¿Le sirve como inspiración?
- Para trabajar dan ideas. Me enriquecen. Al ser pintor, a uno lo enriquece todo. Un arte visual que todo lo que le toca a uno le puede dar ideas para expresarse. El pintar es una experiencia emocional, no es una reflexión mental. Sobre todo, en el tipo de pintura que yo hago, que es más bien expresionista, que no se fija mucho en el aspecto de la forma, sino en el contenido que pueda provocar.

Uno pensaría que Arguedas podría entender la obra de usted por las referencias prehispánicas, pero ha comentado antes que no era así.
- Yo creo que José María estaba muy metido en el mundo indígena. Yo creo que algo sentía. Uno de los cuadros de la muestra es uno que yo le regalé. Él era una persona inolvidable, valiosísima. Es una persona que han tratado de atrapar los antropólogos. Es un gran poeta. Su prosa es de una belleza increíble. Él ha sido fiel a la circunstancia indígena. Pero eso sólo son los ingredientes que produjeron la obra, esa prosa maravillosa. Es como Proust, que asistía a reuniones sociales, a cosas frívolas, pero que en su obra hay una filosofía tremenda. No lo puedes tomar como un snob. Igual, a Arguedas con la antropología.

Habrá sido emocionante escuchar a Vargas Llosa en Oslo referirse a Arguedas en su discurso ante la academia.
- Esa frase que tiene Mario sobre el invento de la frase “todas las sangres”. Eso somos nosotros. Por eso, los latinoamericanos nos interesamos igual por poesía inglesa, española, francesa. Cosa que no sucede en Europa. Sólo en América Latina se dan esos personajes como Borges, Octavio Paz o Emilio Westphalen, que abarcan todo, que tienen una cultura totalizadora.

¿Somos los más occidentales?
- Sí, somos occidentales de una forma que no se había conocido. Borges es un ejemplo de ello.

Otros enlaces:

Video de la entrevista

La urgencia del lienzo (entrevista de 2009)

Fernando de Szyszlo: La urgencia del lienzo

(Nota publicada en el diario El Peruano hace un par de años)

Dentro de poco (noviembre de 2009) Fernando de Szyszlo exhibirá sus últimas creaciones en la galería Forum. A sus 84 años de edad se muestra entusiasmado con su pasión por la pintura.

¿Qué novedad habrá en la muestra que presentará esta semana?
- Yo siempre he estado buscando lo mismo. Son replanteos del mismo problema que he tenido siempre. El de sacar un cuadro oscuro que tengo adentro los últimos sesenta años.
¿Siempre ha sido el mismo cuadro el que viene persiguiendo?
- No es el mismo cuadro. Lo que siento no es una forma, sino un clima, una sensación. Entonces, lo trato de atrapar por distintos caminos. Eso provoca serie de cuadros. Cojo un camino y lo exploto. Yo encuentro que no he conseguido lo que quería y lo vuelvo a intentar. Nunca he tenido la intención de hacer una colección de cuadros que se llame "Mar de Lurín", por ejemplo.
¿Usted cada vez pinta más o pinta menos?
- Más. La compulsión por pintar es mayor porque siento que se me acaba el tiempo. Siento que no he pintado lo que quería. Siempre digo que una persona de mi edad el futuro es mi presente. Voy a seguir pintando hasta que pueda. La vocación es una compulsión, lo que da significado a mi vida.
¿Qué pintor se ha acercado a su cuadro ideal? ¿A qué pintor admira?
- Admiro a cantidad de gente, y entre ellos a muchos pintores. Los que más se acercan a mi ideal de pintura es Rembrandt y Leonardo, pero más alcanzable me parece la pintura de Delacroix o Pierre Bonnard. Pero eso no quiere decir nada, son simples modelos.
¿Qué cuadro le hubiera gustado pintarlo?
- Me hubiera gustado pintar La muerte de Sardanápalo de Delacroix. Un cuadro enorme, precioso. Cada vez que voy a París lo primero que hago es irlo a ver al Louvre.
Es interesante cómo usted combina el arte moderno con lo precolombino.
- Es que está muy cerca. Los primitivos peruanos, como los primitivos africanos, lo que querían era expresar un contenido. La forma que ese contenido adquiere no es lo importante. A fines del Renacimiento el aspecto, la forma, se tornó muy importante. El arte primitivo, como el arte que yo intento hacer, lo que importa es el contenido. Lo que usted ve es el resultado de tratar de darle forma a ese contenido.
¿Actualmente se mantiene en la región esa búsqueda de los artistas de su generación de ser "contemporáneos" con el resto del mundo?
- Sigue ese problema de críticos y directores de museo que requieren que los pintores jóvenes imiten lo de afuera. Pero hay pintores que miran para adentro. Lo terrible que organizaciones como el Museo de Arte del paseo Colón se ocupe de instalaciones, de búsquedas vanguardistas válidas, pero que no tiene nada que ver con la función un Museo de Arte del Perú. Debería ser un estudio del arte peruano. Se dedica a buscar instalaciones en las ferias de París cuando acá se necesita que pequeñas organizaciones culturales, como hace en este momento la Británica, haga retrospectivas del indigenismo, de Carlos Quispez Asín. Lo mejor de Sérvulo Gutiérrez debería estar en un museo.

Frases
"Igual como me he nutrido admirando a Rembrandt y Tiziano, también lo he hecho con el arte precolombino peruano y americano"
"La gran paradoja del arte peruano es que fue independiente en el mundo precolombino e incluso durante la Colonia, porque los obligaban a pintar imágenes para las iglesias pero lo hacían a su manera. El arte peruano se vuelve colonial con la independencia"
"No hay cosa más tirada de los cabellos que el Pop Art en el Perú. El Pop Art es el producto de la intoxicación de la publicidad visual de sociedades consumistas. Eso no tiene nada que ver con nosotros".

(Foto tomada de Wikipedia)